Bøger om Modernisme

En klassiker om danske designmøbler, deres priser på auktion, markedstendenser og historie - gennemillustreret med mere end 400 suveræne fotos. Bogen er skrevet af de to største kapaciteter på området, og er uundværlig for enhver, der vil vide, hvad man skal betale for de danske møbelklassikere - eller hvilken pris, man kan opnå, hvis man selv vil sælge. Bogen indeholder tre dele: Alt om tendenserne på auktionsmarkedet for designmøbler - hvad går op og hvad går ned. Gennemgang af de 300 bedste danske designmøbler solgt på auktion gennem de seneste tre år - og det er det konkret solgte, designmøbel, der afbildes. I teksten til hvert møbel får vi præcis information om designer, år, materiale og den individuelle historie bag hvert møbel. Der er også noteres referencepriser på hammerslagspriser på det tilsvarende møbel på auktioner i udlandet. Hver designer har sit kapitel: Arne Jacobsen, Poul Kjærholm, Finn Juhl, Hans J. Wegner, Børge Mogensen, Kaare Klint, Nanna Ditzel og mange flere. I et særskilt kapitel præsenteres den nye generation af danske designere og deres møbler, som f.eks.: Louise Campell og Kasper Salto. Historien om dansk møbeldesign fra 1930 til 1970 med perspektiver til i dag. En overskuelig designhistorie illustreret med samtidige billeder og fyldt med informationer for såvel den alment designinteresserede som for samleren.

Komplet nyoversættelse af en af verdenshistoriens klassikere; Musils mesterværk om århundredets begyndelse og tiden i det østrig-ungarske rige lige før udbruddet af Første Verdenskrig.

Finlandssvenske Edith Södergran (1892-1923) er et fyrtårn i moderne svensk poesi og regnes blandt de mest banebrydende modernister, også i internationalt perspektiv. Hendes trodsige livsførelse og stærke lidenskab i hendes digte bliver ved at fængsle nye generationer af læsere.Södergran var veluddannet, belæst og endvidere påvirket af fransk symbolisme, russisk futurisme og tysk ekspressionisme og fik enorm indflydelse på den nordiske modernisme i skandinavisk digtning. Hun betragtes som den første kvindelige digter, der revolutionerede digtningen; den første, der frigjorde sig fra de traditionelle rimede vers – for hvilket hun i sin samtid blev mødt af en enorm kritik og decideret latterliggørelse.Det er første gang siden 1979, at Edith Södergran udkommer i samlet dansk oversættelse, bearbejdet af teaterinstruktør Line Krogh og koncertsangerinde Merete Bækkelund.

Arkitektur- og idehistorikeren Carsten Thau efterlod sig ved sin tidlige død i 2021 et work-in-progress-essay med titlen ”Om transparens”. Det udgives i denne bog sammen med et par håndfulde andre essays, der giver et stærkt billede af hvordan Thau krydser arkitektur med idehistorie, bysociologi med æstetik, personalia med kulturhistorie. En enestående og inspirerende indsats, der kaster lys i mange retninger. Carsten Thau (1947-2021). Studier i Aarhus, Frankfurt og Cambridge. Cand. phil. i idéhistorie 1973; lektor ved Arkitektskolen i Aarhus 1976-94; fra 1994 professor i arkitekturens teori og historie ved Kunstakademiets Arkitektskole i København; medlem af Akademirådet; tildelt Statens Kunstfonds livsvarige hædersydelse.

Rainer Maria Rilke (1875-1926), tysksproget digter og oversætter, født i Prag. Rilke-brevene, der både er visdomslitteratur og litterær poetik, er siden deres posthume udgivelse i 1929 blevet læst vidt og bredt, men brevvekslingen har ikke tidligere været udgivet i sin helhed. Her foreligger den fulde korrespondance mellem Rainer Maria Rilke og Franz Xaver Kappus for første gang på dansk. I oversættelse ved Karsten Sand Iversen.

"Recalling a charcoal she made in 1916, Georgia O'Keeffe later wrote, 'I have made this drawing several times--never remembering that I had made it before--and not knowing where the idea came from.' These drawings, and the majority of O'Keeffe's works in charcoal, watercolor, pastel and graphite, belong to series in which she develops and transforms motifs that lie between observation and abstraction. In the formative years of 1915 to 1918, she made as many works on paper as she would in the next 40 years, producing sequences in watercolor of abstract lines, organic landscapes and nudes, along with charcoal drawings she would group according to the designation 'specials.' While her practice turned increasingly toward canvas in subsequent decades, important series on paper reappeared--including charcoal flowers of the 1930s, portraits of the 1940s, and aerial views of the 1950s"--Harvard Bookstore website (viewed on April 12, 2023)

Edith Södergrans Septemberlyren er et ikonisk værk fra forfatteren der betegnes som den første, og største, modernist i svensk-finsk poesi. Digtsamlingens “Indledende bemærkning” er en bredside til tidens (mandlige) kritikere og det litterære parnas, og vel en af de mest kraftfulde indledninger nogensinde skrevet til en digtsamling. Den afsluttes med de senere så berømte ord:Min selvsikkerhed beror på at jeg har opdaget mine dimensioner. Det er ikke op til mig at gøre mig mindre end jeg er.Södergran hengiver sig betingelsesløst til digtenes skabende kraft. Ofte bevæger hun sig gennem utopiske landskaber. Ofte med stærk inspiration fra Nietzsche. Og ofte med et engagement, en insisteren og en vildskab der er hæsblæsende.TRIUMF AT VÆRE TIL . . .Hvad frygter jeg? Jeg er en del af uendeligheden.Jeg er en del af altets store kraft,en ensom verden i millioner af verdener,som en førstegradsstjerne der slukkes sidst.Triumf at leve, triumf at ånde, triumf at være til!Triumf at mærke tiden løbe iskold gennem sine årerog høre nattens tavse flodog stå på bjerget under solen.Jeg går på sol, jeg står på sol,jeg kender ikke til andet end sol.Tid — forvandlerske, tid — fordærverske, tid — fortryllerske,kommer du med nye rænker, tusind kneb for at byde mig en tilværelsesom et lille frø, som en snoet slange, som en klippe midt i havet?Tid — din morderske — vig fra mig!Solen fylder mit bryst op til randen med dejlig honningog hun siger: engang slukkes alle stjerner, men de lyser altid uden frygt.

Knudåge Riisager (1897–1974) var en af sin samtids mest fremtrædende danske komponister og kulturpersonligheder. Efter som ung at have komponeret en række kammer-musikværker og sange rejste han i 1923 på studieophold i Paris. Her stiftede han bekendtskab med tidens nye musik af bl.a. Satie, Stravinsky, Varèse, Prokofiev, Milhaud og Poulenc, og impulser herfra satte sig stærke spor i hans værker. I 1930’erne mødte han koreografen Harald Lander og skabte med ham en lang række balletværker, af hvilke Etudes, bygget over Carl Czernys klaveretuder, har gået sin sejrsgang over store dele af verden.Et generelt træk ved Riisager var hans åbenhed over for tidens nye strømninger. Den gav sig udslag i nogle originale balletter, som han udarbejdede sammen med Birgit Cullberg: Månerenen og Fruen fra havet. I sine sidste 10 år komponerede Riisager flere værker med modernistiske træk. Det gælder korværket Sangen om det Uendelige og Til Apollon for orkester. Han skrev også populære sange som »Nord og syd og øst og vest«, »Mor Danmark« og »Danmarks Frihedssang«.Riisager var cand.polit. og i en årrække kontorchef i Finansministeriet. I 25 år var han formand for Dansk Komponistforening og fra 1956 til 1967 direktør for Det Kongelige Danske Musikkonservatorium.Livet igennem var Riisager en markant skribent og debattør. Hovedparten af hans kronikker, artikler og debatindlæg drejer sig om musikalske emner som fx diskussionen om Musikradioen i 1963. Det stærke engagement kombineret med en nøgtern og saglig udtryksform gav ham gennemslagskraft og gjorde ham til en kendt og respekteret skikkelse også i offentligheden. Riisager optrådte således flere gange i tegneserien »Radiserne« og Politikens »At tænke sig«.Claus Røllum-Larsen er mag.art. og ph.d. i musikvidenskab fra Københavns Universitet og siden 1997 forskningsbibliotekar og seniorforsker ved Det Kongelige Bibliotek. I 1990 udgav han Kong Frederik IX og musikken. Musikhistoriske studier i det danske kongehus og i 2002 Impulser i Københavns koncertrepertoire 1900-1935. Studier i præsentationen af ny, især udenlandsk instrumentalmusik.

Virginia Woolfs samlede selvbiografiske skrifter, der forblev uudgivne længe efter hendes død udgives her for første gang på dansk i sin helhed ved oversætter Karsten Sand Iversen. To af bogens fem dele er tidligere udkommet i skriftserien Bestiarium til anmelderroser, men er for længst udsolgt fra forlaget. Dengang skrev anmelderne bl.a:»Virginia Woolfs erindringsskitse er en fantastisk forklaringsnøgle til forfatterskabet og de kræfter, som kæmpede i hendes indre.« ❤ ❤ ❤ ❤ ❤ »Et elegant, vittigt og ikke så lidt giftigt mini-memoir fra barndomshjemmet i Kensington.« ❤ ❤ ❤ ❤ ❤ – Politiken Her foreligger de samlede erindringsskitser i en smuk indbinding med hård ryg og en til værket gjort omslagsillustration fra den svenske kunstner Fanny Spång. Bogen er formgivet af Hakkiri og redigeret af Andreas Vermehren Holm. Virginia Woolf (1882–1941), engelsk forfatter, forlægger og kritiker.

An illuminating biography of one of the most famous--and most famously unfinished--buildings in the world, the Sagrada Familia of Barcelona.The scaffolding-cloaked spires of Antoni Gaudí's masterpiece, the Sagrada Familia, dominate the Barcelona skyline and draw in millions of visitors every year. More than a century after the first stone was laid in 1882, the Sagrada Familia remains unfinished, a testament to Gaudí's quixotic ambition, his religious devotion, and the sensuous eccentricity of his design. It has defied the critics, the penny-pinching accountants, the conservative town-planners, and the devotees of sterile modernism. It has enchanted and frustrated the citizens of Barcelona. And it has passed through the landmark changes of twentieth-century Spain, surviving two World Wars, the ravages of the Spanish Civil War, and the "Hunger Years" of Franco's rule.Gijs van Hensbergen's The Sagrada Familia explores the evolution of this remarkable building, working through the decades right up to the present day before looking beyond to the final stretch of its construction. Rich in detail and vast in scope, this is a revelatory chronicle of an iconic structure, its place in history, and the wild genius that created it.

A searing critique of participatory art by an iconoclastic historian.

"Hvem er bange for Virginia Woolf", spørger Edward Albee i sit skuespil"?Det er der mange læsere, der er. Hvis man frygter hende, kender jeg den rette kur: læs hende!Virginia Woolf (1882–1941) var feminist og modernist, og hun skal ikke læses for handling eller for personkarakteristik, for det er ikke hendes ærinde. Først og fremmest skal hun læses for sin uovertrufne, elegante og vittige stil. Alt får poetisk fylde i hendes forfatterskab. Som feminist udspyer hun sin galde over mandsvældet i sit essay: `"Eget Værelse" og som pacifist i "Tre Guineas". Som modernist fragmenterer hun sproget.Hun levede i en for Europa dramatisk tid med to verdenskrige. Men hun formår, at formidle sindets drama. Hendes sindstilstand har været genstand for utallige bøger og artikler; hun levede på kanten af en mental afgrund, men netop derfor blev hun kunstner. Hun blander virtuost ydre begivenheder med indre i sin sans for "det små i det store". For hun kan begge dele, både storm og stille. Det er ikke alle forfattere forundt, og det viser den modne skribent. Men hendes primære styrke: det velovervejede indblik i menneskets natur, kan være både foruroligende og fascinerende. Hendes mesterværker: "Mrs. Dalloway" og "To the Lighthouse" ("Til fyret") kræver en dristig læser, der formår at trænge ind i hendes verden af sansninger og stemninger. Hun er skiftevis varm, kold, ondskabsfuld, empatisk, klog og vittig, men aldrig ligegyldig.Hun byder sig ikke til, men hun kan være vanedannende.

Gedanken- und Wortspiele, zwischen Liebe und Schmerz, Witz und Tiefgründigkeit. Kleine und große Texte, mit viel und auch weniger Bedeutung. Zum Nachdenken, Hinfühlen, Reflektieren und Amüsieren.

Provokerende kunstneriske udtryk har spillet en fremtrædende rolle i medierne i de seneste 25 år. Men med tre begivenheder i nyeste tid er spørgsmålet om provokationskunsten aktualiseret. Diskussionen om forskellige kunstneriske provokationer i medierne fører sjældent til nogen egentlige indsigter. Mediernes hensigt med at bringe historier om provokationskunst er ikke, at søge at forklare, men at ophidse. At vække en altid slumrende forargelse. Det er velkendt i psykologien, at evnen til at reflektere logisk og rationelt nedsættes proportionalt med det følelsesmæssige engagement. Hvis det i forvejen er svært at diskutere og forstå hvad kunst er, bliver det helt umuligt, når man kaster en buste i havnen og kalder det kunst, slagter en gris som økologisk aktions-kunst, eller udstiller hjemløse på et museum. Tendensen til at provokere kan i den vestlige kunst spores helt tilbage til antikkens sværmen for det incestuøse drama om Kong Ødipus. Den genoptages i nyere form i reformationens neo-kapitalistiske hollandske samfund. Men i det ultramoderne mediesamfund, hvor alle konkurrerer om at få deres kunst omtalt i medierne, antager provokunsten helt ekstreme former. Tilsidst står kun tabuoverskridelsen tilbage, og medieomtalen er det eneste, der sikrer værket som kunst.Denne bog forsøger at forklare, hvorfor indholdet i billedkunsten ofte har drejet sig om det anderledes, det tabuoverskridende.Den tegner den historiske baggrund for provokations-kunsten, gennemgår en række nyere internationale kunstneres provokationer, samt præsenterer ca. 50 danske kunstnere, der i større eller mindre grad arbejder med grænsesøgende og tabuoverskridende emner i deres kunst.

From an inside peek at the inner workings of Hollywood to the backstage drama of Broadway, from a poignant look at the black upper class to an honest look at the WASP elite, this elegantly wrought memoir of an extraordinary family has something for everyone.Growing up with a black Auntie Mame-like mother (who performed with the likes of Lena Horne) and an Anglo sea-faring father, Susan Fales-Hill moved seamlessly between many worlds. But it was from her mother -- a woman who was dressed by Givenchy and sculpted by Alexander Calder, yet rejected by many a casting agent for her "dark," unconventional looks -- that Susan drew inspiration, particularly when she faced challenges in her own career as a television writer in Hollywood, a town that wasn't always receptive to positive images of people of color. As a result the two developed a bond that mothers and daughters everywhere will find inspiring. Both a universally touching mother-daughter story and a portrait of a dazzling American family, Always Wear Joy is a memoir readers won't soon forget.

An adobe dwelling is a delight because all of its parts come together. The approach-the portal or the patio-has an appeal because the materials feel natural. The door welcomes one and the floor inside, the walls, the ceiling are compatible. The textures and materials make sense as expressions of a building that grew organically. Adobe Up Close invites you to take a good look at all the aspects of adobe buildings. There are so many variations of the components that create the recognizable New Mexican mystique. Adobe Up Close lets you see inside the houses you pass by as you walk the streets of Taos and Santa Fe. Learn how the indigenous roots, going back hundreds of years, have led to contemporary interpretation. Feel how tactile working with mud is. Feel the dirt under your fingernails. Feel how just the right amount of water makes the dirt malleable. You will love the result as generations have.

60 photographs72 pagescritical essayintentional camera movement (ICM)motion blurunique perspective new york citynew jerseypennsylvaniaInterstate 78

A critical look at the competing motivations behind one of modern architecture’s most widely known and misunderstood movements  Although “mid-century modern” has evolved into a highly popular and ubiquitous architectural style, this term obscures the varied perspectives and approaches of its original practitioners. In Nothing Permanent, Todd Cronan displaces generalizations with a nuanced intellectual history of architectural innovation in California between 1920 and 1970, uncovering the conflicting intentions that would go on to reshape the future of American domestic life.Focusing on four primary figures—R. M. Schindler, Richard Neutra, and Charles and Ray Eames—Nothing Permanent demonstrates how this prolific era of modern architecture in California, rather than constituting a homogenous movement, was propelled by disparate approaches and aims. Exemplified by the twin pillars of Schindler and Neutra and their respective ideological factions, these two groups of architects represent opposing poles of architectural intentionality, embodying divergent views about the dynamic between interior and exterior, the idea of permanence, and the extent to which architects could exercise control over the inhabitants of their structures.Looking past California modernism’s surface-level idealization in present-day style guides, home decor publications, films, and television shows, Nothing Permanent details the intellectual, aesthetic, and practical debates that lie at the roots of this complex architectural moment. Extracting this period from its diffusion into visual culture, Cronan argues that mid-century architecture in California raised questions about the meaning of architecture and design that remain urgent today.

Le rivoluzioni artistiche, nel corso dei secoli, sono state molto spesso conseguenti a rivoluzioni di pensiero, espresse dagli artisti e dai poeti, dagli scrittori, dai filosofi, dai pensatori. Non si sarebbe potuto arrivare ad una concezione fisica dell'arte - di cui massimo esponente italiano fu Piero Manzoni, con opere come Corpi d'Aria del 1960 - che veda la stessa come ciò che è intrinseco all'artista, senza passare per i vari tentativi di comprendere i moti psichici che spingono l'uomo a teorizzare ed eseguire opere frutto di pensiero e di espressioni emotive. Gli stessi principi sono alla base dello studio psicoanalitico condotto alla fine dell'Ottocento dal celeberrimo neurologo e filosofo austriaco Sigismund Schlomo Freud.C'è quindi, prima di tutto, da tracciare un quadro filosofico del contesto in cui la psicoanalisi e le Avanguardie sono fiorite, e della condizione spirituale dei pensatori dell'epoca. Il ripudio del Positivismo è certamente un punto in comune fra le teorie Freudiane ed alcune Avanguardie: se da una parte lo psicoanalista austriaco aveva messo fortemente in discussione l'approccio positivista alla psicologia, criticando la concezione puramente - e ingiustificatamente - razionale di un argomento così delicato quanto la psiche umana, dall'altra avanguardie come Dada - neanche vent'anni dopo - rinnegavano in modo totale la ragione positivistica, insieme ai concetti di bellezza, agli ideali e ad ogni forma di modernismo.

History and Class Consciousness: Studies in Marxist Dialectics (German: Geschichte und Klassenbewußtsein: Studien über marxistische Dialektik) is a 1923 book by the Hungarian philosopher György Lukács, in which Lukács re-emphasizes Georg Wilhelm Friedrich Hegel's influence on Karl Marx, analyses the concept of class consciousness, and attempts a philosophical justification of Bolshevism. History and Class Consciousness, which helped to create Western Marxism, is the book for which Lukács is best known, and some of his pronouncements have become famous. Nevertheless, History and Class Consciousness was condemned in the Soviet Union and Eastern Europe, and Lukács later repudiated its ideas, and came to believe that in it he had confused Hegel's concept of alienation with that of Marx. It has been suggested that the concept of reification as employed in Martin Heidegger's Being and Time (1927) shows the strong influence of History and Class Consciousness, though such a relationship remains disputed. (wikipedia.org)

"Featuring a selection of women artists active between 1890 to 1924, this book investigates divergent responses to the dramatic historical events and structural transformations during the early twentieth century. It reveals their efforts, with greater or relative success, to negotiate the competitive market economy of the late Wilhelmine empire and the uncertainties of the early Weimar Republic. In examining these artists, Shulamith Behr uncovers the overlooked importance of women's emancipative ideals to the development of avant-garde culture. Behr explores the richness of the women's engagement with and shaping of Expressionism, the modern art movement noted for its intention to express the emotional-rather than physical-reality of the artist. Behr examines the posthumous critical reception of Paula Modersohn-Becker as a prime agent of the feminization of the movement; Kèathe Kollwitz's use of printmaking as a vehicle for technical innovation and socio-political commentary; and the dynamic relationship between Marianne Werefkin and Gabriele Mèunter, including their different national and cultural origins and paths towards Expressionism in the Blaue Reiter, a group of artists that included Wassily Kandinsky and Paul Klee. Additional chapters examine the role of Herwarth Walden's and Nell Walden's role as art dealers who promoted women Expressionists during the First World War, Mèunter's encounter with Swedish Expressionism in Scandinavia, and the recognition of Dutch-born abstractionist Jacoba van Heemskerck as an honorary German Expressionist"--

Im Jahr 2024 wird der 250. Geburtstag Caspar David Friedrichs gefeiert. Für seinen internationalen Ruhm waren vor allem drei große Retrospektiven in den 1970er Jahren in London, Hamburg und Dresden ausschlaggebend. Dieser Band untersucht erstmals vertiefend ihre Rolle für die Rezeption des Künstlers ebenso wie für die Betrachtung des Phänomens ,Romantik'. Er setzt sie in Bezug zu (kultur-)politischen Kontexten der Zeit und erschließt bislang wenig beachtetes Quellenmaterial für weiterführende Forschung. Die Autorin untersucht außerdem, warum gerade Ausstellungen als von vielfältigen Aushandlungsprozessen bestimmtes Format entscheidende Impulse für die Rezeption von Künstler/-innen zu geben vermögen, und weshalb sie stärker in eine kritische Wissens- und Wissenschaftsforschung einbezogen werden sollten.

National Bestseller"A landmark and long-overdue cultural history." ?VogueThe stylish, wild story of the marriage of Dennis Hopper and Brooke Hayward?a tale of love, art, Hollywood, and heartbreak ?Those years in the sixties when I was married to Dennis were the most wonderful and awful of my life.? ?Brooke HaywardLos Angeles in the 1960s: riots in Watts and on the Sunset Strip, wild weekends in Malibu, late nights at The Daisy discotheque, openings at the Ferus Gallery, and the convergence of pop art, rock and roll, and the New Hollywood. At the center of it all, one inspired, improbable, and highly combustible couple?Dennis Hopper and Brooke Hayward?lived out the emblematic love story of '60s L.A.The home these two glamorous young actors created for themselves and their family at 1712 North Crescent Heights Boulevard in the Hollywood Hills became the era's unofficial living room, a kaleidoscopic realm??furnished like an amusement park,? Andy Warhol said?that made an impact on anyone who ever stepped into it. Hopper and Hayward, vanguard collectors of contemporary art, packed the place with pop masterpieces by the likes of Roy Lichtenstein, Ed Ruscha, and Warhol, and welcomed a who's who of visitors, from Jane Fonda to Jasper Johns, Joan Didion to Tina Turner, Hells Angels to Black Panthers. In this house, everything that defined the 1960s went down: the fun, the decadence, the radical politics, and, ultimately, the danger and instability that Hopper explored in the project that made his career, became the cinematic symbol of the period, and blew their union apart?Easy Rider.Everybody Thought We Were Crazy is at once a fascinating account of the Hopper and Hayward union and a deeply researched, panoramic cultural history. It's the intimate saga of one couple whose own rise and fall?from youthful creative flowering to disorder and chaos?mirrors the very shape of the decade.

Rome was an empire of images, especially images that bolstered their imperial identity. Visual and material items portraying battles, myths, captives, trophies, and triumphal parades were particularly important across the Roman empire. But where did these images originate and what shaped them? Empire of Images explores the development of the Roman visual language of power in the Republic in Iberian Peninsula, the Gallic provinces, and Greece and Macedonia, centering the development of imperial imagery in overseas conquest. Drawing on a range of material evidence, this book argues that Roman imperial imagery developed through prolonged interaction with and adaptation by subjugated peoples. Despite their starring role in Roman imagery, the populations of Rome's provinces continuously reinterpreted and reimagined Roman images of power to navigate their membership in the new imperial community, and in doing so, contributed to the creation of a universal visual language that continues to shape how Rome is understood.

This catalogue provides a spectacular overview of painting on the theme of football in European artistic modernism. Here, painting gets to the bottom of football's mystique. And vice versa, since football with its aesthetics, dynamics, rites, and contradictions inspires artists and reveals innovative, surprising perspectives and artistic possibilities. This culminates in impressive interplay between the two worlds. Accessing 20 th -century European art through football and deciphering the fascinating as well as contradictory game of football as a European phenomenon through the perspective of modernist painting uncovers new knowledge in both fields. More than 100 works of art from national and international collections are examined. The catalogue is designed along the same conceptual lines as the European Championship itself: each nation participating in the EURO 2024 is represented by at least one artist, so underlining the fundamental concept of a diverse but united Europe. A new standard work, and a cultural contribution to the 2024 European Football Championship in Germany Exhibition: "In Motion. Art & Football", Deutsches Fußballmuseum, Dortmund, May 27, 2024 to January 7, 2025 Artists: Sybil Andre, Dieter Asmus, Willi Baumeister, Cecil Walter Hardy Beaton, Peter Blake, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Ithell Colquhoun, Charles Cundall, Salvador Dalí, Giulio D'Anna, Raoul de Keyser, Nicolas de Staël, Alexander Deineka, Robert Delaunay, Brendan Ellis, George Eisler, Paul Feiler, Ludvig Find, Hubert Andrew Freeth, Fritz Genkinger, Harald Giersing, John Heartfield, Bernhard Heisig, Robert Henderson Blyth, Peter Howson, Hundertwasser, MiloS Jiránek, Ilja Kabakow, Ernst Ludwig Kirchner, Paul Klee, Pyke Koch, Maria Lassnig, Karel Lek, Elizer Lissitzky, Rene Magritte, Jarmo Mäkila, Kasimir Malewitsch, Colin Middleton, Joan Miró, Omer Mujadzic, FrantiSek Xaver Naske, Paul Nelson, Rainer Neumaier, Christopher Nevinson, Felix Nussbaum, Claes Oldenburg, Wolfgang Petrik, Pablo Picasso, Sigmar Polke, Peter Rohn, Alexander Nikolajewitsch Samochwalow, Thorsten Schlüter, Valentin Sidorov, Jens Sondergaard, Warwara Fjodorowna Stepanowa, Ivan Tabakovic, Lawrence Tonybee, Bart van der Leck, Alan Welsford, Thomas Webster, Rik Wouters et al.