Bøger udgivet af SMK Forlag

I forbindelse med udstillingen på SMK ”Sonja Ferlov Mancoba 9. februar – 5. maj 2019” udgives et rigt illustreret monografisk bogværk om kunstneren. Bogen består af en omfattende, fagfællebedømt oversigtsartikel over Sonja Ferlov Mancobas liv og værk skrevet af udstillingens kuratorer, Mikkel Bogh og Dorthe Aagesen, samt tre mindre artikler. Den første artikel er skrevet af kunsthistoriker Karen Kurczynski og omhandler Sonja Ferlov Mancoba og hendes partner, Ernest Mancoba, og deres tilknytning til COBRA. Den anden artikel, der er skrevet af antropolog Pierre-Philippe Fraiture, diskuterer ’primitivisme’-begrebet i vestlig kultur og kunst. Endelig har forfatter Hanne-Vibeke Holst skrevet en artikel om Sonja Ferlov Mancoba ud fra en mere privat og personlig-feministisk vinkel på baggrund af en brevveksling, hun førte med sin veninde Clarisse Penso. Ud over de fire artikler bringes tekster og breve af Sonja Ferlov Mancoba selv, interviews, arkivmaterialer fra hendes atelier samt serier af helt nye optagelser af hendes gips- og lerskulpturer, dvs. de værker hun selv har ’haft i hænderne’.

’Glimrende’ Jyllands-Posten’Infomættede og spændende artikler. Der er nyt at hente i læsestoffet, der nuancerer billedet af Anna Ancher og tidens kunst’ Weekendavisen’Måske har udstillingen og det medfølgende katalog potentialerne til at ændre på den status, Anna Ancher har været tildelt igennem det seneste århundrede.’ ’Paradokset mellem på den ene side Anna Anchers privilegerede position og anerkendelse og på den anden side de manglende udstillinger og erhvervelser bliver beskrevet i udstillingens smukke og vidensmættede katalog’ Information’Det kan anbefales at investere i det store katalog, der ledsager udstillingen. Artiklen af Lilian Munk Rösing om Annas dristige farvekombinationer kan blandt andet varmt anbefales. Interessant er det at læse, hvorledes Anna dygtigt forener de danske almuefarver med det sidste skrig fra Paris.’ Magasinet Kunst, Weekend Kataloget Anna Ancher er den smukke ledsagerske til SMKs udstilling af samme navn. Kunstneren Anna Ancher bliver som oftest sat i forbindelse med Skagens Kolonien, men dette katalog tager hende, med rette, ud af denne kontekst og lader Anna Ancher tale for sig selv. Bogen er smukt og rigt illustreret. Lilian Munk Rösing behandler Anchers dristige valg, når kunstneren forener de danske almuefarver med det sidste skrig fra Paris.Herudover skriver seniorforsker og kurator Peter Nørgaard Larsen om Anna Anchers lys og sansningen i hendes kunst. Chefkurator ved Skagens Museum, Charlotte Linvald, behandler det tvetydige og mystiske forhold Ancher havde til Indre Mission. Elisabeth Fabritius placerer Ancher i et ellers mandsdomineret moderne gennembrud og Cecilie Høgsbro Østergaard behandler kvindespørgsmålet, eller kvindevrøvlet, som Ancher selv beskrev det.Derudover deler Gertrud Oelsner, Mette Houlberg Rung, Nils Ohlsen, Andreas Bjerre, Caroline Bøjesen Schmit-Andersen ud af deres viden om Anna Ancher.

Katalog og bogværk udgivet i forbindelse med udstillingen Dansk Guldålder på Nationalmuseum Stockholm (28. februar – 21. juli 2019) og Dansk guldalder. Verdenskunst mellem to katastrofer på SMK (24. august- 8. december 2019) inkl. fuld værkfortegnelse. Værket består af 20 artikler forfattet af fremtrædende svenske og danske kunsthistoriker, der her fremlægger de senere års reviderede og kritiske forskning i en af de mest populære perioder i dansk kunst. Forskningen suppleres med viden og indsigter opstået i den redaktionelle og kuratoriske proces omkring både bog og udstilling i Stockholm og København. Således indledes bogen med en omfattende oversigtsartikel om perioden af Karina Lykke Grand (AU), hvor den traditionelle, mere idealiserende fortælling og de tematiseringer, man typiske præsenteres for (”Det nye borgerskab”, ”Kunstakademiet”, ”Familieliv” mm.) uddybes og udfordres af en række nye læsninger og perspektiver. De øvrige artikler i bogen behandler og uddyber de problemstillinger, hovedartiklen opridser, og naturligvis også de temaer, man præsenteres for i udstillingen. Periodens udstrækning bliver diskuteret, men også hidtil underbelyste emner i kunsthistorien som tidens kvindelige kunstnere, kolonialisme, resultater af den helt nye tekniske kunsthistorie, den demokratiske revolution, nationalisme vs. internationalisme, teknologi, skandinavismen og de danske kunstnere i Sverige. Ikke mindst er der fokus på de mange kunstnere, der har været skrevet ud af den vedtagne kanon, ikke af kvalitetsmæssige, men af dybest set real- eller identitetspolitiske årsager. Bogen har som udstillingen en art kronologisk-rumlig opbygning, så man følger kunstens faglige udvikling og geografiske bevægelser mellem 1800 og 1860. En udvikling som selvfølgelig ikke kan betragtes isoleret, som kunsthistorien nok har haft tilbøjelighed til, men skal forstås som tæt sammenvævet med en lang række samfundsmæssige forhold og forandringer. Derudover finder man et forord ved NM’s og SMK’s museumsdirektører, en kuratorisk introduktion til udstillings-samarbejdet samt et appendiks med værkfortegnelse, omfattende bibliografi og fyldige kunstnerbiografier over de udstillende kunstnere, Bogen er rigt illustreret med ca. 350 billeder og fotografier.****** ’Et mirakel af et katalog’ Berlingske***** ’Nuanceret og indsigtsfuldt’ Kristeligt Dagblad♥♥♥♥ ’De 278 værker er smukt gengivet’ Politiken

Stik gaflen i øjet, vi æder gerne os selv lyder titlen på et maleri af Wilhelm Freddie (1909-1995). Værsgo’ at spise med! Sådan konfronteres vi med Freddies kunst. For Freddie var ambitionen at bruge kunstneriske midler til at sætte nogle indre kræfter i mennesket fri. Som en gaffel i øjet vil hans kunst vække sin beskuer fra den bevidstløse slumren, som det borgerlige samfund har hensat os i. Wilhelm Freddie er uden overdrivelse en af de mest myteomspundne personer i dansk kunsthistorie. Fra han gjorde sin entre på kunstscenen i 1929, blev han en fremtrædende repræsentant for den surrealistiske bevægelse i Danmark – ja, i hele Skandinavien. Ligesom sine kunstnerkolleger Vilhelm Bjerke-Petersen, Richard Mortensen og Ejler Bille tog han surrealismen til sig, da han mødte den først i 1930’erne, og brugte den som afsæt til at formulere sit eget kunstneriske projekt. For mange er Freddies navn indbegrebet af provokation og skandale. Den venlige, imødekommende og altid ulasteligt klædte mand, der selv i trange tider vedblev at klæde sig i sin stivede hvide skjorte, bragte sindene i kog med sin kunst, og allerede i begyndelsen af 1930’erne udløste hans værker politianmeldelser. Selvom Freddie primært er kendt som maler og skulptør, spænder hans produktion over adskillige andre materialer og medier såsom fotografi, ballet, vinduesudsmykninger, sprogkonstruktioner og design. Bogen er struktureret med en indledende artikel, der præsenterer hovedlinjerne Wilhelm Freddies værk efterfulgt af otte kortere bidrag af danske og udenlandske eksperter, der hver belyser et udvalgt aspekt. De tre første af disse tager fat i centrale tematikker som fx hans arbejde med seksualiteten og hans samfundskritiske ambition. De fem sidste bidrag har fokus på de mindre kendte medier i Freddies produktion. Tilsammen skal disse som en prisme tegne et billede af Freddies samlede univers.

I sidste del af 1800-tallet forandrede japanismen Europas kunst og kultur. Den nye begejstring for Japan spredte sig hurtigt fra verdensudstillingen i Paris i 1867 og fra Paris’ kunstnerkvarterer ud i borgerskabets saloner over hele Europa. Set fra et europæisk perspektiv fremstod Japan både fjernt og eksotisk – meget få havde rent faktisk besøgt landet. I kultiverede, kunstinteresserede kredse var man stærkt fascineret af verdens fjerne og fremmedartede egne. Japanismen fik stor indflydelse på den nordiske kunst. Mange kunstnere – heriblandt Akseli Gallen-Kallela, Nikolai Astrup, L.A. Ring og Bruno Liljefors – studerede kunst i Paris, og her tilegnede de sig nye ideer fra den japanske kultur, bl.a. om komposition og rumopfattelse. Deres kompositioner blev asymmetriske og fulde af kontrastfyldte mønstre, og horisonten blev flyttet op mod billedets overkant, således at landskaberne ofte fremstod todimensionelle. Naturen blev gengivet på måder, der imiterede den japanske kunsts forenklede og meditative stil, og samtidig begyndte portrætterne at rumme et væld af vifter, japanske genstande og tekstiler. Desuden begyndte både private samlere og museer at erhverve japanske genstande, oftest ved hjælp af mellemmænd, men også på egne rejser til Japan. Herved nåede en betragtelig mængde japanske genstande til Europa, blandt andet møbler, lakarbejder og keramik.

Vilhelm Hammershøis raffinerede kunst har længe været højt værdsat blandt kunst-forskere og -kritikere. I de seneste år har kunstneren også vundet stor anerkendelse hos et bredt internationalt publikum. Denne bog præsenterer 24 udvalgte værker fra en af verdens væsentligste Hammershøi-samlinger: samlingen på Statens Museum for Kunst (SMK). De udvalgte malerier dækker hele spændvidden i Hammershøis arbejde, herunder de interiørbilleder, der gav kunstneren tilnavnet ”de stille stuers maler”. Her finder man eksempler på de fire hovedgenrer i Hammershøis værk: forenklede landskabsbilleder, mennesketomme byer, portrætter og skrabede, solbeskinnede interiører. Tilsammen giver de et intimt indblik i malerens liv og uudgrundelige kunst. Kataloget fokuserer på udstillingens 24 værker, der er udlånt fra SMK’s omfattende Hammershøi-samling og indeholder desuden et introducerende forord v. Mikkel Bogh, artikel af Kasper Monrad, digte af Naja Marie Aidt og Sophus Claussen samt 24 billedtavler i helsidetryk og en komplet, illustreret oversigt over SMK’s Hammershøi-samling. Kataloget har både dansk og engelsk tekst. The Danish painter Vilhelm Hammershøi’s exquisite art has long captivated scholars and critics, and his international popularity has grown rapidly in recent years. This book features a selection of 24 paintings from one of the most important Hammershøi-collections in the world: the collection of SMK – The National Gallery of Denmark. The paintings cover many aspects of Hammershøi’s body of work, including several of the tranquil interiors that earned him the title “de stille stuers maler” (the painter of quiet rooms). The selection is representative of Hammershøi’s four main genres: reduced landscapes, unpopulated cityscapes, portraits, and spare, sunlight infused interiors – offering an intimate look into his life and enigmatic art. This catalogue focuses on the 24 pieces from the Hammershøi-collection at SMK and includes a foreword by Mikkel Bogh, an article by Kasper Monrad, poems by Naja Marie Aidt and Sophus Claussen, 24 full paged pictures and a complete list of Hammershøi’s work in the collection of SMK. The catalogue contains both Danish and English text.

Statens Museum for Kunst owns one of the most important Matisse collections in the world. It includes a number of paintings that must be counted among the absolute masterpieces from his younger years. The collection is further distinguished by the fact that almost all its paintings were selected by Matisse himself to represent his art within significant contexts. He had most of them exhibited at one or more of the early landmark exhibitions that served to establish his name as a truly remarkable, innovative artist. He sold most of these works to patrons and collectors who ensured the basis for his activities during the early years, particularly Sarah and Michael Stein. Each of the works at the museum enters into complex and exciting interplay with key contemporary works within Matisse’s many-faceted total body of works. Over the years, a very long succession of Danish and international Matisse experts have sought to disentangle the often rather complex web of threads that encompass and link the works, building a considerable body of knowledge and insights. Even so, it is still possible to discover new aspects that tease additional layers of meaning from the paintings. That is why the museum invited eight of the world’s pre-eminent Matisse scholars to direct their attention to one of the museum’s masterpieces.

Få kunstnere har oplevet samme bratte fald fra superstjerne til kunsthistorisk prygelknabe som Carl Bloch (1834-1890). Efter sin død blev han skrevet ud af kunsthistorien og hans billeder sat på magasin. Men uden for museerne vandt Blochs virtuose teknik og forførende fortællinger fortsat nye tilhængere.I Carl Bloch – Forført gives en række bud på, hvordan Bloch har formået at fastholde et bredt publikum ved at tale direkte til de store menneskelige følelser, kropsligt og psykologisk. Hvad formede fænomenet Carl Bloch, og hvordan forstår vi ham i dag? I denne bog revurderer både forskere og et nutidigt, kritisk publikum Carl Blochs komplekse livsværk: fra de religiøse billeder, komiske genremotiver og opbyggelige skæbnefortællinger til de Rembrandt-inspirerede raderinger og de suveræne portrætter af det moderne livs kvinder.

The catalogue Anna Ancher is the beautiful companion to the exhibition of the same name at the National Gallery of Denmark. The artist Anna Ancher is usually put in connection with the famous artists’ colony, the Skagen Painters. However, this beautiful and richly illustrated exhibition catalogue lets the artist speak for herself. Lillian Munk Rösing discusses Ancher’s boldness in Anchers’ choice to combine both the rustic colour palette from her native Skagen and new inspirations from Paris.In addition, senior researcher and chief curator, Peter Nørgaard Larsen, analyses Anna Ancher’s use of light in her work. Chief curator at the Art Museums of Skagen, Charlotte Linvald, discusses the ambiguous and mysterious relationship Anna Ancher had with the Inner Mission in Denmark. Elisabeth Fabritius places Ancher in a male-dominated Modern Breakthrough and Cecilie Høgsbro Østergaard discusses Ancher in a feminist context.Furthermore, Gertrud Oelsner, Mette Houlberg Rung, Nils Ohlsen, Andreas Bjerre, Caroline Bøjesen-Andersen share their great knowledge of Anna Ancher

Malerier af Laurits Andersen Ring fra SMK’s samling Den danske realist og symbolist, L.A. Ring, er sammen med Vilhelm Hammershøi en af Danmarks vigtigste kunstnere fra tiden omkring 1900. Hans billeder er betagende og har en almen menneskelig kvalitet, som stadig rører os i dag. Denne bog gennemgår et udvalg af 25 malerier fra verdens væsentligste L.A. Ring-samling, som befinder sig på SMK. Udvalget dækker alle de centrale temaer hos Ring og viser spændvidden og omfanget af hans produktion. I bogen gennemgås Rings livsværk, hans teknikker og metoder af specialister fra museet og suppleres af en samlet oversigt over alle kunstnerens malerier i SMK’s samling. Henrik Pontoppidans novelle ’Knokkelmanden’ er ligeledes inkluderet som en litterær parallel til L. A. Rings malerier.Bogen indeholder både dansk og engelsk tekst.Paintings by Laurits Andersen Ring from SMK – The National Gallery of DenmarkThe Danish Realist and Symbolist painter Laurits Andersen Ring (1854-1933) stands among alongside Vilhelm Hammershøi as one of the most important Danish artists from the decades around 1900. His paintings are breathtaking and have a universally human quality that still touches us today.This book features a selection of 25 paintings from the most important Ring collection in the world: the collection of SMK, The National Gallery of Denmark. Covering many aspects of Ring’s total body of work, the paintings selected here represent all his key themes and the sheer variety and complexity of his oeuvre. Ring’s art and aspects of his working methods and painting techniques are explored in texts by specialists from SMK and completed with a full list of Ring’s paintings in the collection of SMK. Henrik Pontoppidan’s short story ‘Grim Reaper’ is included as a literary parallel to the paintings of L. A. Ring.The book contains both English and Danish text.

Rembrandt, Edgar Degas, Nicolai Abildgaard, Bertel Thorvaldsen, Christen Købke, P.S. Krøyer og mange flere. Oplev nogle af kunsthistoriens helt store mestre og deres værker i sæsonens store særudstilling på SMK. I udstillingskataloget Art in the Making kigger vi kunstnerne over skuldrene og giver indblik i den kunstneriske proces fra idé til færdigt værk. Gennem en perlerække af hovedværker og sjældent sete skitser kan du følge det kunstneriske arbejde og blive klogere på, hvorfor en række mesterværker ser ud, som de gør. Udstillingen er blevet til på baggrund af seniorforsker og leder af SMK’s Forskningscenter for Tegnekunst Chris Fischers livslange forskning i ældre tegnekunst. Fischer er en internationalt anerkendt forsker i tegnekunst og har bl.a. lavet udstillinger på Louvre i Paris, Uffizierne i Firenze, Courtauld Gallery i London og Museum Boijmans Van Beuningen i Rotterdam. Han er verdens førende forsker i den italienske renæssancekunstner Fra Bartolommeo. Bartolommeo som sammen med Leonardo da Vinci, Rafael og Michelangelo er højrenæssancens fire mest betydningsfulde kunstnere.

Statens Museum for Kunst ejer en af verdens betydeligste samlinger af Matisses kunst. Den omfatter blandt andet en række malerier, der må henregnes til de absolutte mesterværker fra hans unge og yngre år. Samlingen er imidlertid også speciel, fordi stort set alle disse malerier er udvalgt af Matisse selv til at repræsen-tere hans kunst i vigtige sammenhænge. De fleste af dem har han ladet udstille på en eller flere af de tidlige skelsættende udstillinger, hvor hans navn som en ene-stående nyskabende kunster blev slået fast. Ydermere har han solgt de fleste af dem til de samlere, der i de tidlige år sikrede grundlaget for hans virke, først og fremmest ægteparret Sarah og Michael Stein. Hvert enkelt af værkerne på museet indgår i komplekse og inciterende sammen-hænge med de samtidige centrale værker i Matisses rigt facetterede livsværk. Gennem årene har en meget lang række danske og internationale kendere af Matisses kunst søgt at udrede de ofte komplicerede tråde, der omslutter værkerne og knytter dem sammen, og der er efterhånden opsamlet en betydelig viden og indsigt omkring dem. Alligevel er det i dag stadig muligt at finde nye aspekter, der lokker nye betydningslag ud af malerierne. Derfor har museet i bogen her indbudt otte af de bedste kendere af Matisses kunst til hver at rette det kritiske blik mod et af museets hovedværker.

Den Kongelige Kobberstiksamling på SMK erhvervede for nylig en tegning af Auguste Rodin (1840-1917) og lagde dermed endnu et blad til sin lille samling af tegninger af den franske billedhugger. Denne akvarel og blyantstegning viser en kvindetorso og en vase, to legemer forenet i en og samme figur: en kvinde-vase. Figuren står i vand til livet, så rummet omkring den forekommer flydende og grænseløst. Den har ikke et entydigt ståsted, ikke en entydig kontur og identitet, men er, egentlig ganske bogstaveligt talt, ude af sig selv. Ekstatisk. Ekstaser er udgivet i forbindelse med udstillingen Flygtige øjeblikke på SMK, og kan læses som en indføring i vigtige aspekter af den franske billedhuggers tegnekunst. Bogen handler om Rodin som tegner i og af sin tid. Den handler om det, han formede, og det som formede ham. Men ønsket med bogen såvel som udstillingen er også at åbne vores øjne for, hvad tegning i det hele taget er og kan være, ud over den tid, hvori det enkelte blad er skabt. Rodins tegninger får os til at forstå mange af de streger, der gik forud for hans og endnu flere af dem, der fulgte efter.

At rejse sig i mørket er en bog og en udstilling om modstandskraft. Om at udvise ukuelighed og robusthed trods mørke udsigter. Det handler om det, psykologerne kalder resiliens, altså om menneskers evne til, mod alle odds, at finde håb, lys og styrke til at komme videre og til at bygge noget op, selvom chancerne er få. Værkerne på denne udstilling, og artiklen som diskuterer dem i nærværende publikation, taler om almenmenneskelige egenskaber og om håbløse situationer, mennesker individuelt eller kollektivt til alle tider har befundet sig i og med eller uden held har forsøgt at trodse. Men udgangspunktet er mere specifikt end som så – og mere historisk: Det drejer sig om en generation af danske kunstnere, der i sidste halvdel af halvtredserne skabte figurative grafiske værker af en enestående kvalitet, og som med et skarpt blik for de historiske udfordringer, mennesker i den vestlige verden stod overfor, fik sat en særlig standard for den politiske og eksistentielt tonede grafik. Kunstnere som Erling Frederiksen, Henry Heerup, Gunnar Hossy, Aksel Jørgensen, Albert Mertz, Jane Muus, Knud Nellemose, Palle Nielsen, Dan Sterup-Hansen, Per Ulrich, Eigil Wendt og Svend Wiig Hansen er repræsenteret i publikationen. Rising from Darkness is a book and an exhibition about resilience and resistance. About indomitable spirit and robustness in the face of dark prospects ahead. The term “resilience” is generally applied to the ability to find hope, light and strength to move on and build something even though the odds are stacked heavily against you. The works featured in the exhibition, and the article discussing those works in this publication, all speak of universally human traits and of hopeless situations that man has always encountered and sought to defy through the ages, individually or collectively. Here, however, the point of departure is more specific, rooted in a particular chapter of history: It is about a generation of Danish artists who, in the second half of the 1950s, created figurative graphic works of outstanding quality. With their keen eye for the historic challenges faced by Western man, they established a special standard for politically engaged, existentialist prints. The artists in question are Erling Frederiksen, Henry Heerup, Gunnar Hossy, Aksel Jørgensen, Albert Mertz, Jane Muus, Knud Nellemose, Palle Nielsen, Dan Sterup-Hansen, Per Ulrich, Eigil Wendt and Svend Wiig Hansen.

The main article of this catalogue by Birgitte Anderberg explores the Danish experimental art scene from 1965 to 1975 and focuses especially on the female artists from the 1970s and the early Avant-Garde art. The article is accompanied by a large number of texts from the period by the artists themselves – about the art and what happened at that time.

Barok inviterer os med tilbage til 1600-tallets Europa og denkunsthistoriske periode, vi under ét kalder for barokken.På Statens Museum for Kunst findes rige samlinger af kunstfra denne tid. Særligt hollandsk og flamsk maleri, tegnekunst og grafik erfyldigt repræsenteret, men der findes også væsentlige italienske, franske ogspanske værker. Mange af værkerne var engang del af Det kgl. danskeKunstkammer, som blev dannet midt i 1600-tallet med indførelsen af enevælden.Kunstkammeret var grundlaget for de senere nationale museer i Danmark, herunderSMK. Kunstmuseets egne eksperter præsenterer os her for både kendte og ukendtebarokværker fra museets samlinger og giver deres bud på, hvordan de er blevettil og hvordan vi kan forstå dem i dag.

Few artists have had such a rapid fall from superstar status to whipping boy as Carl Bloch (1834–90). After his death, he was written out of art history and his pictures placed in storage. But outside the museums, Bloch’s virtuoso technique and seductive narratives continued to win new followers.Carl Bloch – Seduced offers new perspectives on how Bloch has continued to attract a wide audience by speaking directly to the great human emotions. What shaped the phenomenon that is Carl Bloch and how do we perceive him today? In this book, scholars and contemporary audiences reassess Carl Bloch’s complex life’s work, right from his religious images, comic genre scenes and edifying fateful tales to his Rembrandt-inspired etchings and superb portraits of the women of modern life.

Edited by Ann Temkin and Dorthe Aagesen Created in 1911, Henri Matisse’s The Red Studio would go on to become one of the most influential works in the history of modern art. The painting, which has hung in MoMA’s galleries since 1949, depicts the artist’s studio in the Parisian suburb of Issy-les-Moulineaux, filled with his artworks, furniture, and decorative objects. Matisse’s radical decision to blanket most of the work’s surface in red has fascinated generations of scholars and artists, yet much remained to be discovered about the painting’s genesis and history. Published in conjunction with an exhibition that reunites the artworks shown in The Red Studio for the first time since they left Matisse’s workspace, this copiously illustrated volume examines the paintings and sculptures depicted in it, from familiar works such as Le Luxe (II) (1907–08)—one of the three works seen in The Red Studio now in the collection of SMK – National Gallery of Denmark—to lesser-known pieces whose locations have only recently been discovered. A narrative essay by Ann Temkin, The Marie-Josée and Henry Kravis Chief Curator of Painting and Sculpture at The Museum of Modern Art, New York, and Dorthe Aagesen, Chief Curator and Senior Researcher at SMK in Copenhagen, traces the life of The Red Studio, from the initial commissioning of the work through its early history of exhibition and ownership to its arrival at MoMA. With its groundbreaking research and close reading of the work, Matisse: The Red Studio transforms our understanding of this landmark of twentieth-century art.

Træd ind i Haegue Yangs forunderlige univers! SMK viste den første store udstilling i Danmark med den anerkendte sydkoreanske kunstner. I udstillingen Double Soul kunne du opleve et stort udvalg af hendes sanselige værker, der både lyste, lugtede og bevægede sig.Skulpturer og installationer, der pirrer dine sanserRoterende persienner, lysende elpærer, raslende bjælder og en lugt af krudt og vilde blomster. Haegue Yang er kendt for sine særegne skulpturer og store installationer, der pirrer sanserne. Hendes kunstværker består af alt fra tørrestativer og ventilatorer til påfuglefjer, kunstige planter og pomponer af nylon. Dobbeltheder og modsætningerUdstillingstitlen Double Soul refererer til Yangs interesse for dobbeltheder. I sine værker undersøger hun sammenhænge mellem tilsyneladende modsætninger, som for eksempel traditionel og moderne kultur, industriel masseproduktion og håndværk, og det hverdagslige og det exceptionelle.Dobbeltheden gør sig også gældende i Yangs eget liv. Hun er uddannet fra kunstskoler i Sydkorea og Tyskland og bor i dag skiftevis i Seoul og Berlin. I sin kunst beskæftiger hun sig med temaer såsom dobbelte, mangfoldige eller manglende tilhørsforhold – og flere af værkerne udspringer af hendes egen følelse af ikke helt at høre hjemme nogen steder.Læs mere om Yang og udstillingen Double Soul i denne udstillingsfolder.

Udgivet i forbindelse med udstilling af blomstermalerier fra 1600- og 1700-tallet i Statens Museum for Kunst og Gottorfer Codex, 1649-1659, og Det Grønne Florilegium, midten af 1600-tallet, i Kobberstiksamlingen med tekster af botanikere, konservatorer og kunsthistorikere

The exhibition and book Bjørn Nørgaard. Re-Modelling the World presents one of the most ground-breaking and agenda-setting figures within Nordic contemporary art since the mid-1960s. When Bjørn Nørgaard began his career as a very young man, he operated on the outskirts of the established art scene. Right from the outset, he adopted a critical view of the main institutions of art – particularly the art academy, art museum, and art criticism – and it is quite telling that he got his education within the working collective Eks-Skolen (The Experimental Art School) rather than at the Royal Danish Academy of Fine Art, which at the time was regarded as the main route leading to widespread recognition as an artist. The experimental art school formed a setting for individual and collective explorations of the links between art, politics, economics, and everyday lived life. This involved the use of new materials, new forms of working, and new forms of presentation, some of which drew on the lessons learnt by historical avant-garde art founded in the early twentieth century, but at the same time, the work was strongly influenced by the young artists’ encounters with the most recent art from Germany and the USA where happenings, installation art, and action art had begun to gain prominence. The book and exhibition Bjørn Nørgaard. Re-Modelling the World showcases a prominent artist’s road from the 1960s with their radical, at times Utopian striving for open-ended works up towards the popular, narrative, and visually seductive artistic production that has characterised Bjørn Nørgaard in recent decades. This road has led to monumental works in the public space, but these large-scale works have emerged side by side with material actions and performances, which the artist has maintained as part of his practice throughout his career. In the mid-1960s, no-one would ever have guessed that an experimental artistic practise that initially took on the most humble and fragile forms – using plaster, wire, cardboard, and textiles as favourite materials – would ever progress the way it did, even reaching far into the institutions to which the artist offered such resistance as a young man. Nevertheless, a red thread runs through his entire production, and this is documented in this book.

Det røde atelier, malet af den franske kunstner Henri Matisse i 1911, skulle vise sig at blive et af de mest indflydelsesrige værker i den moderne kunsts historie. Maleriet, som har tilhørt MoMA siden 1949, forestiller kunstnerens atelier i den parisiske forstad Issy-les-Moulineaux, fyldt med hans egne kunstværker, møbler og brugsgenstande. Matisses radikale beslutning om at male det meste af værkets flade over med rødt har fascineret generationer af forskere og kunstnere, men vi har stadig meget at lære om maleriets tilblivelse og historie. Denne rigt illustrerede bog er udgivet i forbindelse med udstillingen Matisse: Det røde atelier, der samler de malerier og skulpturer, man ser afbildet på maleriet, for første gang siden de forlod Matisses arbejdsrum. Bogen præsenterer os både for velkendte værker som Le Luxe (II) ( 1907-08) – et af de tre malerier fra SMK’s samling, der ses i Det røde atelier – og mindre kendte værker, hvis placering først for nylig er blevet opklaret. I et fortællende essay af Ann Temkin, The Marie-Josée and Henry Kravis Chief Curator of Painting and Sculpture ved The Museum of Modern Art, New York, og Dorthe Aagesen, Overinspektør og Seniorforsker ved SMK – Statens Museum for Kunst i København, spores Det røde ateliers historie, lige fra værket blev bestilt i 1910 over dets første udstillinger og ejere og frem til maleriets ankomst til MoMA. Gennem banebrydende forskning og nærlæsning af værket, ændrer Matisse: Det røde atelier vores forståelse af denne milepæl i det 20. århundredes kunst. Derudover rummer publikationen en artikel om konservatorernes opdagelser i forbindelse med tekniske undersøgelser af Det røde atelier og en detaljeret portfolio over de udstillede værkers historie og proveniens. Publikationen er udgivet i forbindelse med udstillingen Matisse: Det røde atelier, organiseret af The Museum of Modern Art, New York (1. maj –10. Sep., 2022), og SMK Statens Museum for Kunst, København (13. okt., 2022– 26. feb., 2023). Udstillingen er arrangeret af Ann Temkin og Dorthe Aagesen.

Håndbog til smeltende bogstaver og en svævende flyvemaskine Med udstillingen 'Efter stilheden – kunstens kvinder tager ordet' kaster SMK nyt lys over en række kvindelige kunstnere, der går i kødet på både fortidens og nutidens store politiske temaer. Glæd dig til alt fra smeltende bogstaver og monumentale vægtæpper til videoværker, installationer, malerier, grafik, lertavler og ikke mindst en svævende flyvemaskine, af kunstnerne Käthe Kollwitz, Hannah Höch, Hannah Ryggen, Nancy Spero, Paula Rego, Dea Trier Mørch, Kirsten Christensen, Ursula Reuter Christiansen, Kirsten Justesen, Lene Adler Petersen, Jenny Holzer, Mona Hatoum, Shirin Neshat, Pia Arke, Simone Aaberg Kærn, Jeannette Ehlers, La Vaughn Belle, og Tabita Rezaire. 50-året for RødstrømpebevægelsenUdgangspunktet for udstillingen er 50-året for Rødstrømpebevægelsen og 1970’ernes kampe for en mere fredelig, mere lige og mere fri verden. Herfra ser vi 50 år tilbage i tiden og 50 år frem for at vise, hvordan udvalgte kvindelige kunstnere både tidligere og i dag bruger kunsten til at udtrykke modstand og kritik.Denne håndbog guider dig gennem udstillingen. Undervejs ser vi på udvalgte værker, sådan som kunsthistorien forstår dem og som nutidige aktivister læser dem. Du kan selv tage del i samtalen bagerst i bogen.♥♥♥♥♥♥ “Fuldstændig forrygende udstilling på SMK” Politiken★★★★★ “En stærk og vedkommende udstilling”Jyllands-Posten