Bøger udgivet af Hirmer Verlag GmbH

Katharina Cibulka und ihr Team montieren seit 2018 von Hand bestickte Gerüstnetze an gut frequentierte, prominente Baustellen und regen Passant:innen durch gesellschaftspolitische Botschaften zu Diskussionen an. Ein Satz, der mit Solange beginnt und bin ichFeminist:in endet, verweist auf bestehende Ungleichheiten.SOLANGE ist international und spricht alle Sprachen. Die Kunst-Interventionen finden an Museen, Universitäten, Kirchen und Festungen von Wien über Köln, Ljubljana, Rabat bis Washington D.C. statt. Die Themen werden partizipativ vor Ort erarbeitet. SOLANGE sensibilisiert jenseits der feministischen Bubble für Gender-Equality - auch über Instagram. Der reich bebilderte Band führt durch die bislang 28 Projekte in 7 Ländern und gibt Einblicke in Hintergrundgeschichten sowie die Rezeption in der Öffentlichkeit.

Jasper Johns (* 1930) zählt zu den bedeutendsten amerikanischen Malern des 20. Jahrhunderts. Kaum bekannt ist hingegen, dass der Künstler auch ein passionierter Sammler ist. Der bibliophile Band bietet mit einer Auswahl von über 100 Zeichnungen Gelegenheit, die Vielfalt dieser einzigartigen Sammlung zu entdecken.Von Paul Cézanne über Pablo Picasso bis zu Willem de Kooning - Jasper Johns ermöglicht mit seiner Sammlung überraschende Gegenüberstellungen. Wie die Qualität der Zeichnungen zeigt, wählt Johns mit dem sicheren Blick eines Connaisseurs. Viele Werke zeugen zudem von Freundschaften zu anderen Künstlerinnen und Künstlern. Rund 50 Positionen treten in diesem Katalog in einen inspirierenden Dialog, der Laien und Experten gleichermaßen zu faszinieren weiß.GESAMMELTE WERKE VONJohn Cage | Paul Cézanne | Merce Cunningham | Edgar Degas | Marcel Duchamp | Jacob Epstein Eric Fischl | Dan Flavin | Johann Heinrich Füssli | Paul Gauguin | Alberto Giacometti | Juan Gris Kim Jones | Franz Kline | Käthe Kollwitz | Elaine de Kooning | Willem de Kooning | Sol LeWitt René Magritte | Brice Marden | Henri Matisse | Robert Morris | Barnett Newman | Pablo Picasso Robert Rauschenberg | Odilon Redon | Frank Stella | Cy Twombly | Terry Winters u. a.

Gottfried Helnweins (* 1948) Gemälde von Kindern berühren und verstören zugleich. Der hyperrealistische Charakter seiner Bilder verstärkt diesen Effekt zusätzlich. Das verletzbare und wehrlose Kind dient dem Künstler als zentrales Motiv in der Auseinandersetzung mit den Themen Schmerz, Verletzung und Gewalt. Der Katalog gibt einen Überblick über das Schaffen der letzten zwanzig Jahre.Das Kind in Helnweins Arbeiten verkörpert stellvertretend psychologische und gesellschaftliche Ängste. Der Künstler setzt seine Darstellungen auch dazu ein, Nationalsozialismus und Holocaust oder das Tabuthema des Missbrauchs anzuprangern. Helnwein gilt bis heute als Provokateur. Mit seinen Werken, die nach fotografischen Vorlagen entstehen und durch ihre technische Perfektion bestechen, gelingt es ihm nach wie vor, Menschen aufzurütteln. »Meine Bilder haben schockiert, weil ich sichtbar gemacht habe, was die Leute lieber unsichtbar gelassen hätten.«

Rau, ungeschönt, in konservativen Kreisen als »Rinnsteinkunst« verschrien: Kompromisslos setzt Käthe Kollwitz ihre Kunst als politisches Sprachmittel für das soziale und humane Elend ihrer Zeit ein. Stets steht dabei die Würde des Menschen im Fokus. Der Band gibt einen umfassenden Einblick in Engagement und Schaffen der Künstlerin, deren Werk aktueller denn je ist.Mit den weltberühmten Grafikzyklen Ein Weberaufstand und Bauernkrieg, seltenen Probedrucken sowie berührenden Zeichnungen und Skulpturen deckt das Buch das gesamte Spektrum von Kollwitz' Wirken ab und zeigt alle Facetten ihres virtuosen Könnens. Besonders eindrucksvoll wird die politische Dimension ihrer Kunst anhand ihrer Plakate greifbar. Die ungebrochene Gültigkeit ihres Werks führt die Gegenüberstellung mit den Interventionen der Künstlerin Mona Hatoum (* 1952) vor Augen, die um Themen wie Verletzlichkeit, Vertreibung und Konflikterfahrung kreisen.

Katharina Grosse (* 1961) schafft in drei historischen Räumlichkeiten der Albertina begehbare Kunstwerke. Die vibrierenden Farbfelder breiten sich auf Wand, Decke und Boden aus, überschreiten räumliche und gedankliche Grenzen. Sie überwältigen durch ihre Kraft, Intensität und die schiere Größe. Der Katalog dokumentiert die dreidimensionale Bildwelt mit detailreichen Installationsfotos und Bildern aus dem Atelier. Expansion und permanente Grenzüberschreitung, Freiheit und Autonomie bilden die Grundpfeiler von Grosses OEuvre. Wie das wilde Denken ist ihr Schaffen experimentell und unberechenbar. Zahlreiche Fotos aus dem privaten Archiv der Künstlerin bieten Einblick in Ihre Arbeitsweise, Inspirationsquellen und Ideenfindungsprozesse.

Harriet Backer (1845-1932) war in Norwegen bereits zu Lebzeiten eine gefeierte Malerin und gehört zu den Vorreiterinnen weiblichen Kunstschaffens in Europa. Sie debütierte im Pariser Salon von 1880, lebte in München und Paris und gründete nach ihrer Rückkehr in Oslo eine erfolgreiche Schule für Malerei. Der Prachtband verleiht ihr den ihr gebührenden Rang in der Geschichte der Kunst.Harriet Backers Werk rangiert im norwegischen wie auch im europäischen Vergleich auf hohem künstlerischen Niveau und zeichnet sich durch Originalität und eine facettenreiche Motivwelt aus. Ihre farbstarken Interieurs, feinfühligen Schilderungen ländlichen Lebens, ihre Porträts und Stillleben sind von Plein-Air-Malerei, von Realismus und Impressionismus durchdrungen. Backers künstlerische Leistung und ihre Bedeutung im europäischen Kontext sowie als Lehrerin von Nicolai Astrup und Harald Sohlberg treten nun dem internationalen Publikum vor Augen.

Wolfgang Laib: The Beginning of Something Else führt all jene Texte sowie ausgewählte Abbildungen zusammen, die für das Denken und Schaffen des Künstlers von besonderer Bedeutung sind. Darunter befinden sich beispielsweise Passagen aus dem Gilgamesch-Epos, ein Gedicht des buddhistischen Mönchs Bodhidharma oder Gedanken von Friedrich Nietzsche.Text und Bild - seien es private Aufnahmen, Fotografien von Parsi-Ritualen oder Werkabbildungen - verbinden sich zu einer außergewöhnlichen Publikation, die Wolfgang Laibs (* 1950) Interesse an Literatur ebenso reflektiert wie einige der wichtigsten Inspirationsquellen seiner feinsinnigen Kunst. Der Band eröffnet eine sehr persönliche Begegnung und beleuchtet einen Künstler, dessen Werk seit Ende der 1970er-Jahre Fragen an unseren Umgang mit der Natur stellt und der darin nicht aktueller sein könnte.

Unter Verweisen auf Soziologie und Science-Fiction brachte Peter Halley in den 1980er-Jahren frischen Wind in die Malerei. Mit Neonfarben und Roll-A-Tex-Sandtextur dekonstruierte er transzendente geometrische Abstraktionen von Beginn und Mitte des 20. Jahrhunderts zu abstrakten Zellen und Gefängnissen und verband sie augenzwinkernd durch Kanäle mit der Außenwelt.Durch die Verortung seiner Malerei in der Schnittmenge zwischen analoger und digitaler Welt greift Peter Halley viele Herausforderungen des Informationszeitalters und des französischen Poststrukturalismus auf. Hobbs' Monografie analysiert Halleys fast hermetisch verschlüsselte geometrische Kunst mit Blick auf die Möglichkeiten des Internets, die ästhetischen Optionen von Photoshop, die Aktualität der soziologischen Theorien von Michel Foucault und Jean Baudrillard sowie die ungelösten Rätsel gleichermaßen von Science Fiction und Physik.

Das Werk von Käthe Kollwitz, der international bekanntesten deutschen Künstlerin des 20. Jahrhunderts, genießt auch außerhalb Europas höchstes Ansehen. Die unverwechselbare, berührende Sprache ihrer grafischen und bildhauerischen Arbeiten ist universal verständlich und mit ihren eindringlichen Botschaften aktueller denn je.Empört über die gesellschaftlichen und sozialen Missstände ihrer Zeit, widmete sich Kollwitz ihr Leben lang der Darstellung von Menschen und gab in ihren Werken der Not und Trauer der Armen und Unterprivilegierten eine Stimme. Gleichermaßen genial im Ausdruck wie in der künstlerischen Umsetzung, griff sie Themen wie Abschied und Tod, Frieden und Kriegsleid auf. Aber auch innige Mutter-Kind-Darstellungen und Selbstbildnisse voller Kraft und Schönheit gehören zum OEuvre der Künstlerin und zeigen, wie facettenreich ihr Kunstschaffen war.

Edvard Munchs radikale Modernität der Malerei forderte die Zeitgenoss:innen heraus. Das gilt insbesondere für die Berliner Kunstszene um 1900, auf die der norwegische Symbolist großen Einfluss nahm, wo er aber auch Förderung erfuhr und sein Werk weiterentwickelte. Der Band erzählt bildreich und fundiert die Geschichte von Munch und Berlin.1892 lud der Verein Berliner Künstler den noch unbekannten Edvard Munch (1863-1944) zu einer Ausstellung ein. Die Öffentlichkeit war geschockt von den farbgewaltigen, skizzenhaften Bildern. Der Künstler genoss dieses Aufsehen und zog an die Spree, wo er bis 1908 immer wieder lebte. In Berlin bedeuteten Munchs Werke nicht nur eine Initialzündung für die Moderne. Auch die Vorstellung vom »Zauber des Nordens« (Stefan Zweig) erfuhr einen Wandel. Statt mit romantischen oder naturalistischen Fjordlandschaften verband man damit nun Munchs psychisch verdichtete Bildwelten.

Neben Albrecht Dürer gelten Hans Holbein d. Ä. und Hans Burgkmair als Wegbereiter der Renaissancemalerei im Norden. Wichtiges Zentrum dieser künstlerischen Blütezeit war die wohlhabende Reichs- und Handelsstadt Augsburg. Anhand hochkarätiger Werke bietet der Band einen umfassenden Einblick in den epochalen Umbruch vom Mittelalter zur Neuzeit.Augsburg wurde früh von der humanistischen Kultur Italiens beeinflusst. Aufgrund der Kunstsinnigkeit international agierender Handelshäuser, wie der Fugger, der zahlreichen Aufenthalte Kaiser Maximilians I. und der häufigen Reichstage bot die Kulturmetropole Künstlern wie Holbein d. Ä. und Burgkmair einen idealen Nährboden für die Entwicklung einer neuen Kunst. Anhand ihrer wichtigsten Tafelbilder, die unter anderem Werken von Dürer gegenübergestellt werden, wird die überaus fruchtbare wie auch unterschiedliche Aneignung der italienischen Renaissance durch die beiden Protagonisten nachgezeichnet.

Donald Ganslmeier und seine Mitstreiter in der Steilwand des Motodrom zählen zu den letzten ihrer Art. Ihre Kunst ist vom Aussterben bedroht. Der Fotograf Florian Holzherr setzt dem rasanten Leben rund um die Bretter, die die Welt bedeuten, ein bildstarkes Denkmal. Seine S/W-Fotos der waghalsigen Motorradfahrer und die Begleittexte zeigen den Mythos Steilwand auf faszinierend neue Art und Weise.Mehrere Jahre hat der Münchner Fotograf Florian Holzherr die Motodrom-Steilwandfahrer rund um Donald Ganslmeier mit der analogen Kamera begleitet. Beim Aufbau, beim Fahren, beim Abbau, beim Leben unterwegs. Herausgekommen sind Bilder, die die Geschichte einer vom Aussterben bedrohten Artistik zeigen. In beeindruckender, ungefilterter S/W-Bildsprache, begleitet von starken Texten, lässt der Band den Leser die Faszination und Leidenschaft, aber auch das Risiko erfahren und gibt Einblick in das Leben der Artisten jenseits der Show.

Gegen Ende des 18. Jahrhunderts in London entstanden, erscheint der Zirkus mit seiner Manege als eine Art Gegenwelt zum Alltag. Die bewusste Inszenierung von schönem Schein und atemberaubender Akrobatik lösten immer schon große Faszination aus. Zugleich ist diese Welt der Illusionen mit gesellschaftlichen Kontroversen und Kritik behaftet, denen sich internationale Künstler:innen und führende Expert:innen widmen.In der Welt des Zirkus war ein Bewusstsein für ethische Haltungen gegenüber Mensch und Tier lange Zeit schlichtweg nicht existent. Diskriminierung, Stigmatisierung und Unterdrückung standen auf der Tagesordnung, wie z.B. die kommerzielle Zurschaustellung der sog. "Freaks of nature" zeigt. Mit einschlägigen Essays und Werken internationaler, zeitgenössischer Künstler:innen bietet der Band den Ausgangspunkt für künstlerische, kulturhistorische, tierethische sowie rassismuskritische Untersuchungen und hinterfragt aktuelle gesellschaftliche Strukturen.KÜNSTLER:INNENKathryn Andrews | Miriam Bäckström | Istvan Balogh | Beni Bischof | Mona Broschár | Barbara Breitenfellner | Michael Dannenmann | Zilla Leutenegger | Dieter Meier | Yves Netzhammer | Tal R | Augustin Rebetez | Boris Rebetez | Ugo Rondinone | Niklaus Rüegg | Francisco Sierra | Norbert Tadeusz | William Wegman u. a.

Im Venedig der Renaissance ergründeten Meister wie Bellini, Giorgione, Palma Vecchio und Tizian das Wesen von Mensch und Natur sowie deren Verhältnis zueinander mit nie dagewesener Intensität. Anhand bedeutender Porträt- und Landschaftsdarstellungen zeigt der attraktive Band die bahnbrechenden Neuerungen der venezianischen Malerei, die bis weit in die Moderne wirkten.Die Malerei der Lagunenstadt besticht nicht nur durch die Fülle der Farben und Nuancen des Lichts, sondern auch durch das besondere Einfühlungsvermögen, mit dem sich die Künstler ihren Darstellungen widmeten. Es entstanden feinsinnige Porträts, verführerische Idealbildnisse und Historienbilder, deren eigentliche Protagonistin die stimmungsvolle Landschaft ist. Eindrücklich befragt das Buch diese Meisterwerke hinsichtlich ihrer hohen Innovationskraft, ihrer Entstehungszusammenhänge und zeitgenössischen Lesarten.KÜNSTLERGiovanni Bellini | Paris Bordone | Giovanni Cariani | Cima da Conegliano | Giorgione | Bernardino Licino | Lorenzo Lotto | Sebastiano del Piombo | Tintoretto | Tizian | Palma Vecchio u. a.

Als erstes Museum weltweit hat sich das National Museum of Women in the Arts in Washington, D.C. ausschließlich dem Engagement für Frauen mit den Mitteln der Kunst verschrieben. Die Sammlung umspannt Werke aus fünf Jahrhunderten von Künstlerinnen aus sechs Kontinenten. Der Band stellt Neuerwerbungen und langjährige Publikumslieblinge vor und führt Leserinnen und Leser dank seiner thematischen Gliederung zu überraschenden Entdeckungen.Der Katalog neuer Highlights in der NMWA-Sammlung macht kunstgeschichtliche Zusammenhänge transparent und erleichtert das Kennenlernen von Künstlerinnen. Der prachtvolle Bildband präsentiert Schlüsselwerke von Louise Bourgeois, Lalla Essaydi, Frida Kahlo, Hung Liu, Clara Peeters, Faith Ringgold, Niki de Saint Phalle, Amy Sherald, Alma Woodsey Thomas und vielen anderen. Dem Museum angehörende Autorinnen und über dreißig Gäste aus Kunst und Forschung beleuchten schlaglichtartig die einmaligen Werke und die Mission des NMWA.

Der Band fokussiert auf den politischen und kreativen Widerstand mexikanischstämmiger US-Künstlerinnen und -Künstler von 1968 bis heute. Xican-a.o.x. Body erzählt die Geschichte ihrer Kunst neu und veranschaulicht, wie diese Künstlerinnen und Künstler durch die Konzentration auf "brown bodies" die mexikanischen, US-mexikanischen und Xicanx-Erfahrungen zugrundeliegenden Konzepte hinterfragen, aufschlüsseln und problematisieren.Die Publikation bietet neue Einblicke in mehr als 50 Jahre Xicanx-Kunst und untersucht einflussreiche Werke von Kunstschaffenden, die "brown bodies" als Projektionsfläche des Widerstands in den Vordergrund stellen und sich mit den von ihnen ins Leben gerufenen kreativen Gemeinschaften gegen den systemischen Rassismus und die ausgrenzenden Praktiken von Kunstinstitutionen des Mainstreams zur Wehr setzen. Renommierte Forschende befassen sich in den Essays mit Aspekten der Verortung von Xicanx-Kunst an der Schnittstelle von Identitäts-, Rassen- und Klassenpolitik und hinterfragen die Unterscheidung zwischen "Hochkultur" und "Volkskunst".

"A Model Workshop" untersucht den viel zu wenig erforschten Einfluss Margaret Lowengrunds (1902-1957) als visionäre führende Künstlerin, Veranstalterin und Kritikerin auf die Druckgrafikszene in der Mitte des 20. Jahrhunderts auch im Licht der von ihr gegründeten New Yorker Druckwerkstatt / Galerie "The Contemporaries".Anhand des Werdegangs der Grafik in den 1950er-Jahren belegt der Band den Stellenwert von Lowengrund und The Contemporaries als einflussreicher Knotenpunkt der Druckkunst in der Jahrhundertmitte. Mit Originaltexten neben Archivdokumenten kartografiert das Buch die Aktivitäten, Netzwerke und Vermächtnisse von Lowengrund und The Contemporaries und verortet sie dabei in einer Reihe von Kontexten wie gewerkschaftlich organisierter Arbeit, Feminismus und Unternehmertum, internationalem Austausch und moderner Druckgrafik.

"Holy Smoke: Censers Across Cultures" befasst sich mit dem Einsatz von wohlriechendem Räucherwerk in religiösen Kontexten. Die Kontaktaufnahme mit dem Göttlichen durch duftenden Rauch findet sich weltweit in allen geschichtlichen Epochen, Religionen und Kulturen.Der Duft schwelenden Räucherwerks durchweht jede Tradition, sei sie polytheistisch oder monotheistisch, im Alten Orient ebenso wie im mittelalterlichen Europa. Räuchergefäße sind als sakrale Kultgegenstände allgegenwärtig, und das weltweit. Nun werden sie anhand von Fallstudien in den Kontext anderer sakraler Artefakte eingebunden. Rituelle Abläufe, die bei der Erforschung von Glauben, Kunst und Kult lange Zeit eine untergeordnete Rolle spielten, gewinnen hierdurch vermehrt an Bedeutung. Hieraus soll ein besseres Verständnis für den Stellenwert erwachsen, den die Weltreligionen sensorischen Reizen bei der Vertiefung ihrer Gebetspraktiken einräumen.Als Besonderheit ist die Publikation in Kohlepapier eingeschlagen und setzt damit den Buchinhalt in Szene. Beim Auspacken entsteht so für jedes Exemplar eine individuelle und einzigartige Einbandgestaltung des Leinens.

Lyonel Feininger (1871-1956) war Maler, Grafiker und Karikaturist. Er lehrte als Bauhaus-Meister der ersten Stunde seit 1919 in Weimar und später Dessau und übersiedelte 1937 nach New York, wo er bis zu seinem Lebensende arbeitete. Das Buch präsentiert neben seinen berühmten prismatischen Architekturdarstellungen alle Facetten seines OEuvres und Stationen seines Lebens.Mit rund 140 Gemälden, Zeichnungen, Karikaturen, Aquarellen, Holzschnitten, Fotografien und Objekten aus allen Schaffensphasen zeichnet der Band ein Gesamtbild von Feiningers Werk, das auf seine Aktualität hin befragt wird. Entwicklungslinien und Themen, die seine Arbeit bestimmt haben, werden anhand von zentralen Hauptwerken in Beiträgen internationaler Autor:innen herausgearbeitet. Eine besondere Würdigung erfahren zudem sein malerisches Frühwerk wie neueste Forschungen zur Bedeutung der Fotografie im Schaffen des Bauhaus-Meisters.

"Mark Dion and Alexis Rockman: Journey to Nature's Underworld" begleitet die erste Doppelausstellung der beiden eng miteinander verbundenen Künstler. Der Band lädt ein zu einem spannenden Panorama ökologischer Themen, die im Zentrum ihrer beider hochgelobter Arbeiten stehen, und bietet faszinierende Einblicke in die bedrohte Natur.Mark Dion und Alexis Rockman gehörten zu den ersten zeitgenössischen Kunstschaffenden, die ökologische Probleme thematisierten und vorausahnten, mit denen wir heute in epischen Dimensionen konfrontiert sind. Der Band zeigt rund 25 Skulpturen und Gemälde der beiden Künstler, dazu ausgewählte Arbeiten auf Papier und ein gemeinsam neu gestaltetes großformatiges Diorama. In der Einleitung, einem Essay von Lucy R. Lippard und einem neuen Doppelinterview geht es um unser belastetes Verhältnis zur Umwelt und um die absehbaren Folgen der herrschenden Ideologien für die Natur.

Der Angelhaken leitet seine Form von seiner praktischen Absicht ab - einen Fisch zu fangen. Aber in Kulturen, in denen das Fischen eine Haupterwerbsquelle ist und schon immer war, wird die Herstellung von Angelhaken zu einer Kunst. "Angelhaken der pazifischen Inseln Vol. II" schließt den umfangreichen und tiefgehenden Diskurs des ersten Bandes ab. Zusammen sind sie das erste umfassende Nachschlagewerk über pazifische Angelhaken seit der Veröffentlichung von Harry Beasleys "Pacific Island Record: Fishhooks" von 1928, der in einer Auflage von nur 250 Exemplaren gedruckt wurde.Seitdem ist viel gelernt und entdeckt worden, und "Fish Hooks of the Pacific Islands" versammelt alles unter einem Titel mit umfassenden neuen Beobachtungen, Recherchen, Zuschreibungen, Identifizierungen und Farbfotografien. Diese Publikation ist das Ergebnis einer Zusammenarbeit privater Sammler, die sich gemeinsam der Kunst und dem Wissen der alten pazifischen Kulturen verschrieben haben. Bei der Erstellung dieses Buches haben sie eine unglaubliche Menge an Informationen sowie Bilder und Details der besten bekannten Exemplare aus Sammlungen auf der ganzen Welt zusammengetragen.

Yury Kharchenko, herausragender Vertreter zeitgenössischer Malerei, arbeitet in Werkzyklen, die seinen intensiven Bezug zu existentiellen Themen wie Dunkelheit und Licht wiederspiegeln. Virtuose Farbigkeit verbindet sich mit inhaltlicher Dichte - mal poetisch, mal lautstark - zu einer eigenständigen Bildsprache. Seine Werke der letzten sechs Jahre werden opulent und textlich fundiert vorgestellt.Verwandelt sich Erinnerungskultur in unserer Konsumgesellschaft immer mehr zu einem Entertainment Park? In einer Zeit von zunehmendem Antisemitismus und Holocaustrelativierungen zeigt sich in Yury Kharchenkos aktuellen Bildern eine für ihn neue Deutlichkeit und Vehemenz. Er benutzt das Vokabular der Popkultur, von Disney und Hollywood und mischt sie mit Gewaltfantasien, die tabuisierte Verweise auf den Holocaust enthalten. Ein künstlerisches Werk, das hinsehen lässt und aufrütteln will.

Das tibetische Mustang gilt als das »verborgene Königreich« im Himalaya. In einem über 20 Jahre dauerndem Projekt wurden die heiligen Tempelwandmalereien restauriert und gleichzeitig die buddhistischen Traditionen wieder zum Leben erweckt. Die Prachtpublikation dokumentiert mit Fotografien von Luigi Fieni und Kenneth Parker das faszinierende Projekt, die Landschaft Mustangs sowie die spirituelle und weltliche Lebensweise der einheimischen Lobas.Das Königreich Mustang mit seiner mittelalterlichen Hauptstadt Lo Monthang besticht durch seine heiligen Tempel und die kunstvollen Wandmalereien. Um dem jahrhundertelangen Verfall entgegenzuwirken, startete unter Leitung des Restaurators und Fotografen Luigi Feini ein aufwändiges Restaurierungsprojekt. Das Besondere: Dieses wurde nach einer speziellen Ausbildung durch die ortsansässigen Lobas durchgeführt. Die einzigartige Initiative führte zu einer kulturellen Renaissance und dem Fortbestand der tibetisch-buddhistischen Traditionen.

Als Pionierin von sowohl Videokunst als auch computergestütztem Videotanz erforscht die brasilianische Künstlerin, Tänzerin und Choreografin Analivia Cordeiro (*1954) seit den frühen 1970er-Jahren die Beziehungen zwischen Körper, Bewegung, visueller und audiovisueller Kunst sowie Medienkunst."Egal welches Alter, egal wie viel Tanzerfahrung, jeder kann durch Bewegung lernen." (A. Cordeiro)Analivia Cordeiro prägt seit den frühen 1970er-Jahren als eine der ersten Videokünstlerinnen die gesamte Medienkunst Südamerikas. Die Publikation präsentiert das Gesamtwerk der Künstlerin bis zur Gegenwart. Neben einem einführenden Text der Herausgeberin enthält sie ein Interview mit der Künstlerin und eine Auswahl von Texten verschiedener Autor:innen und der Künstlerin selbst. Ein umfangreicher Werkteil mit vielen Abbildungen, historischen Dokumenten und Fotografien sowie einer ausführlichen Biografie und Bibliografie vervollständigen das Buch.

Die Kunst von Arnulf Rainer (*1929) verblüfft. Die "schwarze Malhaut", mit der er vorangegangene Malereien bedeckt, ist weltberühmt. Übersehen wird dabei, dass auch Übermalungen in Rot, Blau, Grün und Weiß existieren und somit Farbe stets zu seinem Ausdrucksmittel gehörte, wie dieser Band anschaulich darstellt.Bezeichnend im Werk von Rainer ist nicht nur der Einsatz von Farbe, sondern auch die Art, wie diese aufgetragen wird, wie der vehemente Körpereinsatz seiner Hand- und Fingermalerei in den 70er und 80er Jahren zeigt. Ende dieser Periode wechselt er zu einer transparenteren Malerei und bringt die Farbe mit breiten Pinseln in Schleiern auf. Bildgewaltig präsentiert die Publikation Arbeiten aus unterschiedlichsten Serien, darunter Blattmalerei, Engel, Geologica, Goya, Landschaften, Mikrokosmos und Makrokosmos.

Imi Knoebel (*1940) gilt als Meister der gegenstandlosen Kunst. Die Monographie zur Retrospektive in der Sammlung Goetz zeigt die gesamte Bandbreite seines künstlerischen Schaffens von den 1960er-Jahren bis heute. Ein besonderes Augenmerk liegt dabei auf den formalen und inhaltlichen Verbindungen innerhalb seines Werks.Imi Knoebel ist einer der großen deutschen Künstler der Gegenwart. Er studierte an der Düsseldorfer Kunstakademie bei Joseph Beuys und fand mit seiner radikal gegenstandslosen Kunst umgehend Zuspruch. In seinen Werken verbindet sich abstrakte Malerei mit industrieller Materialität und einer seriellen Arbeitsweise. Sein in der Publikation abgebildetes OEuvre reicht von Schwarzweißfotografien, über Hartfaserbilder, Objekte aus Betonguss bis hin zu Malereien in Acryl auf Aluminium.