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Este libro agrupa una serie de reflexiones sobre la popularidad del arte moderno presentadas en un encuentro mantenido en 1966 por la mejor crítica de arte italiana del momento. Alberto Cirese inicia la discusión planteando qué se entiende por "arte popular" y aclarando los términos y el desarrollo histórico de este concepto. A Cirese sigue Giulio Carlo Argan, que introduce la cuestión más específica del arte moderno como arte popular. Argan señala dos líneas fundamentales del debate, que serán desarrolladas en los capítulos siguientes: "Arquitectura" y "Diseño industrial".

Influenciado por el expresionismo temprano y por el futurismo, aparece en Zúrich en 1916, en plena Guerra Mundial, el dadaísmo, una corriente literaria y artística activa hasta 1923. Es un movimiento atípico, abierto, sin programas previos, que no obedece a ninguna escuela o enseñanza preestablecidas. De condición internacionalista, antibelicista y antiburguesa, pretende revolucionar el arte y la literatura con una deliberada intención provocadora. El dadaísmo aspira a la destrucción integral de los valores fundamentales de la civilización occidental mediante el escándalo, el desconcierto, lo absurdo, lo grotesco y la risa corrosiva e irreverente. La presente selección reúne un conjunto de textos pertenecientes al grupo dadá de Berlín, ciudad en la que trabajaron los principales exponentes de este movimiento desde el final de la Primera Guerra Mundial. Junto a textos muy conocidos (el Manifiesto dadaísta de 1918 o ¿Qué es el dadaísmo y qué quiere en Alemania?), se recogen otros muchos, tan raros en las antologías existentes como imprescindibles para una correcta comprensión del dadaísmo berlinés. El orden de los textos respeta, en su mayor parte, la cronología de su elaboración o de su publicación, de manera que pueda constatarse más fácilmente la dinámica de formación y desarrollo del grupo, así como valorarse la evolución de sus propuestas.

El volumen consta de cuatro ensayos: Sobre lo patético, Reflexiones sobre el uso de lo vulgar y lo indigno en el arte, Sobre los límites necesarios en el uso de las formas bellas y Sobre el provecho moral de las costumbres estéticas. Se ubican en la época marcada históricamente por la Revolución Francesa e intelectualmente por la publicación por Kant de la Crítica de la razón práctica (1788) y la Crítica del juicio (1790) contribuyendo, junto a ellos, a la estética de la Segunda Época Clásica de las letras alemanas a partir del legado ilustrado y al establecimiento de los primeros principios de la Modernidad filosófica. Las reflexiones de Schiller fluyen de un ensayo a otro de manera impetuosa e intuitiva en pos de límites conceptuales que justifiquen la necesidad de patos en la obra trágica, o que definan las atribuciones del gusto en la creación artística o el alcance de la razón y de la imaginación en la génesis y la recepción de la obra de arte. Dos siglos después de la muerte de su autor, sus conclusiones no pierden vigencia para el pensamiento contemporáneo. Introducción de Jorge Seca.

El Esbozo de una nueva estética de la música es un documento fundacional de la modernidad artística y una obra controvertida desde el momento de su publicación, por sus planteamientos innovadores y sus geniales predicciones, en la que Ferruccio Busoni presenta su teoría del modernismo musical y adelanta los fundamentos de la música electroacústica y el microtonalismo. De las importantes implicaciones del Esbozo de Busoni para los desarrollos posteriores de la música dan testimonio los tres textos que le acompañan en la presente edición: El artículo de Adolfo Salazar La estética de Ferruccio Busoni. La Ur-Musik (El Sol, 1924), las anotaciones de Arnold Schönberg a la edición alemana de 1916 y el epílogo de Hans-Heinz Stuckenschmidt a la de 1974. Este volumen incluye además una introducción de José María García Laborda.

Este libro de Angelo Maria Ripellino, a medio camino entre el ensayo y el relato, analiza la figura de Vladimir Mayakovsky como referencia fundamental de la vanguardia artística rusa. Además de textos y reflexiones sobre estética y política, Angelo Maria Ripellino (Palermo, 1923-Roma, 1978) recrea en este volumen con espléndida prosa una historia de personajes, desafíos y pasiones liberadas en una atmósfera de extraordinaria creatividad. Los protagonistas, junto a Mayakovsky, son el político Lunacharsky, el poeta vagabundo Khlebnikov, los pintores Malevich y Larionov, el dramaturgo Meyerhold, el payaso Lazarenko, el cineasta Eisenstein y el escritor Pasternak, integrantes de un movimiento multiforme cuya influencia pretendía extenderse más allá de la obra de arte a la propia vida. A pesar de ser uno de los intelectuales italianos más influyentes del Siglo XX, Ripellino ha permanecido casi desconocido hasta ahora para el lector hispano. Hombre esencial y comprometido, políglota, poeta y académico, publicó los poemarios No un día, sino ahora (1960), La fortaleza de Alvernia (1967), Noticias del diluvio (1969), Sinfonietta (1972), El espléndido violín verde (1976) y Otoñal barroco (1977); ejerció como crítico literario en revistas y periódicos como Meridiano, La fiera letteraria, Il corriere della sera y L'Unità y tradujo, entre otros, a Mayakovsky, Blok, Pasternak y Khlebnikov. Entre sus ensayos destacan, junto a Mayakovsky y el teatro ruso de vanguardia (1959), Historia de la poesía checa contemporánea (1950), Literatura como itinerario maravilloso (1968) y Praga mágica (1973).

William Morris (1834-1896) es una referencia obligada para la comprensión de la cultura europea de finales del XIX, en parte porque supone la culminación del debate intelectual del periodo victoriano y en parte porque anticipa muchos de los temas que habrían de debatirse en la primera mitad del siglo XX, dentro y fuera de las vanguardias históricas.Igualmente alabado y criticado por utópico y sentimental, la obra teórica de Morris, tal como aparece en la presente antología, supone uno de los primeros intentos de elaborar una política cultural de la democratización del arte en el contexto de la sociedad industrial. En particular, Morris denuncia la alienación del trabajador ante la introducción de la máquina en los procesos productivos y defiende apasionadamente la naturaleza frente a los intereses económicos, anticipando muchas de las ideas del socialismo y el ecologismo modernos. Además, su análisis de la producción de masas y su visión igualitarista del acceso a los productos artísticos lo convierten en uno de los padres de la teoría y la práctica del diseño.

"Todo lo que una vez fue vivido directamente se ha convertido en una mera representación." "La sociedad del espectáculo" proporciona una reinterpretación del marxismo, sobre todo del concepto de fetiche de la mercancía aplicado a las condiciones del capitalismo contemporáneo. Guy Debord argumenta que la historia de la vida social se puede entender como la declinación del ser en tener, y del tener en simplemente parecer. Esta condición en la cual la realidad se ha substituido por su imagen representa el momento histórico contemporáneo, cuando la mercancía completa su colonización de la vida social: las relaciones entre mercancías han suplantado las relaciones entre las personas y, en estas, la identificación pasiva con el espectáculo suplanta la actividad genuina. El espectáculo no es una colección de imágenes, escribe Debord, en cambio, es una relación social entre la gente que es mediada por imágenes.