Bøger udgivet af Spectormag GbR

S IF - 16 Dialogues about Sheep, Black Holes, and Movement is a reader about life and multiplicity and the desire to shape the present and imagine the future through artistic and creative processes. "Activating Contextual Practices", "The Public Space as a Field of Action", "Sharing Knowledge", and "A Sense of Belonging" are the four chapters that weave together a synaptic network of individual and collective biographies, relating geographies, history, and nature. Sixteen dialogues, trialogues, scenographies, correspondences, and glossaries connect people, fields of work, and disciplines to embrace alternative and diverse ways of living and thinking. Fifty-four voices that together reveal how active and visionary engagement can create a resonance that connects, heals, and fosters transformation processes.Angelika Burtscher and Daniele Lupo are the founders and the artistic directors of Lungomare, a platform for cultural production and design. They work at the intersection of artistic production and design with a focus on public urban space. With a transdisciplinary approach, they realize and design multiple collaborations and exhibition and publication projects as well as site-specific artistic productions

Was, wenn die primären Erfindungen der Menschheit nicht der Speer des Helden, sondern ein Korb mit wildem Hafer, ein Medizinbündel, eine Geschichte waren? In The Carrier Bag Theory of Fiction (1986) entwirft Ursula K. Le Guin eine feministische Technologie­geschichte, die den kollektiven Lebensunter­halt ins Zentrum rückt und in den Tragebehält­nissen der Sammler*innen Werkzeuge für das Erzählen seltsam realistischer Fiktionen erkennt. Neue Texte und Bilder antworten auf Le Guins erzählerische Praxis des world-making durch Sammeln und Festhalten. --What if humanity's primary inven­tions were not the Hero's spear but rather a basket of wild oats, a medicine bundle, a story. Ursula K. Le Guin's 1986 essay The Carrier Bag Theory of Fiction presents a feminist story of technology that centres on the collective sustenance of life, and reimagines the carrier bag as a tool for telling strangely realistic fictions. New writings and images respond to Le Guin's narrative practice of world­making through gathering and holding.

In the 1950s, Frei Otto's tent structures left their mark on the horticultural shows of the new Bonn Republic; together with Behnisch & Partner he created the roof landscape for the Munich Olympic Games in 1972. The innovative potential in his work is based on the interdisciplinarity of a mode of thinking that took in architecture, technology, art, science, and society. He saw nature as a model and tried throughout his life to harness it for the sake of architecture and civil engineering¿-¿and thus also for the future. The Frei-Otto Archive features a large number of experimental models. The book will come out in two editions (German and English) and will be the first time Frei Otto's models have appeared in print. The book is being published in conjunction with the most extensive exhibition to date of the work of Frei Otto at the ZKM | Center for Art and Media Karlsruhe in association with the Wüstenrot Foundation. The exhibition will open in autumn 2016.

Proto-Habitat is a transcript of conversations, visits, essays, photographs, paintings objects, and architectures exploring different cultures of dwelling as well as the associated imageries and means of production. Proto-Habitat is both a theoretical and a practical (built) experiment to explore ways of dwelling that are closer to contemporary lifestyles. The idea is to broaden collective representation to include environmentally responsible modes of existence and prioritizing conditions of habitability over questions of production. The book builds on research initially carried out at the French Academy in Rome - Villa Medici, the exhibition at arc en rêve, Collection Lambert, and Grand Hornu, and the construction of Proto-Habitat (Bordeaux, Chamonix, Clermont Ferrand), protoCAMPO (Rome), and SOLARproto (Almere). Flavien Menu is an architect whose practice combines research, building, and sustainable develop-ment.

Between 1977 and 1990, Gundula Schulze Eldowy roamed East Berlin with her camera: her powerful,direct images capture the long post-war period in the socialist part of the city, the deep scars ofthe inferno that had engulfed Germany, and the old Berlin milieu with its one-of-a-kind individualsand people living on the fringes, who soon vanished from the face of the city after the fall of thewall. Schulze Eldowy trains her gaze on the existential aspects of life. She looks at the world witha rare combination of sensitivity and a lack of inhibition that is both touching and painful.The series of images that are being shown in Berlin on a Dog's Night constitute Schulze Eldowy'searly work. These are the pictures that brought her international recognition and now feature inimportant photographic collections. The book, which has long been out of print, is now beingreprinted in a new layout with over thirty additional photographs.Gundula Schulze Eldowy, b. 1954 in Erfurt, studied at the Academy of Fine Arts Leipzig (HGB) andbegan working as a freelance photographer in Berlin in 1984. In the period up until 1990, sheproduced the black-and-white works Berlin in einer Hundenacht, Arbeit, Aktporträts, Tamerlan,and the two colour cycles Der große und der kleine Schritt and Den letzten beißen die Hunde. In1990 she embarked on a series of journeys that took her to Egypt (1993-2000), Japan (1996 -97),and, from 2001 on, to Peru, Bolivia, and Ecuador. She lives in Berlin and Peru.

Coup de dés (Collection): Books and Ideas after Mallarmé brings together a vast number ofeditions of Mallarmé's chef d'oeuvre as well as many of its historical and contemporary editionsand appropriations by other authors. Mallarmé's arrangement of the poem on opposite pagesturned each side into a compositional entity. Constellations of words on a spread and the interplaybetween the text fragments and the surrounding white-similar to the way a constellation of starsinteracts with the sky-was a metaphor explicitly used and introduced into literature by Mallarmé.His notion of "constellation", for example, is connected to Ulises Carrión's vision of a "new" book."In the old art, to read the last page takes as much time as to read the first one./In the new art thereading rhythm changes, quickens, speeds up," as he wrote in 1975. The richly illustrated bookcontextualizes the perception and appropriations of Mallarmé's masterpiece through criticalessays written by the editor and leading scholars such as Annette Gilbert, Craig Dworkin, LucBoltanski/Arnaud Esquerre, and Ryoko Sekiguchi.Michalis Pichler is a Berlin-based artist, primarily operating independently of the commercialgallery system, and one of the founders and organizers of Miss Read and Conceptual Poetics Day.Pichler's works often make use of found and pre-used material. He treats pages as canvases andcanvases as pages for works of art.

Hanns Eisler was Arnold Schönberg's favourite pupil. He worked intensively with Bertolt Brecht andcomposed the GDR's national anthem. Veronika Eberhart's artistic study focuses on the years 1938to 1948, which the composer spent together with his wife Lou(ise) in exile in Los Angeles. Shortlyafter their arrival, the two became the focus of FBI investigations. They were bugged and followed.In 1947, Eisler was finally called before the House Un-American Activities Committee (HUAC), and ayear later he and his wife were deported from the USA. The book contains images from Eberhart'slatest film Garten sprengen (2022) and a series of new sculptural and photographic works thatcan be seen in her exhibition at the IKOB Museum of Contemporary Art in Belgium.Veronika Eberhart is an artist, filmmaker, and musician.

The state of the world's forests has become an alarming indicator of the imbalances that existbetween the planet's tree population and humanity's production of carbon dioxide. Logging andthe profit-oriented exploitation of woodlands are accelerating the ecological crisis, while climatechange fuels deforestation. The publication Into the Woods, which accompanies the exhibitionof the same name, focuses on the forest as a habitat, its ecological processes, and the threats itfaces. Works by eighteen contemporary artists examine how humans influence the condition offorests and cause their destruction, while at the same time exploring the collective and symbioticnature of the forest ecosystem.With works by Rodrigo Arteaga, Anca Benera & Arnold Estefán, Eline Benjaminsen, Alma Heikkilä,Monica Ursina Jäger, Markus Jeschaunig, Isa Klee, Susanne Kriemann, Jeewi Lee, Antje Majewski,Richard Mosse, Katie Paterson, Oliver Ressler, Abel Rodríguez, Diana Scherer, Rasa smite & Raitissmits.The publication appears in conjunction with the Klima Biennale Wien 2024, 5 April - 14 July 2024

The painter Achim Freyer, who was a master student of Bertolt Brecht's, has gained an internationalreputation for his theatre works since the 1970s. However, he always remained first and foremosta visual artist, who made a systematic study of aesthetic and social issues. He escaped fromEast Germany in 1972, whereupon he changed the theatre using the visual arts as his medium. Hetook part in documenta in 1977 and 1987. Stagings like his 1988 Einstein on the Beach embody asynthesis of stagecraft and painting. This monograph is the first to focus on his complete artisticoeuvre, placing it in the context of his theatre work and collection of art. Freyer's late paintingsare a brilliant body of work powered by his undimmed creativity.Achim Freyer, b. 1934 in Berlin, is a visual artist, theatre- and film-maker, university lecturer, collector,and benefactor. Johannes Odenthal, b. 1956 in Cologne, is an art historian and archaeologist.From 2006 to 2022, he was head of programming at the Akademie der Kü nste in Berlin.

Argentinian artist Adrian Villár Rojas's artist's book The End of Imagination, a dystopian graphicnovel, weaves together three stories: The Last American, a futuristic novel by John Ames Mitchellfrom 1889; The Last Joke on Earth, an essay about the end of the world that Rojas himself wrotein 2011; and images taken from the 1928 animated short Steamboat Willie, the first Mickey Mousefilm to be set to music.This montage of literature and cartoon pictures takes readers on a journey in the company of ahand-drawn Mickey Mouse, navigating the margins of a photocopied edition of The Last American,while the story of the last humans on earth unfolds.The Last American and Steamboat Willie have something in common: both are out of copyright,which means that they have become a commodity. The artist's book thus also examines how wecan continue working with the wealth of material that has already been produced.Adrian Villár Rojas is an Argentinian sculptor and installation and video artist.

Pan Daijing devises performances and exhibitions as Gesamtkunstwerke, total works of art inwhich architectural intervention, light, sound, and movement interact to tell stories that go beyondlanguage. Her haunting compositions for voice and electronic instruments combine opera andnoise music. Mute-in which the artist and composer examines silence and liveness-is Pan'sbiggest solo exhibition to date. This monograph is published in conjunction with the exhibitionand in collaboration with Tai Kwun Contemporary is the first comprehensive presentation of Pan'swork in the dynamic zone straddling music and visual art.Pan Daijing, b. 1991 in Guiyang, China, lives as an artist and composer in Berlin. She is one of thewinners of the prestigious Preis der Nationalgalerie 2024. Sarah Johanna Theurer, b. 1988, is acurator, whose focus is on time-based arts and techno-social entanglements. She is currentlyworking in the Haus der Kunst in Munich.

Bannkörbe waren eine einzigartige Form der Bienentechnologie, die vom 17. bis zum frühen 20. Jahr-hundert u. a. in Norddeutschland, insbesondere in Niedersachsen, verbreitet war. Neben ihrerFunktion als Nistkorb dienten Bannkörbe mit ihren bizarren charakteristischen Masken der Abwehrvon bösen Geistern. Ihr Aussehen sollte im Halbdunklen zudem Honigdiebe und Bären vertreiben.Aladin Borioli hat eine umfangreiche Feldforschung in Text und Bild zu Bannkörben angefertigt,die heute noch existieren. Mit der tiefen Verwurzelung im magischen Glauben stellt diese Traditioneinen außergewöhnlichen Gegenentwurf zum "modernen" Bienenstock und zur ökonomischenOptimierung von Bienenhaltung und Honigernte dar.Die Publikation mit Texten von Bas Blaasse erscheint anlässlich des C/O Berlin Talent Award 2023und begleitet die Ausstellung Aladin Borioli. Bannkörbe bei C/O Berlin. Der C/O Berlin Talent Awardwird durch die Alexander Tutsek-Stiftung ermöglicht.Aladin Borioli, geb. 1988 in der Schweiz, ist Künstler und arbeitet seit 2014 an dem Projekt Apian,das die jahrhundertealte Beziehung zwischen Bienen und Menschen erforscht. Er lebt und arbeitetin der französischen Schweiz. Sebastiaan ("Bas") Blaasse, geb. 1991 in den Niederlanden, lebtin Belgien und schreibt über Kunst und Kultur, kamerabasierte Medien und darstellende Künste.

Art and technology know lots of tricks. They can spot little sings in different parts of society. These weak signals might show us new trends or big changes coming. They enable us to consider the unknown future not as a threat, but as a resource for new narratives.This little pocket book, edited by Lukas Feireiss and Florian Hadler and designed by Studio Yukiko, playfully identifies some of these "Weak Signals". As a glossary of new terminologies and neologisms, it curates, archives, copies, combines and compiles ideas, texts and images using a cut-up technique. It brings together human-written and AI-generated texts in a flat hierarchical manner and provides a vast array of hyperlinks that form an intricate web of endless references.Weak Signals is the result of the seminars "Art and Technology: A Research Network and Weak Signals: New Narratives in Art and Technology", which were conducted by the visiting professors Prof. Lukas Feireiss and Prof. Dr. Florian Hadler at the Berlin University of the Arts in 2022-2023. Supported by Deutsche Telekom AG, the seminars and the resulting publication are a unique case of Third Mission that strengthens the university's permeability and social impact through dialog, exchange and the development of common vocabularies.

Auto und Küche prallen in Lena Henkes Ausstellung "Good Year" im Museum Marta Herford aufeinander und stellen kleinbürgerliche Ideale, Markenversprechen und Heimatdefinitionen auf das Tablett. In der raumgreifenden Rauminstallation P7340LH adaptiert Henke eine von Poggenpohl in Kooperation mit Porsche-Design auf den Markt gebrachte Küche und presst Reifen in die Rasterordnung einer Küchenzeile.Als "Manual" erweitert der Künstlerkatalog die Bildwelten dieser Pole zwischen Lifestyleästhetik sowie Fragen von Prägung, Identität und Rollenbildern. Das produktive Arbeiten mit Recherchematerial und seine Umsetzung in Comics oder Collagen ist Teil von Henkes vielschichter Praxis, die sich von der Bildhauerei in weitere Dimensionen zieht und dabei stark vom räumlichen und umweltorientierten Denken geprägt ist.Lena Henke wurde 1982 in Warburg geboren, sie lebt und arbeitet in Berlin und New York. Sie ist die 5. Preisträgerin des Marta-Preis der Wemhöner Stiftung

"The Great Repair" is an oxymoron. The title captures the convergence of two seemingly contradictory principles: the revolutionary ambition for systemic change and the evolutionary act of repair. Despite the justified (postmodern) skepticism toward revolution as a concept of rupture, we must not abandon our aspiration to bring about profound transformation. The philosopher Eva von Redecker formulates this thought along similar lines in this issue:Two English language issues of ARCH+ Magazine for Architecture and Urbanism are published in collaboration with Spector Books to accompany the exhibition. The first issue (ARCH+ The Great Repair - Politics of the Repair Society, May 2023) serves as a theoretical introduction to the topic, while the second (ARCH+ The Great Repair - A Catalog of Practices) introduces practices of repair and will be published on the occasion of the exhibition's opening as a catalog.

Die Künstlerin Asta Gröting arbeitet seit über drei Jahrzehnten mit dem Medium des Bewegtbildes und der Skulptur. Sie produziert Videos über das Verhältnis zwischen dem menschlichen Körper und dem Raum, zwischen der Beziehung von Mensch und Tier sowie Tieren untereinander. Ihre Filme, Performances und Skulpturen richten den Blick auf Oberflächen, um zu ergründen, was sich dahinter verbirgt. Jedem Werk scheint die Frage zugrunde zu liegen: Was ist das Wesen von x? Was ist das Wesen von Wolf und Hund? In ihrer jüngsten Arbeit Wolf and Dog lässt Asta Gröting ihre aufgekratzte Australian-Shepherd-Hündin Laika auf einen entspannten Wolf treffen. Mit einer Ultrahochgeschwindigkeitskamera, die 1000 Bilder pro Sekunde aufnimmt, wird die gemeinsame Fütterung der Tiere gefilmt und extrem verlangsamt auf eine Leinwand projiziert. Hund und Wolf kommen sich bei der Verteilung von einem Stück rohen Fleisch nicht ins Gehege.Das Wesen von x erscheint anlässlich der gleichnamigen Ausstellung im Lindenau-Museum in Altenburg, das der Künstlerin den Gerhard-Altenbourg-Preis 2023 verliehen hat.Asta Gröting, geb. 1961 in Herford, lebt und arbeitet in Berlin. Sie studierte Bildhauerei an der Staatlichen Kunstakademie in Düsseldorf und lehrt seit 2009 an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig.

Style Congo: Heritage & Heresy untersucht die Politik der kulturellen Repräsentation und Aneignung anhand zeitgenössischer künstlerischer und architektonischer Interventionen und historischer Materialien, die hauptsächlich aus der CIVA-Sammlung in Brüssel stammen. Ausgehend von der gleichnamigen Ausstellung und beginnend mit dem Jugendstil wird in diesem Buch die Darstellung des Kongo in internationalen und kolonialen Ausstellungen in Belgien, Frankreich und dem Kongo zwischen 1885 und 1958 nachgezeichnet.

Das fotografische Werk von Ulrich Wüst kann aus verschiedenen Perspektiven wahrgenommen werden. Die Beobachtungen, die er in seinen Bildern festhält, mögen letztlich ihre Wurzeln in der deutschen Teilung und deren Überwindung haben. Sie betreffen jedoch immer auch universelle Phänomene gesellschaftlicher Wandlungen und deren materielle Erscheinungsformen. Die scheinbar lapidaren, höchst präzise komponierten Bilder sind Ergebnis langer visueller Wanderungen in gegenwärtigen Orten der jüngsten Geschichte.

Der Raum, in dem wir leben, ist von Strömungen, von Übergängen bestimmt. Wir sind allerdings sodaran gewöhnt, uns in dieser hypermodernen Welt zu bewegen, dass wir die Strömungen, die unserLeben ausmachen, gar nicht wahrnehmen. Sie sind unsichtbar, verborgen im Offenen - so lange,bis sie zusammenbrechen. Der Krieg in der Ukraine verhindert den Export von Weizen, Covid-19 undHolzmangel machen sich bei Bauvorhaben überall auf der Welt bemerkbar: Diese Geschehnissesind nicht nur menschliche Tragödien, sie erinnern uns auch in aller Dringlichkeit an globale Ab-hängigkeitsverhältnisse. Visible upon Breakdown untersucht die kulturellen, politischen und räum-lichen Dimensionen der Infrastruktur in einer transdisziplinären Diskussion zwischen Fotografie,Sozialwissenschaften und Architektur. Dabei geht es um das Verhältnis zwischen den materiellenElementen von Eisenbahnnetzen, Wasserversorgung und Kommunikationssystemen einerseits,und den diesen innewohnenden politischen und gesellschaftlichen Bedeutungen andererseits.Justinien Tribillon ist Urbanist, Autor und Wissenschaftler. Er forscht zu Infrastruktur, Kulturpolitik,Migrationen und der Politik technischer Artefakte. Offshore ist ein in Zürich und Eindhoven an-sässiges Designstudio, das von Isabel Seiffert und Christoph Miler gegründet wurde. Neben Auf-tragsarbeiten und Kollaborationen im kulturellen Bereich sind sie in der Designausbildung tätigund untersuchen in eigenen Projekten kritische Themen in den Feldern Gestaltung, Ökologie undGlobalisierung.

1988 fand im Bauhaus Dessau im Rahmen des UN-HABITAT-Programms ein Seminar statt, das sichmit Fragen des Wohnungsbaus in "Entwicklungsländern" beschäftigte. Hier wurde ein von DDR-Architekt·innen entwickeltes Fertigbausystem vorgestellt, das in einem Bildungs- und Entwicklungs-zentrum des African National Congress (ANC) in Dakawa, Tansania, erstmals zur Anwendung kam.Die im ländlichen Tansania seit den 1970er Jahren mit Unterstützung internationaler Solidaritäts-bewegungen entstandenen Bildungszentren waren Lern- und Lebensräume für Menschen, dievor dem brutalen Regime der Rassentrennung in Südafrika geflohen waren. Diese Zentren warenzudem einzigartige Orte transnationaler Begegnungen zwischen Ost und West im Kalten Krieg.Warum gerade Bildung den Schlüssel für den Aufbau einer neuen demokratischen Gesellschaftdarstellte, steht im Zentrum der Publikation.Igor Bloch, Doktorand Vrije Universiteit Brussels / Ghent University. Joyce Lam, Künstlerin und Fil-memacherin, Tokio. Essi K. Lamberg, Doktorandin, University of Helsinki. Esther Mbibo, Architektin,Daressalam. Nokubekezela Mchunu, Doktorandin, University College Dublin. Michalina Musielak,Wissenschaftlerin und Filmemacherin, Leipzig. Lucas Rehnman, Künstler und Wissenschaftler,Berlin. Jordan Rowe, Autor, Kurator und Wissenschaftler, London.

The New Designer: Design as a Profession beschäftigt sich mit den Aufkommen des BerufsfeldsKünstler·in und Gestalter·in nach dem Ersten Weltkrieg und seiner Entwicklung im Umfeld indus-trieller Produktion. Der Band enthält Artikel über Lehrmodelle, die zunächst erprobt wurden anSchulen wie dem Design Laboratory, New York, der skola umeleckých remesiel (sUR), Bratislava,der Hochschule für Gestaltung (HfG) Ulm und der Escola Superior de Desenho Industrial (ESDI), Riode Janeiro. Ergänzt werden diese Texte durch Essays und Gespräche über Programme, Praktikenund Selbstverständnis der Designpädagogik. Das Buch ist Teil der Reihe "Schools of Departure", zuder auch ein digitaler Atlas gehört, der experimentelle Ansätze der Kunst- und Designausbildungjenseits des Bauhaus verzeichnet.Yaa Addae, Kuratorin, Autorin und Künstlerin, London / Accra. Claudia Banz, Kuratorin für Design,Kunstgewerbemuseum Berlin. Shannan Clark, Associate Professor für Geschichte, Montclair StateUniversity. Alison J. Clarke, Professorin und Leiterin des Instituts für Theorie und Geschichte desDesigns, Universität für angewandte Kunst Wien. Martin Mäntele, Leiter des HfG-Archivs, Ulm.Catherine Nichols, Kunst- und Literaturwissenschaftlerin, Kuratorin und Autorin, Berlin. Lesley-AnnNoel, Assistant Professor für Design Studies, North Carolina State University. Marina Otero Verzier,Architektin und Leiterin des Master-Studienganges Social Design, Design Academy Eindhoven.Klára PreSnajderová, Autorin und Kuratorin am Slowakischen Designzentrum, Bratislava. OrbisRexha, Jurist, Forscher und Aktivist, Pristina. Ilana Schleich Tschiptschin, Forscherin und Grafik-designerin, Berlin.

Im Mittelpunkt von Anita Witeks künstlerischem Werk stehen unsere Sehgewohnheiten. VomMedium der Fotografie ausgehend hinterfragt sie nicht nur unsere Wahrnehmung, sondern auchden Wahrheitsgehalt von Bildern und Texten in Massenmedien. Unvorhersehbare Ereignisse isteine Serie von fotografischen Arbeiten, mit der Anita Witek im Jahr 2020 begonnen hat. Das Aus-gangsmaterial bilden Fragmente populärwissenschaftlicher Magazine aus den 1980er Jahren,in denen es vor allem um Debatten zu naturwissenschaftlichen und technologischen Themengeht. Die von Witek ausgewählten historischen Ausgaben widmeten sich spekulativen Visioneneiner künftigen Welt, die sich in ihren Collagen mit der unvorhersehbaren Gegenwart währendder Pandemie trafen.Anita Witek arbeitet mit Collage, Fotomontage und Fotoplastiken im Innen- und Außenraum. Siestudierte Fotografie am Royal College of Art, London, und Malerei an der Universität für AngewandteKunst, Wien. Joseph Constable studierte am Royal College of Art, London, war Associate Curatorbei den Serpentine Galleries, London, und ist aktuell Ausstellungsleiter im De La Warr Pavilion, UK.

Angesichts der gegenwärtigen geopolitischen Instabilität, der Migration, des Klimawandels und derKrise des Wohnungsmarkts wird in verschiedenen Disziplinen erneut die Frage nach der Integritätdes eigenen Handelns aufgeworfen. Vor diesen Hintergrund wird mit dieser umfangreichen Pub-likation die performative Forschung der Dialogue Concerts mit den darin aufgeworfenen Fragenins Buchformat übersetzt. Der reich bebilderte Band enthält Vorträge und das visuelle Material,auf das sich diese beziehen, Diskussionen, Installationsansichten und neue theoretische Texte,die neben die ursprünglichen Positionen treten. Das Buch, das prominente Vertreter·innen ausden Bereichen Musik und Architektur zusammenbringt, zeigt anschaulich, wie Architekt·innen,Stadtplaner·innen, Komponist·innen und Musiker·innen einen weitreichenden gesellschaftlichenWechsel befördern können, indem sie die Schwerpunkte ihrer künftigen Praxis neu bestimmen.Christopher Dell, * 1965, lebt als Theoretiker in den Bereichen Stadtentwicklung und Architektur,als Musiker, Komponist und Künstler in Berlin.

Wer nach Vorbildern für eine gelungene Wohnbaupolitik sucht, landet über kurz oder lang im "RotenWien". Sein Mythos ist ungebrochen und verdankt sich der fortwirkenden politischen Einsicht derWiener Kommune, dass Wohnen eine gesellschaftliche Aufgabe ist und nicht allein dem Marktüberlassen werden darf. Im Laufe eines bewegten Jahrhunderts hat die Wiener Wohnbaupolitiktrotz dieses Grundkonsenses viele Häutungen und Wandlungen durchlaufen und ist dabei durch-aus auch marktförmiger geworden. Doch zwei entscheidende Dinge hat sie nie aus dem Blickverloren: die Notwendigkeit des Aufbaus und Unterhalts eines Wohnraumbestands und seiner dau-erhaften sozialen Bindung sowie die Bodenbevorratung. Vor diesem Hintergrund und angesichtsdes enormen Bevölkerungswachstums in der österreichischen Hauptstadt, mit dem aktuell einerege Bau- und Entwicklungstätigkeit einhergeht, wird in dieser Publikation am Beispiel Wien derStatus quo des Wohnbaus thematisiert. Wenn heute Wohnraum bauen, dann wie? Entsprechenmonofunktionale Typologien und die funktional-räumliche Trennung von Leben und Arbeitennoch unseren Lebensrealitäten? Wie sozial ist sozialer Wohnungsbau?ARCH+ ist die führende diskursive Zeitschrift für Architektur und Urbanismus im deutschsprachi-gen Raum.

Decolonising Design Education wendet sich der Geschichte radikaler Reformen der Design- undKunstausbildung zu, die darauf zielen, Formen des Wissens und des Machens zu dekolonisieren,spekuliert über deren Zukunft und blickt auf verschiedene Formen der Umsetzung, die diese Be-strebungen finden. Diese Ausgabe entstand im Austausch zwischen Regina Bittner, Katja Klausund Philipp Sack (Stiftung Bauhaus Dessau) und JJ Adibrata und farid rakun (Gudskul), sie enthälteine Reihe historischer Fallstudien, Gespräche und ausführliche Berichte von zehn Kunst- undDesignkollektiven zur Ausbildungspraxis in vormals kolonisierten Regionen. Das Taschenbuch istTeil der Reihe "Schools of Departure", zu der auch ein digitaler Atlas gehört, der experimentelleAnsätze der Kunst- und Designausbildung jenseits des Bauhaus verzeichnet. Dabei werden diesePhänomene als Manifestationen von "Travelling Concepts" begriffen, deren Konnotationen sichstetig verschieben, wodurch eine Vielzahl von Ansätzen in der Ausbildung konstant im Austauschund in Bewegung bleibt. Die Publikation erkundet Narrative zu Wegen der Aneignung, die durchverschiedene Geografien, Zeiten und Kulturen führen.JJ Adibrata, Künstler und Lehrer, Gudskul, Jakarta. Asia Art Archive, Hongkong. Another Road-map Africa Cluster, Maseru Working Group. Suchitra Balasubrahmanyan, Designhistoriker undGastprofessor, vormals School of Design an der Ambedkar University, Delhi. Babau AIR, Hanoi.Bishkek School of Contemporary Art, Bishkek. Load Na Dito, Manila. Salikhain Kolektib, Philippinen.Omnikolektif, Bandung. Pangrok Sulap, Malaysia. Nina Paim, Herausgeberin, Designerin, Kuratorinund Forscherin, Porto. farid rakun, Architekt und Lehrer, Gudskul, Jakarta. Serrum, Jakarta. Pedro J.S. Vieira de Oliveira, Forscher, Soundkünstler und Lehrer, Berlin. Ola Uduku, Direktor der LiverpoolSchool of Architecture. Unconditionaldesign, Jakarta.

In den 1920er Jahren produzierten die Brüder Camillo, Cezaro und Alfonso Bialetti in ihren Werkstät-ten in Norditalien Haushaltsgegenstände. Alfonsos Sohn Renato übernahm den Familienbetriebund industrialisierte in den frühen 1950er Jahren die Herstellung von Espressokannen, von denen erweltweit rund 300 Millionen verkaufte. Der umstrittene Unternehmer stellte immer neue Kopien seinesProdukts her, um die Konkurrenz zu schlagen, und zeigte wenig Interesse, Aufzeichnungen, Proto-typen und weiteres Archivmaterial aufzubewahren. Angesichts dieser Lücke machte sich der Künst-ler David Bergé daran, im Umfeld der ehemaligen Fabrik, auf Flohmärkten und in Flagship-StoresBialetti-Kannen zusammenzutragen. Mit diesem Buch legt Bergé seine Vorstellung eines mögli-chen Bialetti-Katalogs vor. Es gibt Einblick in die feinmechanischen Herstellungsprozesse, wobeies sich auf die Stimmen von Mitgliedern der Industriellenfamilie als auch auf die von früherenFabrikarbeiter·innen, Sekretär·innen und Gewerkschaftsvertreter·innen stützt. Bialetti, eine Ikonedes 20. Jahrhunderts, die heute nicht mehr in jeder Küche zu finden ist.Die Publikation wird gefördert von: The Museum of Anthropocene Technology (MAT), Flanders Stateof the Art, Platform 0090, Design Museum Gent, and Photographic Expanded Publishing Athen.David Bergé, Künstler, lebt in Athen und Brüssel. Seine Arbeiten sind Einladungen an das Publikum,in Form hybrider und postdigitaler Formate an einer Reise teilzuhaben, an stummen "Walk Pieces",zeitbasierten Installationen und Schreibprojekten (in gesprochener wie schriftlich-veröffentlichterForm).

Von menschlichen Siedlungen auf dem Mond bis zur Gewinnung seltener Mineralien und Metalle ausAsteroiden - die wilden Vorstellungen, die aus der Idee eines extraktiven Wachstums hervorgehen,machen an den Grenzen des Planeten Erde nicht halt. Diese Verlagerung des Ressourcenabbaus,fort von der erschöpften Erde, hin zu ihrem "unsichtbaren" Hinterland - dem Mond, Himmelskörpern,schließlich anderen Planeten - verlangt dringend nach einer Debatte darüber, was eine solcheVerschiebung für unser Verständnis von Land, Ressourcen und Gemeingütern bedeutet.Staging the Moon: Resource Extraction Beyond Earth ist eine Publikation des Luxemburger Pavil-lons bei der 18. Internationalen Architekturausstellung der Biennale von Venedig. Sie untersuchtdas Space-Mining-Projekt kritisch mit Blick auf die Ressourcen und lädt dazu ein, den Mond aufeine Weise zu betrachten, die die gegenwärtigen Perspektiven des Anthropozäns hinter sich lässt.Francelle Cane ist Architektin, Forscherin und Kuratorin. Armin Linke arbeitet als Künstler mitFotografie und Film. Marija Mari ist Architektin, Forscherin und Kuratorin.

Tief in den Wäldern der schwedischen Region Dalarna, versprengt zwischen Stümpfen und jüngerenBäumen stehen jahrhundertealte Kiefern - dick, knorrig und überzogen von Einritzungen. DieBotschaften, die in die Stämme geritzt wurden, stammen von Hirtinnen, die vom 17. bis ins frühe20. Jahrhundert ihre Dörfer verließen, um gemeinsam auf dem fäbod (Sommerhof) zu leben undzu arbeiten und die Rinder der Familie weiden zu lassen. Auf dem Weideland hinterließen diesejungen Frauen - viele waren noch Teenager - das Datum, ihre Initialen und Botschaften füreinanderauf den Baumstämmen, ein gekritzeltes Zeugnis jugendlichen Ungestüms, eine Rückversicherungder eigenen Existenz: HIER ZEICHNEN WIR MIT UNSEREN NAMEN. Die Künstlerin Elina Birkehaghat sich mit ihrer Kamera in den Wald begeben und die Bäume gesucht. Sie hat die Markierungenfotografiert, die die jungen Frauen in der Rinde hinterlassen haben. Ihr Buch setzt uns mit denHirtinnen in Verbindung und ermöglicht uns, die Bäume zu "lesen".Mit Beiträgen von Amelia Groom & M. Ty, Quinn Latimer, Meg Miller, Jungmyung Lee, MatildaKenttä & Linnea Rutz und Jennie Tiderman Östberg.Elina Birkehag ist Künstlerin, sie beschäftigt sich mit Inschriften und deren Verhältnis zum Körper,zur Technologie und zur Zeit.

Das Werkverzeichnis des Düsseldorfer Malers, Fotografen und Objektkünstlers Achim Duchow(1948-1993) lädt ein zur Wiederentdeckung eines komplexen OEuvres. Im spielerischen Umgangmit Autorschaft, Subjektivität und Medien, dem unmittelbaren Zugriff auf alle ihn bewegendenThemen ist ein Werk entstanden, das auch heute noch seine Wirkung entfaltet. In chronologischerFolge, unterbrochen von einzelnen Essays verzeichnet die Publikation als eine über 400-seitigeListe alle Phasen des Werks: Duchows Zusammenarbeit mit Sigmar Polke in den 1970er Jahren,seinen zweieinhalbjährigen Aufenthalt in Japan, seine Rückkehr 1981 in eine Kunstszene, die sichrasant in Richtung Marktgängigkeit verändert hatte, seine Arbeit an einem neuen Selbstver-ständnis als Künstler und Kulturarbeiter, seine malerische Auseinandersetzung mit deutscherGeschichte und Politik, mit Kolonialismus und Wiedervereinigung, aber auch mit dem Informel unddem Konstruktivismus. Das Werkverzeichnis katalogisiert alle auffindbaren Arbeiten sowie Textevon Duchow selbst. Weggefährt·innen und Historiker·innen geben einen Einblick in den radikalenKontext seines Lebens.Achim Duchow (1948-1993) war ein deutscher Maler, Bildhauer und Fotograf, lebte und arbeitetein Düsseldorf.