Bøger om Konceptualisme

Silent Parties is an artwork based on eight historic legal cases in which animals have been put on trial or robots have been at the centre of legal disputes. benandsebastian's recently completed public commission for the Court of Aarhus focuses on mute, nonhuman participants in legal history, spanning from a 15th century case involving a cock being tried for allegedly laying an egg, to a contemporary case examining whether life-size, singing and dancing robots at an American restaurant chain should be considered live performers. benandsebastian have collaborated with specialists working within the fields of law, robotics, ethics, anthropology and cognitive science, addressing ways in which nonhumans have been silent, but also revelatory, parties in legal history.BEN CLEMENT (*1981, Oxford) and SEBASTIAN DE LA COUR (*1980, Copenhagen) have been working together as the duo benandsebastian since 2006. Their artworks, such as Department of Voids at the 21st Century Museum of Contemporary Art in Kanazawa and at Den Frie in Copenhagen, discover potential within gaps in institutional representation.

This poem and art book includes amorous poems on relatable themes written by Antonio Journie, accompanied with gorgeous art works created by an artist named Deon(Stephanie Hayes).This book fascinates readers who inspire to love, and love deep. This collection is the first from an upcoming series featuring all-new poems, and art some of it by hand, and some Artificial Intelligencethat when combined bring the words alive from the page.An exploration of love, meaning, loss, and romance, Love,Hate,Art:The World's Most Popular Expressive AI Sentiment Collection Vol 1 is a passionate look inward, and in the moment of the human experiencein romance of the willingness to love in all its splendor.insightful biographies of artists accompanied with remarkable reproductions of their famous artworks. Begin with the early Renaissance and follow art movements through the centuries to some of the most well-known artists alive today.

Daytoner: Enslaving Humanity in Style is a complete compilation of the concept art Daniel Hahn created over the past few years under his alias Daytoner, short DTNR.Robots, mechs and character designs are Daniel's big passions and DTNR, is his outlet and home for this obsession. In this book he pairs his creations with short stories that look back at a possible future. The project started as a small blog in 2012 when Daniel moved to Los Angeles and is a journey through the depths of his unhinged creative mind and the world of his robots.

Cette seconde édition, revue et augmentée, de l'ouvrage originellement paru en Avril 2011, comportant 370 pages avec plus de 200 photographies et illustrations toutes en couleur, présente pour la première fois au public la structure conceptuelle, métaphysique et la signification originelles du Tarot de Marseille, instrument philosophal par excellence exprimant, par ses 78 icônes symboliques, le

Ein Institut wie die Königliche Akademie in Den Haag akkumuliert viel Kenntnis und Erfahrung. Ich unterscheide zwischen Kenntnis und Erfahrung. Offensichtlich, wie anspruchsvoll Erfahrung in Kenntnis umzusetzen ist. Dazu sind viele Gespräche nötig. Abgesehen von der verwendeten Literatur ist dieser Text das Resultat umfangreicher Gespräche über Kunst und Kunstunterricht, inner- und ausserhalb der Akademie.Diese Gespräche erfolgten auf verschiedenen Niveaus. Zahlreiche Interviews mit Ehemaligen über Karriereverlauf und künstlerische Entwicklung nach ihrem Abschluss an der Akademie. Die meisten Gespräche haben Jan van der Pol und Frans Lampe geführt. Ergänzend haben sich Dozierende und ehemals Dozierende geäussert. Mit weiteren Instituten der Region fand ein intensiver Austausch statt, namentlich mit der Veenfabriek in Leiden, Koorenhuis, Vrije Academie und Stroom in Den Haag.So konnten Formulierungen erwogen und wo nötig angepasst werden. Im vergangenen Jahr habe ich verschiedene Texte über das Denken in den Künsten geschrieben. Diese hab ich mit Kolleginnen und Kollegen besprochen, das Resultat hiervon liegt vor Ihnen. Dieser Text ist somit aus Dialogen entstanden. Entscheidende Beiträge haben dazu Yolande Kolstee, Frans Lampe, Jan von der Pol und Onno Schilstra mitgegeben. Onno Schilstra verantwortet auch die Endredaktion.

I. Am. Sorry. From Jack Bender, lead director / executive producer of the TV series Lost along with many other acclaimed shows, comes I Am Sorry—an unexpected and wholly unique take on what it means to be human. Through the lens of his original paintings, paired with intimate and occasionally satirical atonements, this out-of-the-box book is provocative, raw, and universally relatable. Bender’s art illuminates people of all ages and from all walks of life, proposing that perhaps our biggest mistakes are our greatest opportunities to heal. I Am Sorry is a perfect coffee table book and an extraordinary gift.

Volume 1 of Theater(s) and Public Sphere in a Global and Digital Society explores the fundamental contribution that artistic and cultural forms bring to social dynamics and how these can consolidate cohabitation and create meaningfulness, in addition to fulfilling economic and regulatory needs. As symbolic forms of collective social practices, artistic and cultural forms weave together the meaning of territories, contexts, and peoples, and also of the generations who traverse them. These forms of meaning interact with the social imaginary, mediate marginalization, transform barriers into bridges, and are indispensable tools for any social coexistence and its continuous rethinking in everyday life. The various epistemic approaches present here refer to sociology, theatre studies, cultural studies, psychology, economy of culture, and social statistics which observe theatre as a social phenomenon. Contributors are: Maria Shevstova, Ilaria Riccioni, Roberta Paltrinieri, Gerhard Glüher, Raimondo Guarino, Mariselda Tessarolo, Raffaele Federici, Marco Serino, Maria Grazia Turri, Elena Olesina, Elena Polyudova, Marisol Facuse, Vincenzo Del Gaudio, Laura Gemini, Stefano Brilli, Jessica Camargo Molano, Annalisa Cicerchia, Simona Staffieri and Giulia Cavrini.

Volume 2 of Theater(s) and Public Sphere in a Global and Digital Society continues the exploration of the fundamental contribution that artistic and cultural forms bring to social dynamics and how these can consolidate cohabitation and create meaningfulness, in addition to fulfilling economic and regulatory needs. As symbolic forms of collective social practices, artistic and cultural forms weave together the meaning of territories, contexts, and peoples, and also of the generations who traverse them. This volume examines several case studies in the relationship between cultural forms and society. These forms of meaning interact with the social imaginary, mediate marginalization, transform barriers into bridges, and are indispensable tools for any social coexistence and its continuous rethinking in everyday life. The various epistemic approaches present here refer to sociology, theatre studies, cultural studies, psychology, economy of culture, and social statistics which observe theatre as a social phenomenon.Contributors are: Maria Shevstova, Ilaria Riccioni, Roberta Paltrinieri, Gerhard Glüher, Raimondo Guarino, Mariselda Tessarolo, Raffaele Federici, Marco Serino, Maria Grazia Turri, Elena Olesina, Elena Polyudova, Marisol Facuse, Vincenzo Del Gaudio, Laura Gemini, Stefano Brilli, Jessica Camargo Molano, Annalisa Cicerchia, Simona Staffieri and Giulia Cavrini.

A witty, touching and delightful exploration of holes from the author of The VolumeA handsomely designed picture-book for children and adults, The Hole Book explores the many meanings, associations and forms of holes in a delightful narrative of discovery. The book's narrator is an explorer full of questions and curiosity: "Some holes I dug myself. I poked my finger into slices of bread, sheets of paper, and the sand of beaches all over the world." When they grow up they become an explorer of holes, visiting caves, grottos, mineshafts, springs and cavities, making maps of their adventures. Failing to find any literature on the topic, they decided to write their own book celebrating holes.Author Luis Camnitzer is a celebrated artist known for art that deconstructs accepted frameworks and exposes systems of power. In his first children's book, The Volume (2021), he created a beautiful book about space and spatiality. Here he continues to provoke wonder with appeal to people of all ages.Luis Camnitzer (born 1937) is a German-born Uruguayan artist, curator, art critic and academic who was at the forefront of 1960s Conceptual art. He lives and works in Great Neck, New York, and taught at SUNY Old Westbury, where he is currently a professor emeritus.

Building on his interest in evolution, philosophy and society, in his project A Gift From Him Maximilian Prüfer (*1986) explores the destruction of natural habitats to make way for agriculture in China. To this end, Prüfer took two trips to the Szechuan Province, where the fruit trees need to be pollinated by hand due to insect deaths caused by the increased use of pesticides. These developments are attributable to Mao's campaign to "Destroy the Four Olds", which entailed the killing of around two billion sparrows in order to restore the natural equilibrium. Prüfer documented the entire manual pollination process in photos, collected items and films which make for an ambivalent exploration of the cultural evolution of humankind.

Inwelt von Maximilian Prüfer (*1986) ist die Fortsetzung der 2016 herausgegebenen Publikation Brut und umfasst die seitdem entstandenen Werkserien des Künstlers. Prüfer arbeitet an verschiedenen selbstentwickelten Verfahren, welche die Spuren von Insekten und Naturphänomenen sichtbar machen. Hierbei analysiert der Künstler das Verhalten von Tieren, um es anschließend mit menschlichem Verhalten zu vergleichen. In seiner 2020 begonnenen Werkserie Forming Thoughts etwa, untersucht er die Wege und Straßen von Ameisen. Er versucht hierbei, einen direkten Bezug zu neurologischen Strukturen herzustellen und Rückschlüsse über das Verhalten kollektiver Lebewesen sowie das Naturverständnis des Menschen zu ziehen.

Barbis Ruder: 10 Jahre Performancekunst Im Fokus der Arbeiten der Performance- und Medienkünstlerin Barbis Ruder steht der Körper - als Ausgangs- und Untersuchungsobjekt zugleich. In ihren Performances und multimedialen Arbeiten lotet Ruder Themen wie Wirtschaft, Arbeit, Intimität und Konventionen aus. Der Körper kommt im bewegten Bild, in Skulpturen, Installationen und auf der Bühne zum Einsatz. Das Buch präsentiert erstmals das gesamte Werk von Barbis Ruder und zeigt die Vielschichtigkeit ihres Schaffens. In unterschiedlichen Werkzyklen wird der Körper immer wieder neu ver- und behandelt, im Spannungsfeld zwischen Emanzipation und Kapitalismus. Die umfangreiche Werkschau versammelt trashige Bühnenperformances und bildhauerische Werke ebenso wie Videoarbeiten und gibt Einblicke in Werkentwicklungen, die durch Zeichnungen und Studien dokumentiert sind. Erstes umfassendes Werkporträt der Performance- und Medienkünstlerin Barbis Ruder Aufwendig gestaltetes Buchobjekt, mit zahlreichen großformatigen Abbildungen Mit Beiträgen von Lona Gaikis und Peter Kozek sowie einer Einleitung von Madeleine Frey

"Negative Shape - The Defining Attribute" takes what starts out as an artistic concept and expands and explodes its application in a wide area of experiences and relationships. Negative shape explores the BETWEEN. Negative space is quantitative. It tells about how far, how long, and how much. "Negative Shape" explores what we do WHILE we move closer; what we do AS we close the gap between now and next. Proximity is the negative shape that describes expectation and anticipation; wishing and hoping. Christine Archer explains that recognizing how we can use the negative space to evaluate what has happened and prepare for what comes next makes it a real and tangible part of our experience. It's not just "wait time". By seeing it as "shape" we can make it a valuable tool in our understanding that planning, waiting, and creative process are essential components of how we perceive and understand who we are and what we can become. Decision-making, evaluation, and judgement occur outside the event; in the negative "shape" that is the BETWEEN. Soundly grounded in artistic theory, this book is also a deeply personal anecdotal narrative of one person's experience with "Negative Shape" - IN the "Negative Shape".

The 15-year history of the production of a "German scotch" Black Whisky. YKSIHW KCALB recounts the 15-year history of the production of a "German scotch" Black Whisky, made by Dexter Sinister together with Stahlemühle, a distillery set up by ex-publisher Christoph Keller. The story is told in reverse, starting with the delivery of 342 bottles to Berlin in 2022, and ending with an interview with Christoph for the journal Dot Dot Dot in 2007, during which the idea began to germinate. A summary of the project is accompanied by photographs taken at the time, interspersed with five previously published texts (an essay, three conversations, and a statement of intent) written along the way.

A facsimile of the GALA Committee's mock auction catalog for an artistic intervention into the props and plots of Melrose PlaceOriginally published in a limited run in 1998, Primetime Contemporary Art documented In the Name of the Place, a radical two-year intervention by a group of artists, initiated by Mel Chin and known as the GALA Committee, on the primetime television show Melrose Place. This extremely rare artist's book is reproduced for the first time as a facsimile edition.The artists comprising the GALA Committee worked with the producers of Melrose Place to develop a series of political works that were used as props and plot devices across two seasons of the show, providing surreptitious commentary on reproductive rights, HIV/AIDS, the Gulf War, domestic terrorism, corporate malfeasance and substance abuse. Some of these topics were banned by the FCC at the time, and the group's works allowed for the artists and the show to create political commentary that went unnoticed by censors. The artworks they produced were exhibited at the Los Angeles Museum of Contemporary Art in 1997 and then sold at an auction at Sotheby's to support several charities. Primetime Contemporary Art was created by Mel Chin and Helen Nagge as a mock auction catalog documenting the artwork made for the show and the conceptual framework of the GALA Committee.

FUTURE ist eine Serie von 5-6 Publikationen des Künstlerduos Taiyo Onorato & Nico Krebs, die im Laufe der nächsten Jahre bei der Edition Patrick Frey erschei-nen werden. Die verschiedenen Kapitel des Projekts werden laufend publiziert, ohne dass ein genauer Inhalts- oder Zeitplan feststeht. Es ist Teil des Konzeptes, dass relativ schnell publiziert wird und so auch auf direkte Geschehnisse oder Befindlichkeiten reagiert werden kann. Nach der Beschäftigung mit Zukunft und Erinnerung dreht sich die zweite Publikation der FUTURE-Serie um einen Ort, ein Reich, das uns direkt umgibt und für die meisten Menschen doch so fern und fremdartig ist, wie es sonst nur die Weiten des Alls sein könnten: die Welt unter der Wasseroberfläche. Erst durch den Einsatz von aufwendiger Technologie sind wir in der Lage, tiefer in diese Dimension vorzusto-ssen und sie zu erkunden. Mit der Exploration kommt direkt auch die Exploitation, und es besteht die Möglich-keit, dass diese Welt zerstört wird, bevor wir sie auch nur im Ansatz verstehen oder überhaupt zu sehen bekommen. Die Tiefsee ist ein gigantisches Projektionsgebiet, das schon seit jeher unsere Imagination anregt, weil in ihr alles möglich scheint. Es gelten andere Gesetze, andere Regeln, und auch deutet immer mehr darauf hin, dass wir dort unseren Ursprung - und in Form von Sedimenten wohl auch unser Ende - finden werden. Mit verschiedensten fotografischen Mitteln und Erfindungen erkunden Taiyo Onorato & Nico Krebs diese Welt und entwerfen Szenarien, in denen sich Forschung und Fiktion untrennbar miteinander vermi-schen.

Beautiful artist's book about Tin Drum's MR installation, Medusa. A meditation on emergent technologies, nature and architecture amidst the climate crisis with contributions from celebrated writers, academics and thinkers. The mixed reality Medusa installation began with the questions: is there even such a thing as non-physical architecture? What is the function of architecture without physical form? Directed by Yoyo Munk and produced by Tin Drum, it headlined the 2021 London Design Festival at the Victoria & Albert Museum. Yoyo Munk's first book is an exploration into Medusa's themes, reflecting on our changing relationship with architecture within the context of rapidly advancing technology and ongoing mass extinction. Featuring original artwork by Tin Drum, Medusa is a timely and moving artist's book about climate grief. Medusa includes fascinating conversations between Munk and Sou Fujimoto, the renowned architect and Medusa collaborator, James Bridle, author of Ways of Being; Veronica Strang, cultural anthropologist; and Seirian Sumner, author of Endless Forms: The Secret World of Wasps. A dazzling poetic contribution from Octavia Bright, author of This Ragged Grace: A Memoir of Recovery and Renewal is interspersed throughout the book. Medusa is an art object to be treasured, employing multiple inks, foils, papers and processes.

Ein Künstlerbuch über Bilder von Bildern In Jari Gensers künstlerischer Arbeit spielt die Wiederholung eine zentrale Rolle: Er malt Bilder, die immer das jeweils vorhergehende Bild im Prozess seiner Entstehung zeigen. Eine endlose Reihe: Bilder von Bildern von Bildern, wie zwei Spiegel, die sich gegenüberstehen und ein immer kleineres Spiegelbild zeigen. Und die Räume, in denen sie entstanden sind, die Dinge, die dort herumliegen, zufällig oder vorausschauend platziert, kurz: ein Leben. Wie schnell doch die Zeit vergeht. Die Monografie gibt erstmals einen detaillierten Überblick über die ersten 16 Werke, die seit 2012 auf diese Weise entstanden sind und die wie ein visuelles Tagebuch durch das Schaffen des Künstlers führen. Die Präsentation der Arbeiten wird ergänzt durch ein kommentiertes Inventar aller 477 in den Bildern enthaltenen Gegenstände. Aufwendig gestaltete Künstlermonografie und erstes Werkporträt des Künstlers Jari Genser 16 großformatige Abbildungen und ein kommentiertes Inventar der 477 in den Bildern enthaltenen Gegenstände Mit Beiträgen von Veronika Rudorfer und Klaus Speidel

Zwei Werkserien von Jeremias Altmann In seiner künstlerischen Arbeit beschäftigt sich Jeremias Altmann mit den Themen Maschine, Mensch und Entwicklung. Die aufwendig gestaltete Künstlermonografie präsentiert die beiden Werkserien YOUNG PROPHECIES und MACHINES. In der Serie YOUNG PROPHECIES rekonstruiert Altmann seine eigenen Kinderzeichnungen. Die Auseinandersetzung mit dem Innenleben technischer Apparaturen im zeitlichen Wandel ist Ausgangspunkt für die Serie MACHINES. Die Präsentation der Serien wird ergänzt durch einen essayistischen Text des Künstlers, von Fragen kindlicher Entwicklungspsychologie bis zu Reflexionen zum Spannungsfeld Mensch/Maschine. Die ungewöhnliche Gestaltung des Buches mit zwei Leserichtungen erlaubt das spielerische Erforschen der Serien: Leseroutinen werden aufgebrochen; Texte und Bilder sind zu einer besonderen Einheit verwoben. Präsentation zweier außergewöhnlicher Werkserien des Künstlers Jeremias Altmann Unkonventionell gestaltetes Buchobjekt mit zwei Leserichtungen Mit Beiträgen von Barbara Herbst, Antonia Hoerschelmann, Esther Mlenek, Günther Oberhollenzer und Nina Schedlmayer

Ein künstlerisches Forschungsbuch Die Monografie von und über Payer Gabriel ist eine antidisziplinäre Enzyklopädie, die ihre etymologische Herkunftsbedeutung - als Kreis des Lernens - wörtlich entfaltet: ein Zirkulieren variabler Wissensformen, die sich gegenseitig bedingen und lustvoll aufeinander referenzieren. Die alphabetisch geordnete Begriffssammlung ergibt sich aus einer Reflexion über die eigene künstlerische Arbeit, aber auch über theoretische Texte zu visuellen und anderen Epistemologien, die die Arbeit begleiten. So findet ein Essay von Bruno Latour über Inskriptionen nicht nur als Originaltext Eingang in das Buch, sondern auch über ein Nachdenken in zeichnerischer Form und in Referenztexten. Innerhalb dieser Kontextualisierungen überschreiten die künstlerischen Arbeiten ihren Status als Dokumentationen und entfalten ein Eigenleben. Das Buchobjekt als Werk: Originelle konzeptuelle Umsetzung, die das Buch als eigenständige künstlerische Arbeit denkt Facettenreiche, ästhetisch eigenwillige Abbildungen und Lithografien Mit Texten von Bruno Latour, Byung-Chul Han und Odo Marquard

This is the first book to fully interpret Objects on My Dresser (1979-83) by the conceptual artist Sonya Rapoport. Objects on My Dresser is Rapoport's psychological self-portrait for the digital age. Motivated by the recent passing of her mother, she joined together with a psychologist in a project that was part therapy, part creative collaboration. During the psychoanalytic process, Rapoport selected 28 objects that had accumulated on her bedroom dresser, ranging from travel souvenirs to family photos, small curios, and other keepsakes, which became anchors for the analysis. Rapoport turned to a newly available tool-the computer- and used the data mined from psychoanalysis to code, plot, and graph her interior experience. With exclusive access to archival materials and interviews with the artist during her lifetime, Efimova and Cohn decode Objects on My Dresser and position it in the canons of Conceptual, Feminist, and early computer art.

Ihren eigenen Körper als Rohmaterial einsetzend, dekonstruiertdie französische Künstlerin ORLAN die traditionelleIkonografie des Weiblichen. In den 1990er-Jahren erregteORLAN mit den an ihrem Körper vorgenommenen chirurgischenOperations-Performances großes Aufsehen. IhrFrühwerk ist weniger bekannt: Bereits 1964, mit 17 Jahren,gebiert sie ihr künstlerisches Selbst. Seitdem erschafft siesich immer wieder neu. Ihr Körper wird zugleich Subjektund Objekt, ironisch und provokativ spielt sie mit Identität.Diese Publikation fächert die gesamten sechs Jahrzehntevon ORLANs Werk auf und beleuchtet besonders ihrefrühen Performances. Zu ihren jüngsten Neuerschaffungengehört der Roboter ORLAN-OÏDE, und mit Hilfe einerAugmented Reality App steigen gar ORLAN-Avatare ausdem farbenprächtigen Buch heraus und werden lebendig.Dass der Körper politisch ist, zeigt sich in all ihren Arbeiten:1989 verwandelt sie Gustave Courbets Bild L'originedu monde in L'origine de la guerre, indem sie die Vulvadurch den Phallus ersetzt. Das Statement büßt nicht anAktualität ein.Die französische Künstlerin ORLAN (*1947, Saint-Étienne) ist eine der bedeutendsten Vertreterinnen der Feministischen Avantgarde, der Performance-Kunst und Begründerin L'Art Charnel (der Fleischeskunst). ORLAN setzt seit sechs Jahrzehnten ihren eigenen Körper als künstlerisches Material ein. Sie lebt und arbeitet in Paris.

Eric Hattan ist bekannt dafür, listige Eingriffe an Orten vorzunehmen und mit dem Durchkreuzen der bekannten Ordnung für Überraschung zu sorgen. So auch im Museum Langmatt, das den Schweizer Künstler eingeladen hat, seine Räumlichkeiten zu bespielen. Die historische Villa mit ihrem Mahagoni-Parkett, ihren edlen Teppichen, Kronleuchtern und dem gepflegten Garten bildet eine Kontrastfolie für die Installationen Hattans, die sich aus abgetragenen Kleidungsstücken, Metallteilen und weiteren weniger erlesenen Materialien zusammenfügen. Five o'clock Shadow dokumentiert den spannungsreichen Dialog, der dabei entsteht, und macht spürbar, wie das ehrwürdige Gebäude durch Hattans Intervention aufblüht.Der in Basel und Paris lebende ERIC HATTAN (*1955, Wettingen, Schweiz) zählt zu den erfindungsreichsten Konzeptkünstlern der Schweiz. Seine künstlerische Sprache zeigt sich chamäleonartig in diversen Medien und findet seit vielen Jahren internationale Beachtung.