Bøger udgivet af Lars Muller Publishers

The Austrian typographer Helmut Schmid was a master of his craft. He put his own spin on Emil Ruder's teachings at the Basel School of Design while remaining faithful to the principles of clarity, simplicity and elegance. Blending eastern and western influences, Schmid honed his skills and put them into practice in the fields of editorial design, packaging of ethical drugs and visual identity of brands such as Pocari Sweat sports drink (Otsuka Pharmaceutical), Maquillage (Shiseido) and IPSA. He also produced independent publications in parallel, such as Typographic Reflections.Helmut Schmid Typography explores the typographer's oeuvre in its entirety. The book's generous design allows each image to breathe, and the accompanying texts narrate Schmid's life and career in an informative and pleasant manner. Complementing the publications Weingart: Typography and Ruder Typography, Ruder Philosophy, this bilingual monograph completes the Basel school of typographic thought.

Dieses Buch schlägt eine Brücke zwischen den Themen Energie und Wasser. Es ist eine kunstvoll gestaltete visuelle Ode, die die komplizierte Verbindung zwischen den Menschen, die auf Staudämme für Energie und Wasser zählen, und der Quelle, die diesen Reichtum speist, vorstellt und reflektiert. Es ist eine Hommage an die grossartige Ingenieursleistung, die die Schweiz zu einem gefragten Energiezentrum machte und den lebenserhaltenden Strom liefert, der unsere moderneWelt antreibt.Unangestrengt und neugierig gilt die Aufmerksamkeit dieser Publikation nicht nur der Erscheinung und Bedeutung von Staudamm und Kraftwerk, sondern auch der Würdigung des Bauwerkes als eindrückliches Manifest von Zivilisation und Kultur im Einklang mit der spektakulären Natur und Umgebung. Mit Interviews und atemberaubenden Ansichten taucht dieses Buch ein in die Geschichte der Talschaft und schliesst Erinnerungen und Meinungen von Beteiligten mit ein. Fachkundige Einblicke erweitern den Kontext und betrachten Emosson als Beispiel einer intakten Symbiose von Natur und Kultur und geben einen Ausblick auf das, was noch kommen wird.

Von 1970 bis 1973 unternahm Chile ein politisches Experiment, das den friedlichen sozialistischen Wandel unter Wahrung der bestehenden demokratischen Institutionen zum Ziel hatte. Dieser «chilenische Weg zum Sozialismus», wie er oft genannt wurde, bot auf dem Höhepunkt des Kalten Krieges einen einzigartigen politischen dritten Weg - einen, der sich von den gegensätzlichen Modellen der Vereinigten Staaten und der Sowjetunion absetzte. Diese kurze und abrupt beendete Periode der chilenischen Geschichte führte zu einem Produkt- und Kommunikationsdesign, das eindrucksvoll zeigt, wie Design soziales Verhalten und Identität beeinfl ussen und Solidarität und Zusammenhalt fördern kann.How to Design a Revolution dokumentiert diese chilenische Bildsprache, die aus aussergewöhnlichen Umständen entstanden ist. Die Publikation bereichert die Diskussion zu den einflussreichen und folgenreichen visuellen Sprachen der sozialen (Protest)Bewegungen der 1960er und 1970er Jahre - darunter jene der kubanischen Revolution, des Vietnamkrieges und des Pariser Mais - und veranschaulicht, wie Design politische Dynamiken widerspiegelt und gleichzeitig zu einem Instrument des politischen Wandels wird.

Die Höhle - sowohl als physischer Raum als auch als Metapher - ist eine Provokation, um die Grenzen der zeitgenössischen Architektur zu testen. Sie lädt dazu ein, darüber nachzudenken, wie sich Architektur an eine stärker auf die Gemeinschaft ausgerichtete, ökologisch sensible und schadstoffarme Zukunft anpassen kann. Diese Publikation sowie die begleitende sechste Ausstellung in der Reihe The Architect's Studio im Louisiana Museum of Modern Art sind dem kenianischen Architektenbüro Cave_bureau gewidmet. Stella Mutegi und Kabage Karanja von Cave_bureau beschreiben acht ihrer Projekte. Atemberaubendes Bildmaterial wird von Essays begleitet, die auf griffige Weise Fragen zur Zukunft der Architektur im Zeitalter des Anthropozäns, zu den Auswirkungen der kolonialen Ausbeutung und Auslöschung auf dei afrikanische Architektur sowie zur Besonderheit jedes Kontinents und jedes geografischen Raums stellen.

Mobilität prägt die Gesellschaft und damit unsere Beziehungen und sozialen Strukturen. Um ihre Bedeutung und ihr Potenzial zu verstehen, muss man Mobilität als interdisziplinäres Gefl echt von Beziehungen begreifen. Dieses Buch beleuchtet Mobilität aus verschiedenen Blickwinkeln und zeigt auf, wie sie die Gesellschaft auf der Mikro- und Makroebene formt. Die Gesichtspunkte werden in einer Fülle von Beiträgen - von visuellen bis hin zu wissenschaftlichen Essays - von Expert:innen aus verschiedenen Bereichen vorgestellt.Die Gestaltung des Buches ermöglicht es dem Leser, praktische und visionäre Verbindungen herzustellen und unsichtbare Beziehungen zwischen Mobilitäten und Aspekten unserer sich entwickelnden Gesellschaft zu erkunden. Um dies zu erreichen, denken die Herausgeber über einen neuen Weg nach, die Gesellschaft mit einem Blick auf Mobilitätsfragen zu betrachten und die gegenwärtigen mentalen und physischen Hürden der Gesellschaft zu überwinden.Dieser Designansatz zur Untersuchung der Gesellschaft lädt die Leserschaft auf eine vielseitige Reise durch die Ströme von Waren, Menschen, Materialien, Ideen und Vermögenswerten sowie deren Interaktion ein. Es entkleidet die Welt von ihren einseitigen und unverrückbaren Eigenschaften und erforscht auf kreative Weise die weicheren Mobilitätsformen, die die Gesellschaft auf ökologischer, globaler und menschlicher Ebene formen.

Bodies act as powerful signs, as cultural settings: How are bodies represented and how are they looked at? Which types of bodies are never shown or only shown in a particular way or context? Normative ideas of beauty and the body shape our perception of ourselves and the world - and the bodies shown manifest inequalities and reflect the prevailing relations of power and violence.Talking Bodies questions the body images propagated by our visual culture through the medium of the poster. Masterpieces of art history, contemporary self-dramatizations in social media, gender stereotypes, images of black bodies, and the representation of disabled and non-normative bodies are juxtaposed and critically analyzed. With its focus on the construction and impact of body images, but also on possible strategies of resistance, the publication sees itself as a critical contribution to current debates.

Cleanliness is a core value of societies around the globe. So much so that cleaning seems to be an inherent part of human nature and an expression of how we interact with and domesticate our environment. This book explores the concept of cleaning in its various aspects. Illustrations from various cleaning methods expand our conception of an activity that is such a big part of our daily lives. From a child sorting its toys and the meticulous work of a clockmaker to an impressive deep-clean of a ship: each process is treated with the same calm fascination while short texts add a semi-poetic dimension. The book's handy size invites readers to take it out into the world as they look at everyday processes with fresh eyes. Flipping through the pages of Cleaning is as enlightening as it is entertaining.

Die Suche nach dem richtigen Umgang mit der digitalen Flut an Informationen und Bildern, die Veränderung des Verhältnisses zwischen Mensch und Technologie sowie die damit einhergehende Tendenz zur fortschreitenden Entköperlichung sind Themen, die heute breit diskutiert werden. Sie sind aber nur vermeintlich Erscheinungen unserer Zeit. In seinem künstlerischen Werk und mit dem experimentellen Einsatz neuer Medien nahm der Avantgardist und Bauhaus-Lehrer László Moholy-Nagy (1895-1946) die aktuellen Diskussionen vorweg;bereits in den 1920er-Jahren war er überzeugt, dass die Menschen Unterstützung brauchen, um mit der Sinnesüberreizung in einer zunehmend technologisierten und - hier erweist sich Moholy-Nagys Voraussicht als beinah prophetisch - digitalisierten Umwelt zurechtzukommen. In diesem Band untersucht Oliver A. I. Botar die Methoden, mit denen sich Moholy-Nagy in seinem Werk mit Technologie befasst hat und geht der Frage nach, inwieweit er als Pionier des Digitalen zu betrachten sei. Ausserdem möchte der Band auch jüngere Leser an die wegweisende Figur heranführen und die Relevanz von Moholy-Nagys Arbeit für aktuelles künstlerisches Schaffen unterstreichen.

The master of screen-printing guards the secrets surrounding his recipes and processes like the tinkerers and inventors of old. The Swiss Lorenz Boegli developed this printing technique in a quality that is unattainable for other printing processes. Together with the manufacturer, he developed the technique of RGB printing with pearlescent pigments to a mastery that is used by the crème de la crème of fashion, watch and jewelry brands for their packaging and printed matter. In cultural projects, the printer continues to develop his processes and astounds with emotional results that are only remotely reminiscent of traditional screen printing.Boegli's products achieve their maximum effect in this publication in combination and juxtaposition with offset printing in equally high quality - on exquisite paper and in careful variation. Exquisite examples of printing of the various printing processes offer an incomparable and stunning visual pleasure.Text contributions in letterpress enhance the haptic sensation of the book. Experts from various disciplines shed light on the metaphor of alchemy in relation to Boegli's mastery and its significance for commercial use as well as for the advancement of the printing industry.The publication was produced in close cooperation between Lorenz Boegli, the quality printing house Grafiche Antiga in Treviso and the traditional Italian paper manufacturer Fedrigoni, supported by Merck KgaA, Darmstadt.

The booklet examines the architecture of the new Experimenta Science Centre in Heilbronn from three different angles: In terms of urban history, this building - which was designed by sauerbruch hutton - simultaneously stands as an icon and a tool for change that accompanies its city into a new economy of knowledge. As a construction, it follows its own experimental path, both in organisational, structural and ecological terms. Finally, the project is a late offspring of a typological family of spiral buildings which stretches from antiquity via the modern movement up to the very present. All three perspectives are captured in Florian Heilmayer's concise and lucid texts and are illustrated by numerous photos and drawings. Both for Experimenta visitors as well as other interested contemporaries this little pamphlet is a must.

This publication explores a series of urgent questions addressing architecture's role in the welfare and everyday life of citizens, from the interdisciplinary perspectives of architecture, art history and anthropology. With Denmark as a case, it examines how the spatiality of the welfare system has transformed, since the end of the so-called "golden age of the welfare state" in the early 1970s until today. How have these spatial changes impacted upon the everyday lives and welfare experiences of citizens? What happens when long-standing institutions are restructured, dismantled or displaced elsewhere? How do emerging types of welfare space inform - or become informed by - changed understandings of the role of the welfare system in our everyday lives? Rather than unfolding a singular narrative of loss and nostalgia associated with welfare dismantlement - or one of triumphant humanization and restructuring of modernist planned environments - it describes shifting spatial materializations of welfare and the "good life" at the intersection of these two tendencies, under the influence of a Danish version of the neoliberal turn and other important societal transformations. A rich analytical sequence of drawn visualization supplements the book's textual and photographic descriptions of welfare space transformation.

Holz ist das Baumaterial des 21. Jahrhunderts. Den erneuerbaren Rohstoff und sein Potenzial zu verstehen, setzt voraus, ihn in seinen ökologischen, technologischen und kulturhistorischen Zusammenhängen zu erkennen. Diese werden in der Publikation erkundet und mit inspirierenden Beispielen vorgestellt - praxisnah und visionär.Auf dieser Grundlage wird die Verwendung von Holz in der Architektur augenscheinlich zu einem Gebot der Stunde und die führende Rolle der Schweiz in der Holzverarbeitung und Bauästhetik wird im internationalen Kontext unter Beweis gestellt. Autor:innen aus unterschiedlichen Fachbereichen schaffen den inhaltlichen Rahmen, in dem Holz sinnlich erfahrbar und seine Möglichkeiten und Grenzen diskutiert werden können. Touch Wood - Material, Architektur, Zukunft richtet sich an einengagiertes Publikum aus Fachleuten und Laien, die ihre Erfahrungen mit Wissen anreichern wollen und so Akteure in der Förderung von Holz in der Architektur werden. Die Publikation beleuchtet neben der Dokumentation beispielhafter Bauten in zugänglichen Texten und mit zahlreichen Abbildungen auch die vielfältigen Beziehungen, die den Menschen mit dem Material Holz verbinden.

Seit fast dreißig Jahren beschäftigt sich Didier Fiúza Faustino in verschiedenen künstlerischen Dimensionen mit dem Verhältnis von Körper und Raum. Von der Architektur bis zum Design, über Installationen, Experimente, Videos und Kunstwerke im öffentlichen Raum umfasst das Oeuvre des Künstler-Architekten mehr als 270 Projekte in verschiedenen Größenordnungen. Einige sind architektonischer Natur, andere sind rein künstlerisch. Aber alle zeichnen sich durch einen kritischen Blick auf die Architektur aus, der häufig die Grenzen des Körpers in normativen, engen Räumen aufzeigt. "Architecture for Disquiet Bodies" bietet einen umfassenden Überblick über den französisch-portugiesischen Konzeptarchitekten. In Essays, Faustinos eigenen Texten und reich bebilderten Erkundungen von 30 ausgewählten Projekten untersucht das Buch einzigartige Kreationen, die den Körper in den Mittelpunkt des Interesses eines Architekten stellen. Es enthält einen vollständigen Katalog der Werke von Didier Fiúza Faustino.

Der sri-lankische Architekt Geoffrey Bawa (1919-2003) verband ein Bewusstsein für den lokalen Kontext mit den technologischen Errungenschaften und Gestaltungsprinzipien der Moderne. Dement sprechend bezog Bawa in seine modernistischen Entwürfe h.ufi g Materialien (lokaler Stein und Holz) und Charakteristika (hohe Dächer, Querlüftung, grosse Überhänge) ein, die für das Monsunklima und die geschichtsträchtige Architektur Sri Lankas typisch sind - von den Höhlenklöstern der Anuradhapura-Periode bis zum feudalen Walauwa-Stil der Herrenhäuser.Diese Publikation bringt Essays von Wissenschaftler:innen und Autor:innen aus einer Vielzahl von Disziplinen zusammen - darunter Architektur, Fotografie, Geografie, Stadtplanung und Kunstgeschichte. Der Fokus ist auf Bawas aussergewöhnlich schöne Architekturzeichnungen gerichtet, wobei die zentrale, vielschichtige Rolle dieses Mediums in der Praxis untersucht wird - von der Idee über die Anleitung bis hin zur überprüfung nach der Fertigstellung. Der Sammelband befasst sich auch mit der Identität Sri Lankas nach der Unabhängigkeit, die Bawa mitgestaltet hat - ästhetisch und, weniger offenkundig, ideologisch. Mit über 200 üppigen Zeichnungen und Fotografien, von denen viele noch nie zuvor veröffentlicht wurden, richtet sich das Buch sowohl an ein allgemeines als auch ein wissenschaftliches Publikum mit Interesse an Architektur, Zeichnung und Archiven.

From the 1920s to the 1960s, René Hubert (1895-1976) belonged to the crème de la crème of costume designers. He designed costumes for stars such as Tallulah Bankhead, Ingrid Bergman, Marlon Brando, Yul Brynner, Marlene Dietrich, Vivien Leigh, Laurence Olivier, and Marilyn Monroe in one of her first roles. Shirley Temple danced the hula in the film Curly Top wearing a grass skirt ensemble designed by Hubert; he was especially closely associated with Gloria Swanson, who encouraged him to relocate to Los Angeles when she met him in Paris in 1924. Hubert consented, and soon found himself working with directors René Clair, Alfred Hitchcock and Otto Preminger, elevating their stars with his flair for opulent color and elegant lines.Hubert's international reputation helped him to win commissions in his native Switzerland, most notably for the Swiss National Exhibition in 1939, for Swissair uniforms and aircraft interiors, and for various theaters and textile companies. This richly illustrated publication compiles sketches, costume photography, stage photos and film stills of Hubert's work. Experts from both sides of the Atlantic reflect on his multifaceted oeuvre at his numerous workplaces in Switzerland, Europe and the US. Excerpts from his unpublished memoirs provide a personal view of his life and the glamor of the era.

Als Pionier des modernen Designs schuf Willy Guhl weltbekannte Möbel wie den Eternit Strandstuhl oder den ersten Kunststoffschalenstuhl Europas. In der Tradition der Moderne und gegen den «völkischen» Heimatstil entwickelte er nach 1945 einen ganzheitlichen, am Menschen und seinen Bedürfnissen orientierten Gestaltungsansatz; Funktionalität und die Reduktion auf das Wesentliche kennzeichnen seine Gebrauchsgegenstände. In der Zusammenarbeit mit Schweizer Firmen wie Dietiker, Eternit oder Aebi entwarf Willy Guhl Sitzmöbel, Pflanzgefässe und Mähmaschinen.Willy Guhls Entwürfe, seine Lehrmethoden und sein Bildarchiv zeugen von den Innovationen der boomenden Designindustrie der Nachkriegszeit und dem sich wandelnden Berufsbild des Industrial Designers. Als Lehrer und später Leiter der Fachklasse für Innenausbau und Produktgestaltung an der Zürcher Kunstgewerbeschule von 1941 bis 1980 hat Willy Guhl Generationen von Schweizer Designschaffenden geprägt, darunter Robert Haussmann, Kurt Thut oder Andreas Christen. Sein Designwissen gab der ausgebildete Schreiner und Innenarchitekt «hands-on», mit Anschauungsobjekten, praktischen Übungen und einprägsamen Geschichten weiter.Die erste umfassende Monografie beleuchtet Willy Guhls gestalterischen Nachlass im Kontext dieser Entwurfs- und Lehrpraxis sowie aktueller Theorien der Designdisziplin. Als thematisch ausgelegter Werkkatalog bietet sie ein vollständiges Verzeichnis aller Entwürfe und illustriert in Skizzen, Plänen und Fotografien seine forschende Arbeitsweise sowie die Leidenschaft für Material und Technologie, die in der Auswahl exemplarischer Schülerarbeiten ebenso zum Tragen kommt.

Otto Neuraths berühmtes Buch Modern Man in the Making, erstmals 1939 bei Alfred A. Knopf erschienen, beschreibt den Zustand der Welt in den 1930er-Jahren anhand von Text und figurativen Illustrationen. Ab 1925 hatten Neurath und sein Team an einer neuen Bildsprache gearbeitet, die als Isotype (International System of Typographic Picture Education) bekannt wurde. Als durch das Aufkommen der neuen Massenmedien eine bis dato unvorstellbare Menge an Informationen Verbreitung fand, erkannte Neurath die Notwendigkeit einer systematischen Visualisierung - um Fakten, statistischen Daten und Zahlenverhältnisse auf einfache Art und Weise zu erklären. Das Buch gilt als einer der einflussreichsten Vorläufer der heute allgegenwärtigen Infografiken und behandelt Themen wie Sterblichkeit, Gesundheit, Beschäftigung, Handel, Bildung, Mobilität, Migration und Demografie.Modern Man in the Making zeigt das demokratische Bestreben Neuraths, Wissen verständlich und für alle zugänglich zu machen. Es erinnert an die Fähigkeit der Grafik, zu informieren und Zusammenhänge zu schaffen, anstatt nur ästhetische Qualitäten zu präsentieren. Das Buch hat Generationen von Gestalter:innen inspiriert und zu teils kuriosen Nachahmungen und Weiterentwicklungen geführt. In der Ära der sozialen Medien, die Designschaffende zunehmend dazu zwingt, komplexe Informationen und Zusammenhänge verkürzt zu vermitteln und aufs Nötigste herunterzubrechen, wird dieses wichtige historische Bild-Text-Buch als originalgetreuer Nachdruck in der Reihe XX  - The Century of Print wieder verfügbar gemacht.

In dieser Genfer Privatsammlung versammeln sich Stühle nicht als Objekte des täglichen Gebrauchs. Hier finden Kreaturen zusammen, die sich dem primären Zweck des Sitzens entziehen. Oszillierend zwischen Design und Kunst lassen sie diesen Zweck zwar oft zu, durch metaphorische Überhöhung und Verfremdung werden die Stühle hier aber zu Persönlichkeiten oder loten als Skulpturen die prekären Grenzen der Physik aus. Die Publikation lädt in ihrer grosszügigen Gestaltung dazu ein, in das kuriose Kabinett einzutauchen und den eigenen Assoziationen freien Lauf zu lassen. Nicolas Polli und Jean Vincent Simonet interpretieren in fotografischen Essays die Exponate der namhaften Künstler:innen und Gestalter:innen. Die Texte erläutern die Sammlung im Spannungsfeld von Kunst und Design und in der Lebenswelt des Sammlers und erörtern die Beweggründe für die Sammelleidenschaft schlechthin.

In diesen sich rasch wandelnden Zeiten nehmen wir zunehmend Veränderungen und Innovationen in Kauf; wir weichen ab, wandeln um, verlagern und verrücken, um lange akzeptierte Normen in Frage zu stellen. Transformation ist überall und zu jeder Zeit. Auch in der Architektur und der gebauten Umwelt ist der Wandel das zentrale Thema. Er kann sich in Konzepten und Ideen, in Bewusstsein, Aussehen, Form, Charakter, Natur oder Kultur zeigen.In diesem Jahr beauftragte die Zumtobel Group das internationale Architekturbüro UNStudio mit der Gestaltung ihres Geschäftsberichts für 2021/2022, womit das österreichische Beleuchtungsunternehmen seine einzigartige Reihe von jährlich gestalteten Kunstbüchern fortsetzt. In Zusammenarbeit mit dem Grafikdesign-Duo Bloemendaal & Dekkers ist die diesjährige Publikation eine gestalterische Reflexion über das Thema Transformation. Anhand von Illustrationen, die aus der Arbeit desUNStudios in den letzten dreissig Jahren stammen, stellt das Buch eine visuelle Untersuchung des kreativen Prozesses dar und zeigt, wie Ideen und Konzepte vom Büro in physische Form gebracht werden. Durch einen ähnlichen Denkprozess ist das Buch selbst so gestaltet, dass es seine eigene Metamorphose durchläuft.

The most "African" of the Brazilian villages in the south of Bahia bears a Swiss name: Helvécia. It was founded 200 years ago by Swiss and German colonists, and the coffee grown on its vast estates produced great wealth for them. This would not have been possible without exploitation: in the mid-nineteenth century, for 200 white colonists, there were 2,000 slaves of African origin. Black people still make up the majority of the population today; many do not know the origins of their community.With great sensitivity and in dialogue with the inhabitants, Swiss photographer Dom Smaz goes in search of traces of the past, capturing the lives of the local people. Smaz's pictures and text contributions by internationally renowned post-colonialism-expert Shalini Randeria, among others, allow a new look at history and the origins of Switzerland's wealth, revealing global histories of interconnectedness and power relations of the past that continue into the present.

Selbstverständlich is the German expression which, in the mind of Albert Kriemler, creative director at AKRIS, best encapsulates the aesthetic ideal that he wishes to accomplish with his fashion designs. For Kriemler, the embodiment of natural modernity is selbstverständlich, evident in the wearer and also the use and functionality of the clothes.Taking the collections as waymarks, the book encompasses the entire one hundred years of AKRIS history and its location in St.Gallen, Switzerland. The unsurpassed quality of the fabrics and craftsmanship employed in the creation of Albert Kriemler's art-inspired designs is dedicated to the woman of today and tomorrow. She comes alive in her clothes, and with her body language and presence imbues them with identity. Jessica Iredale describes the uniqueness and forward-looking nature of AKRIS. Iwan Baan, photographer, illuminates with his photo essays the hometown and the inside world of the brand. The meticulous book design confirms the AKRIS mindset: selbstverständlich,naturally.

«Mein erster Gebrauch einer Kamera fand im Jahr 1954 statt, als ich darüber nachdachte, was ein neues Gebäude in New York - das Seagram Building - sein könnte. Als ich über Ostern in Rom war, begann ich, durch das Objektiv einer Kamera, die ich davor kaum benutzt hatte, die Qualität von Gebäuden zu beobachten: Wie sie auf dem Grundstück sassen, ihre Gliederung und wie architektonische Details mit dem Gebäude als Ganzes zusammenhingen.» - Phyllis LambertDiese Neugier ist eine Konstante in der Arbeit von Phyllis Lambert, die ihre Karriere dem Studium und der Auseinandersetzung mit den sich verändernden Bedingungen von Stadtlandschaften gewidmet hat. In dieser Sammlung persönlicher Fotografien, die sie über mehrere Jahrzehnte hinweg während ihrer täglichen Routine, auf Reisen oder bei der Arbeit aufgenommen hat, wird die Beobachtung zu einer Suche nach dem Verständnis und der Offenlegung dessen, was andernfalls übersehen werden könnte.

Das grossformatige Album Punjab Simla. Chandigarh, Mars 1951 ist ein Notizbuch des Architekten Le Corbusier. Le Corbusier füllte die Seiten des Albums mit Skizzen und Notizen aus der Zeit seines zweiwöchigen Aufenthalts in dem Gebiet, in dem Chandigarh, die neue Hauptstadt des indischen Bundesstaates Punjab, entstehen sollte - ein städtebauliches Experiment, das schnell zum bekanntesten Beispiel für eine moderne Stadtgründung wurde.Das Album versammelt sowohl persönliche Überlegungen des Architekten wie auch Notizen und Lösungsskizzen aus Sitzungen. Es ist eine primäre Quelle für die Rekonstruktion der Themen, mit denen sich die kleine Gruppe von Architekten und Regierungsbeamten befasste, die in nur wenigen Tagen die Leitlinien für den Plan von Chandigarh ausarbeiteten. Der originalgetreue Nachdruck des Albums wird mit einer Sammlung bislang unveröffentlichter Fotografien ergänzt, die Le Corbusiers Cousin Pierre Jeanneret während dieser frühen Expeditionvon der Landschaft und den Menschen machte, bevor die neue Grossstadt dieses Gelände völlig verändern sollte. Ein ausführlicher Kommentar der Architekturhistorikerin Maristella Casciato schliesst eine Lücke in der Forschung, indem er die Vielfalt der im Notizbuch behandelten Themen reflektiert und einordnet und die fieberhaften Tage, in denen die neue Hauptstadt entworfen wurde, nachzeichnet.

Wolfgang Laib (*1950, D) gilt als einer der bedeutendsten Künstler der Gegenwart. Sein Schaffen zeichnet sich durch eine tiefe Beziehung zur Natur und einem Bekenntnis zur Einfachheit aus. Dabei prägen östliche Philosophien aus Indien sein Leben und seine künstlerische Praxis seit den 1970er-Jahren. Der Künstler konzentriert sich bis heute auf wenige zyklische Werkgruppen. Seit seinen Reisen nach Indien als junger Mann inspirierte ihn die Idee, den Menschen als Teil eines grossen Ganzen zu sehen. Dieser Lebensweise folgt er auch in seiner Kunst. Der Künstler ist dabei dem Universellen, dem Zeitlosen auf der Spur und arbeitet mit natürlichen Materialien wie Pollen, Reis, Milch oder Bienenwachs. Im Bündner Kunstmuseum realisiert er eine raumfassende Installation aus tausenden Reisbergen. Als wichtiges Nahrungsmittel symbolisiert Reis Vitalität und ist grundlegend für das irdische Leben. Der Entstehungsprozess dieses Kunstwerks wird im Buch enthüllt und steht in Bezug zu einem Gespräch zwischen Wolfgang Laib und dem international renommierten Schweizer Architekten Peter Zumthor. Mit dem Buch offenbart Wolfgang Laib die spirituelle Dimension der Kunst und führt uns direkt zu den Quellen seiner Poetik.

As one of the most important poster designers of our time, Swiss graphic designer Niklaus Troxler (born 1947) has devoted himself primarily to jazz posters. In 1966 Troxler organized the first jazz concert in his hometown Willisau in the canton of Lucerne. In 1975 he founded a jazz festival there that has since brought both established and innovative artists in Swiss and international jazz to the stage every year. Troxler designed countless posters for the festival as well as for the individual concerts, constantly reinventing himself. If his early jazz posters were still strongly oriented towards an illustrative comprehensibility, he soon emancipated himself from any narration. His virtuoso playing in the plane translates the character of experimental music and takes up ist improvisational gestures. Troxler's posters are synesthetic experiences and make music physically tangible. He is particularly interested in type, which he always designs in new ways and with different means, exploring the limits of legibility. On the occasion of Nikolaus Troxler's 75th birthday, this publication presents a selection of Troxler's legendary jazz posters. They are juxtaposed with his political manifestos in poster form, most of which he initiated himself, and with his commissioned works, including those for the Olma agricultural fair, the Knie circus and the Geneva International Motor Show.