Bøger udgivet af Spectormag GbR

Lustige Katzenbilder mit makabren Sprüchen, die über Social Media geteilt werden, digitale Bilder, die unsichtbar durch die Infrastruktur des Internets zirkulieren oder online beauftragte Arbeitskräfte, die moralisch fragwürdige Inhalte erstellen oder aus dem Netz entfernen: Seit Mitte der 1990er Jahre untersuchen Eva & Franco Mattes die Auswirkungen des Internets auf unseren Alltag, und reflektieren, wie vernetzte Bilder zunehmend unser privates und soziales Verhalten mitbestimmen. Dabei beleuchtet das künstlerische Duo die undurchsichtigen Mechanismen, Infrastrukturen und Verhaltensformen unserer vernetzten Gesellschaft - und halten den Zuschauer:innen schonungslos und mit einer guten Prise schwarzem Humor den Spiegel vor. Eva & Franco Mattes, geboren 1976 in Brescia (Italien), leben und arbeiten in New York.--Funny cat pics with creepy captions shared on social media, digital images that circulate unseen through the internet's infrastructure, or anonymous workers hired online to create morally dubious content or to remove it from the web: Eva & Franco Mattes have been investigating the internet's effects on our daily lives since the 1990s, reflecting on how networked images increasingly define our private and social behaviour. In the process, the artist duo dissect the opaque mechanisms of our networked society, its infrastructures and forms of online spectatorship-holding up a mirror to the viewer that is at once unsparing and darkly humorous. Eva & Franco Mattes, born 1976 in Brescia (Italy), live and work in New York.

In Prospector - A Casting Eye on Haus-Rucker-Co and Post-Haus-Rucker breitet Zamp Kelp, Gründungsmitglied der legendären Wiener Architekten- und Künstlergruppe, seinen Ideenkosmos aus und befragt seine Performances, Objekte und Architekturen auf ihre gegenwärtige Relevanz. Luftschlosser versammelt Bild- und Textmaterial aus dem Archiv von Zamp Kelp mit eigens für das Buch geschriebenen Beiträgen, Collagen, Zeichnungen und Erinnerungen. Science-Fiction Stories und biographische Notizen sowie neu redigierte, teils bisher unveröffentlichte Essays zu Architektur, Landschaft, Stadt, Raum und Virtualität lassen ein umfassendes Porträt des visionären Architekten, Utopisten und Professors entstehen. Zamp Kelp (* 1941) österreichischer Architekt und Künstler, der 1967 mit Laurids Ortner und Klaus Pinter die Architekten- und Künstlergruppe Haus-Rucker-Co in Wien gründete. Er nahm dreimal an der documenta 1972, 1977 und 1982 teil.Deutsche Ausgabe bereits im Januar 2020 erschienen: Luftschlosser - Ein Blick auf Haus-Rucker-Co / Post-Haus-Rucker--In Prospector - A Casting Eye on Haus-Rucker-Co and Post-Haus-Rucker Zamp Kelp, one of the founders of the legendary Viennese collective of architects and artists, sets out his intellectual cosmos and examines his performances, objects, and architectural works in terms of their contemporary relevance. Luftschlosser compiles photographs and texts from the Zamp Kelp archive, putting them together with collages, drawings, memories, and essays written specially for the book. Science-fiction stories and biographical notes as well as freshly edited essays-some of them previously unpublished-on architecture, landscape, the city, space, and virtuality contribute to a comprehensive portrait of the visionary architect, Utopian, and professor.Zamp Kelp (b. 1941) is an Austrian architect and artist, who, together with Laurids Ortner and Klaus Pinter, founded the Haus-Rucker-Co group of architects and artists in Vienna in 1967. He has taken part in three editions of documenta, in 1972, 1977, and 1982.

Im südkoreanischen Gyeongju sind im gesamten Stadtgebiet Grabhügel des Königreichs Silla zu finden. Viele dieser Hügel wurden, nachdem sie lange Zeit vergessen waren, in den 1970er Jahren wieder errichtet, um ein Band zwischen dem Südkorea unter der Herrschaft von Präsident Park Chung-Hee und dem als reich und mächtig glorifizierten Königreich Silla (57 v. Chr. bis 935) zu knüpfen. - Für die Olympischen Sommerspiele 1972 in München wurde der Große Schuttberg als wesentliches Element eines Landschaftsparks umgestaltet. Die gesamte Anlage war darauf ausgelegt, eine weltoffene Bundesrepublik zu präsentieren. Unter dem gepflegten Rasen ruhen die Trümmer der im Zweiten Weltkrieg zerstörten Gebäude. In Fotografien und Texten beschreibt Ina Kwon ihre Reisen und Recherchen zu diesen beiden Orten, an denen mit künstlichen Hügeln Geschichte verschüttet, aufgedeckt, konstruiert und umgeschrieben wird. Das Buch besteht aus zwei Teilen - Gyeongju / München die gegeneinander gesetzt und gedreht sind. Ina Kwon ist Grafik-Designerin. Sie studierte an der HGB Leipzig und war Researcher an der Jan van Eyck Academie.--In Gyeongju, South Korea, tumuli dating back to the Kingdom of Silla can be found all over the city. After years in oblivion, many of these burial mounds were reconstructed in the 1970s in a bid to link President Park Chung-Hee's South Korea with the Kingdom of Silla (57 BC - AD 935), a period that was traditionally glorified as rich and powerful. - For the 1972 Summer Olympics in Munich, the city's Schuttberg, a great pile of rubble left behind by World War II, was recast as an essential element of a landscape park. The entire complex was laid out on it with the idea of showing West Germany as being open to the world. The debris of the buildings destroyed in the war is buried under the park's manicured grass. Ina Kwon uses photographs and texts to depict her travels and describe the research she carried out in these two locations, in which artificial hills are deployed to bury, expose, construct and rewrite history. The book consists of two sections-Gyeongju and Munich-which are printed in juxtaposition at 180° to one another so that the book can be read from either direction.Ina Kwon is a graphic designer. She studied at the Leipzig Academy of Fine Arts (HGB) and was a researcher at the Jan van Eyck Academie.

So wie körperliche Gewalt Spuren auf der Haut hinterlässt, schreibt sich konzeptuelle Gewalt über Algorithmen in Schnittstellen ein - als pixelgewordenes Vorurteil, als meme­fizierte Diskriminierung in geheimen Chatgruppen. Das Codieren und Decodieren von Körperober­flächen und Interfaces folgt einer Vielzahl von Normen. Sie sind aber nicht starr, sondern bilden eine Matrix aus Geschmäckern, kultu­rellen Prägungen, technischen Voraussetz­ungen oder körperlichen Möglichkeiten. Die Beiträge des Bandes erzeugen ein inter­disziplinäres Rauschen zwischen Oberflächen­strukturen und punktuellen Vertiefungen: Oberflächen, Häute und Interfaces werden verletzt, vermessen, verändert oder geheilt. --Just as physical violence leaves its marks on the skin, conceptual violence is written into interfaces via algorithms-in the form of biases turned into pixels, as discrimi­nation implanted in memes in secret chat groups. The coding and decoding of body surfaces and interfaces is contingent on a whole host of norms. Yet these are not fixed: rather, they combine to create a matrix of tastes, cultural influences, technical conditions, and physical possibilities. The essays in this volume produce an interdisciplinary noise between surface structures and a selection of cavities: surfaces, skins, and interfaces are injured, gauged, altered, or remedied.

Oath against Minimalism dokumentiert das vielschichtige Werk der aufstrebenden Künstlerin Sung Tieu, die mit ihren Skulptur- und Soundinstallationen immersive Raumsituationen kreiert. Zahlreiche Installationsansichten sowie ein Interview mit der Künstlerin vermitteln einen umfangreichen Einblick in neuste und ältere Arbeiten. Mit ausführlichen Textbeiträgen internationaler Kunsthistorikerinnen und Kuratoren reflektiert der Band Tieus Arbeiten u.a. vor dem Hintergrund bürokratischer Machtstrukturen, globalem Kapitalismus, der psychologischen Wirkung von Sound und dem Nachhall des Kalten Krieges. Die Monografie erscheint anlässlich ihrer ersten Einzelausstellungen auf Museumsebene: Zugzwang (2020) im Haus der Kunst in München und In Cold Print (2020) bei Nottingham Contemporary.Sung Tieu (*1987 in Vietnam, lebt und arbeitet in Berlin und London) studierte an der Hochschule für Bildende Künste in Hamburg und an der Royal Academy of Arts in London. Tieu ist Preisträgerin des ars viva-Preises für Bildende Kunst 2020 und nimmt an der 34. Sao Paulo Biennale teil.Oath against Minimalism documents the multifaceted work of the up-and-coming artist Sung Tieu, whose sculptural and sound installations engender uncanny and immersive spatial situations. Lavishly illustrated and containing four essays by international art historians and curators, as well as an interview with the artist, this wide-ranging publication provides a comprehensive insight into Tieus practice; placing her work against the backdrop of bureaucratic power structures, global capitalism, the psychological effects of sound, and the legacies of the Cold War. This monograph is published on the occasion of Tieu¿s first institutional exhibitions: Zugzwang (2020) at Haus der Kunst in Munich and In Cold Print (2020) at Nottingham Contemporary. Sung Tieu (*1987 in Vietnam, lives and works in Berlin and London) studied at the Hochschule für Bildende Künste in Hamburg and at the Royal Academy of Arts in London. Tieu is a winner of the ars viva Prize for Visual Arts 2020. Forthcoming exhibitions include 34th Sao Paulo Biennale.

Die US-amerikanische Künstlerin Tressa Prisbrey ließ sich nach Jahrzehnten des nomadischen Lebens in Südkalifornien nieder, um dort als Autodidaktin ein beispielloses Dorf zu bauen: >Grandma Prisbrey's Bottle Village

David Horvitz und Ruth Wolf-Rehfeldt trennen Generationen, doch ihre Auffassung von Kunst ist sich sehr nah. Der amerikanische Künstler besuchte sie für Recherchen 2014 in Berlin und entdeckte in ihrem Archiv die »Typewritings« aus den 1970er Jahren. Die Schreibmaschinengrafiken hatte sie für ihre Mail Art benutzt und von Ostberlin in die Welt gesendet. Horvitz sorgte für die Wiederentdeckung von Ruth Wolf-Rehfeldts herausragendem Werk, das auch auf der documenta 14 (2017) gewürdigt wurde. Seit der ersten Begegnung besteht zwischen den beiden ein Austausch, obwohl die 87jährige seit dem Ende der DDR nicht mehr künstlerisch arbeitet. Horvitz lud sie ein, mit einer Einwegkamera ihr Haus und ihren Garten festzuhalten. Im Gegenzug fotografierte er sein Studio in Los Angeles. Jene Schnappschüsse, Gespräche sowie seine textbasierten Aquarelle, wie For Ruth, the sky in los angeles und For Ruth, the wind to you, per Mail Art gesendet und oft nur mit »Ruth - Berlin« adressiert, dokumentieren ihre anhaltende Korrespondenz.For Ruth, the wind to you. Ruth Wolf-Rehfeldt and David Horvitz. Berkeley Art Museum and Pacific Film Archives, fall 2022-spring 2023.Ruth Wolf-Rehfeldt (*1932 in Wurzen) schuf ab den frühen 1970er Jahren Serien von Schreibmaschinengrafiken - »Typewritings«. Mit ihrem Mann Robert Rehfeldt bildete sie ein Zentrum der Mail Art Szene der DDR. David Horvitz (*1982 in LA) arbeitet mit Fotografie, Postsendungen, Performance und anderen konzeptuellen Praktiken. Seine Arbeiten wurden u.a. im New Museum, New York, Palais de Tokyo Paris, Pirelli HangarBicocca Mailand, Albertinum Dresden und SFMOMA San Francisco gezeigt. Er ist Preisträger des Wiesbadener »Follow Fluxus - Fluxus und die Folgen« Stipendiums 2020. David Horvitz and Ruth Wolf-Rehfeldt are generations apart, but their ideas of art are very closely related. The American artist visited Wolf-Rehfeldt in Berlin while conducting research in 2014 and discovered her 1970s' "typewritings" in her archive: graphic works that she had used for her mail art and sent out to the world from East Berlin. Horvitz was instrumental in the rediscovery of Wolf-Rehfeldt's outstanding work, which was also honoured at documenta 14 (2017). The two have been exchanging ideas ever since they first met, even though the 87-year-old has not worked artistically in the post-GDR period. Horvitz invited her to use a disposable camera to record images of her house and garden and, in return, he photographed his studio in Los Angeles. These snapshots and dialogues, as well as his text-based watercolours-such as For Ruth, the sky in los angeles and For Ruth, the wind to you-which were sent via mail art and often simply addressed to "Ruth - Berlin", document their ongoing correspondence.For Ruth, the wind to you, Ruth Wolf-Rehfeldt and David Horvitz, Berkeley Art Museum and Pacific Film Archives, Fall 2022 - Spring 2023Ruth Wolf-Rehfeldt (b. 1932 in Wurzen) created series of typewriter graphics-"typewritings"-a practice that she began in the early 1970s. Together with her husband Robert Rehfeldt, she was at the heart of the GDR's mail art scene. David Horvitz (b. 1982 in LA) works with photographs, mailings, performance, and other conceptual practices. His works have been shown at a variety of venues, including the New Museum in New York, the Palais de Tokyo in Paris, Pirelli HangarBicocca in Milan, the Albertinum in Dresden, and SFMOMA in San Francisco. He is winner of the 2020 Wiesbaden "Follow Fluxus - After Fluxus" grant.

Diese Publikation widmet sich zeitgenössischen künstlerischen Praktiken, die Räume in Orte verwandeln. Raum und Ort werden als Gegenstände und Medien spielerischer Untersuchungen und ernsthafter Reflexionen betrachtet. Gemeinsam mit Künstlern, Designern, Architekten, Historikern, Theoretikern und Philosophen fragt der Band nach der Erfahrung, nach der Imagination und Gestaltung von Räumen und Orten in Theorie und Praxis. Die bunt schillernde Mischung von Projekten, Performances, Interviews und Essays erkundet diese Vorstellungen innerhalb der zeitgenössischen Kunst und Kultur in all ihren komplexen, widersprüchlichen Äußerungen. Das Buch knüpft an an den von Lukas Feireiss kuratierten Ausstellungszyklus Space is the Place bei BNKR - current reflections on art and architechture (München) von September 2018 bis Juli 2019.Lukas Feireiss arbeitet als Kurator, Autor und Art Director an der internationalen Vermittlung zeitgenössischer kultureller Reflexionen über disziplinäre Grenzen hinweg. The publication looks at contemporary artistic practices that turn spaces into places. Space and place are explored as topics and mediums of playful investigation and serious reflection. Together with artists, designers, architects, curators, historians, theoreticians and philosophers, it questions the experience, imagination and design of spaces and places in theory and practice. The  colourful collection of projects, performances, interviews and essays explores these notions within contemporary art and culture in all its complex and diverging, contemporary exposures. The book is published on the occasion of the exhibition cycle Space is the Place curated by Lukas Feireiss at BNKR-current reflections on art and architecture, Munich between September 2018 and July 2019.Lukas Feireiss works as a curator, writer and art director in the international mediation of contemporary cultural reflexivity beyond disciplinary boundaries.

Wohnen ist mehr als ein funktionales Dach über dem Kopf. Mit der "Charter of Habitat" forderten junge Architekt*innen beim CIAM-Kongress 1953 eine radikale Wende: weg vom Dogma des Funktionalismus und Universalismus. Informelles Bauen, Wohnen als soziale Praxis, Architektur als gemeinschaftsstiftende Gestaltung. Im Begriff "Habitat" bündeln sich die Debatten der Nachkriegsmoderne zur Neujustierung von Architektur und Städtebau. Er steht für eine ganzheitliche Betrachtung von Behausung, Mensch und Umwelt. Bauhaus #12 widmet sich deshalb dem "Habitat" sowohl aus historischer als auch zeitgenössischer Perspektive, weil gerade die Wohnungsfrage und die Klimakrise uns als globale Gemeinschaft heute herausfordern. Die Zeitschrift begibt sich auf die Suche nach Alternativen zur funktionalistischen Wohnmaschine in den 1920er Jahren am Bauhaus und anderswo, in der Nachkriegsmoderne und heute.Dwelling is more than just having a functional roof over your head. At the CIAM Congress in 1953, a group of young architects produced a Charter of Habitat calling for a radical shift away from the dogma of functionalism and universalism: informal building, dwelling as a social practice, architecture as a mode of design that generates community. The term "habitat" constitutes a pooling of the post-war modernist debates on recalibrating architecture and urban planning. It embodies a holistic view of housing, human beings, and the environment. With this in mind, Bauhaus #12 focuses on "Habitat" from both a historical and a contemporary perspective, because housing and the climate crisis are the very issues that challenge our global community today. The magazine goes in search of alternatives to the functionalist housing machine that was evident in the 1920s at the Bauhaus and elsewhere and which continued as part of the post-war modernist movement and is still prevalent today.

Filme und Räume besitzen das Potential, in das Verhältnis von Macht, Gewalt und Befreiung einzugreifen. Sandra Schäfer untersucht die filmischen Methoden des Militanten Kinos der Dekolonialisierungs- und Befreiungskämpfe der 1960-70er Jahre. Sie bezieht in ihre Analyse die Medienproduktion während der Radikalisierung der Student*innenbewegung in Westdeutschland sowie zeitgenössische Filme mit ein. Ihre eigene filmkünstlerische Arbeit ist dabei ein wichtiger Ausgangspunkt. Schäfer bezieht sich darin auf zwei "Projekte" der Hisbollah in Libanon: das Museum des Widerstands in Süd-Libanon und der Wiederaufbau des Stadtteils Haret Hreik nach der Bombardierung durch das Israelische Militär im Jahr 2006. Wie setzt die Hisbollah Raum und Architektur ein, um Machtverhältnisse zu verschieben? Wie zeigen sich diese in der Architektur und nehmen Einfluss auf Erinnerung und Identität? Im Rahmen ihrer Untersuchung beschreibt die Autorin verschiedene geopolitische Kontexte ebenso wie ihre eigene Position als Künstlerin.Sandra Schäfer arbeitet als Autorin und Künstlerin mit zeitbasierten Medien. Sie beschäftigt sich mit den Herstellungsprozessen von Räumen, Geschichte und Bildpolitiken.Films and spaces have the capacity to intervene in the nexus of power, violence, and liberation. Sandra Schäfer's book examines the methods of militant cinema within the decolonisation and liberation struggles of the 1960s and 1970s. The author analyses contemporary film and the media produced during the radicalisation of the student movement in West Germany. Using her own cinematic work as a foundation, Schäfer focuses on two "projects" undertaken by Hezbollah in Lebanon: the Resistance Museum in the south of the country and the reconstruction of Beirut's Haret Hreik district after it was bombed by the Israeli military in 2006. How does Hezbollah use space and architecture to shift power relations? How do these relations influence memory and identity? In the process of her investigation, Schäfer examines different geopolitical contexts as well as her own position as an artist.

The book of photos and texts is dedicated to the Thomas Mann House in Pacific Palisades in Los Angeles. Francis Nenik's essay offers the first detailed description of the history of the house in which Thomas Mann lived with his family from 1942 to 1952 during his period of exile in the U.S. Basing his work on extensive archival research, Nenik not only recounts episodes from the family's life but also introduces characters who have hitherto been largely unknown-the people who built the house and worked in it. Their experiences, some of them extremely colourful, create the panorama against which the story of the house unfolds. Sebastian Stumpf's photographs act as a counterpoint to this. In January 2017 he gained access to the vacant property, which had recently been bought by the German government, and captured it in its inbetween state in a series of distinctive pictures. They show a deserted house that has morphed and grown in on itself, leaving precious little to suggest that the Mann family had once lived there.Francis Nenik lives with his daughter in Leipzig and in a rural area of Saxony, where he is experimenting with life as a smallholder. He also writes prose.Sebastian Stumpf (b. 1980), artist, lives in Leipzig. In 2016/2017 he was a fellow at the Villa Aurora in Los Angeles.

Carsten Nicolai (geb. 1965, lebt in Berlin) arbeitet seit den frühen 1990er Jahren an der Schnittstelle von bildender Kunst, Musik und Naturwissenschaften. Mit elektronischem Klang- und Lichtmaterial erzeugt er minimalistische Installationen, Sound-Performances und Darstellungen von physikalischen Phänomenen, die Systeme und Strukturen der Medienwelt reflektieren.Als Musiker ist Nicolai unter dem Pseudonym Alva Noto einer der bekanntesten Vertreter der zeitgenössischen elektronischen Musik. Seit seiner Teilnahme an der documenta X (1997) und an den Venedig-Biennalen 2001 und 2003 wird er auch als bildender Künstler weltweit ausgestellt. Begleitend zu Nicolais Ausstellung im Untergeschoss findet auf der Piazza von K21 eine Reihe von elektronischen Live-Konzerten und Performances statt.Das K21 zeigt im Herbst eine Übersichtsausstellung des Künstlers und Musikers.Text: Susanne Gaensheimer, Doris Krystof, Rainer Maria Rilke, Friedrich Kittler, Kathrin Dreckmann, Verena Meis, Linda Walther

»Wie man die Kamera kippt, mit beiden Händen vor dem Bauch hält. Wie man durch den Sucher schaut, einäugig in die Welt hinausblickt. Wie man sie versteckt (im Strumpf, hinter dem Rücken) und wie man sie hinter einer Hausecke hervorlinsen lässt, als wäre sie ein Detektiv. Holding the Camera zeigt ein Bildgenre aus Zeiten der analogen Fotografie, das ausgestorben ist. Wie die Dinosaurier, die angeblich einem gewaltigen Meteoriteneinschlag zum Opfer fielen, sind auch diese millionenfach in Gebrauchsanweisungen und Werbeanzeigen verbreiteten Bilder ausgelöscht, deleted.« Nadine Olonetzky

2000 ist Henrike Naumanns erste umfangreiche Publikation und gibt einen Einblick in die Ausstellungs- und Rezeptionsgeschichte ihrer Werkserie 2000. In der Arbeit untersuchte sie das Jahr 2000 in Deutschland, grub sich durch die Hinterlassenschaften der Expo 2000 in Hannover und ließ in ihrer Version eines Deutschen Pavillons Deutschland symbolisch wieder auseinanderbrechen. Ihre Installation entstand im Museum Abteiberg Mönchengladbach 2018, zog danach von der Busan Biennale in Korea, der Galerie KOW Berlin und dem Kunstverein Hannover bis ins Museum der Bildenden Künste in Leipzig. Dort erscheint der Katalog anlässlich der Verleihung des Kunstpreises der Leipziger Volkszeitung 2019 und wird mit einer Ausstellung begleitet im Museum der Bildenden Künste Leipzig, 13. Dezember 2019 bis 15. März 2020.

Im Februar 2010 legte Christoph Schlingensief feierlich den Grundstein für das Operndorf Afrika in Burkina Faso. Im Jubiläumsjahr 2020 erscheint nun ein umfangreicher Bildband mit über 300 Aufnahmen, der einen intensiven Einblick in die Geschichte des Projekts bietet. Als Grundlage dient das umfassende Archivmaterial der vergangenen zehn Jahre, welches für die Publikation künstlerisch aufgearbeitet und neu arrangiert wurde. Ausgehend von ersten Skizzen aus den Gedankenprozessen Christoph Schlingensiefs, über Fotos verschiedener Bauphasen hinzu dem aktuellen Leben im Operndorf, gibt das Buch Auskunft über die Hintergründe des Projekts und das seit vielen Jahren bestehende Kulturprogramm vor Ort. Neben einem bisher nicht publizierten Text von Christoph Schlingensief zur Vision des Operndorfs, erscheinen Beiträge von Aino Laberenz, Francis Kéré und Elfriede Jelinek, die versuchen einen Bogen zwischen der Utopie Operndorf und seiner realen Umsetzung zu spannen.Christoph Schlingensief (1960-2010) war ein deutscher Film-, Theater- und Opernregisseur sowie Autor und Aktionskünstler.Aino Laberenz ist geschäftsführende Gesellschafterin der Festspielhaus Afrika gemeinnützige GmbH und Stiftungsvorstand der Stiftung Operndorf Afrika.Mario Lombardo und sein Team sind seit 2014 für die Corporate Identity vom Operndorf Afrika zuständig.In February 2010, Christoph Schlingensief laid the foundation stone for Operndorf Afrika in Burkina Faso. An extensive illustrated book with over three hundred images is being published in 2020, the tenth anniversary of the "opera village", offering an in-depth insight into the history of the project, based on the rich fund of archive material from the last ten years, which has been reviewed and reorganized from an artistic perspective. Starting with the first sketches showing Schlingensief's initial thought processes, the book also includes photos of different phases of construction and life in the village today, providing information about the project's background and the local cultural programme that has been in existence for many years. In addition to a previously unpublished text by Christoph Schlingensief on the vision of the opera village, there are contributions by Aino Laberenz, Francis Kéré, and Elfriede Jelinek, who seek to bridge the gap between the utopian idea of Operndorf and its actual implementation.Christoph Schlingensief (1960-2010) was a German film, theatre, and opera director, author, and action artist.Aino Laberenz is a managing partner of the non-profit Festspielhaus Afrika gemeinnützige GmbH and chair of the foundation Operndorf Afrika.Mario Lombardo and his team have been responsible for the corporate identity of Operndorf Afrika since 2014.

Das Arbeitende Konzert (AK) ist eine performative Installation, die sich um Konzerte und ihre Repräsentation als kreative Medien dreht, wobei Konzerte nicht als neutrale Rahmung verstanden werden, sondern als Form künstlerischen Ausdrucks und Dispositive oder Apparate der Kritik. Das Arbeitende Konzert (Revision I-VII) wurde mitsamt seinem Entstehungsprozess in den Buchraum verlagert. Die Revisionen wurden aufgeführt am Teatro Garibaldi in Palermo, im Künstlerhaus Bethanien, auf dem Aedes Network Campus und in den Emil Berliner Studios in Berlin, allesamt Orte, die wie eine Antithese zu den Eigenschaften wirken, die mit Institutionen des Konzertbetriebs traditionell verbunden sind. Da diese Konzerte als Ausstellungen angelegt waren, mussten zahlreiche Aspekte des Konzerts - Installation, Ausstellung, Publikation, öffentliche Veranstaltung, Performance, Marketing, Beschilderung und die Aufnahme durch die Besucher - neu gedacht werden. Der Band enthält Partituren, Dokumente, Fotografien und Konzepttexte, die in den letzten 15 Jahren die Grundlage von AK waren.Christopher Dell (geb. 1965) arbeitet in Berlin als Musiker, Komponist, Theoretiker für Urban Design und Architektur sowie als Künstler.Das Arbeitende Konzert (AK) / The Working Concert is a performative installation work focused on concerts and their representations as creative media, whereby concerts are understood not as neutral frames but as a form of artistic expression and as critical dispositifs or apparatuses. The AK 's Revisions I-VII and the process of their creation have been relocated to the book space. The Revisions were shown at Teatro Garibaldi in Palermo and Künstlerhaus Bethanien, Aedes Network Campus, and Emil Berliner Studios in Berlin, all of which were antithetical to the ingrained characteristics associated with concert institutions. The configuration of these concerts as exhibitions involved rethinking all the various aspects of the concert as installation, exhibition, publication, public event, performance, marketing, public signage, and audience reception. The book contains scores, documentary material, photographs, and concept texts that have driven and/or led to the AK over the last fifteen years.Christopher Dell (b. 1965) works in Berlin as a musician, composer, theoretician in urban design and architecture and as an artist.

»Ohne Musik wäre alles Leben ein Irrtum.« Alexander Kluge wählte dieses Zitat von Friedrich Nietzsche als Slogan seines mehrteiligen Ausstellungsprojektes, in dem sich alles um die Macht der Musik dreht. In der Kunsthalle Weishaupt und im Museum Ulm inszeniert er mit neuesten Filmarbeiten, Textpassagen, Bildwerken und künstlerischen Interventionen ein lustvolles Feuerwerk der Eindrücke. In ihnen verdichtet sich die Oper, diese historische Bühne der Ernsthaftigkeit, mit all ihrem Drama, ihrer Poesie und Innerlichkeit, mit ihren fantastischen Übertreibungen und traumwandlerischen Erzählungen. Zu den Ausstellungen in Stuttgart und Halberstadt erscheinen zwei unterschiedliche Publikationen: »Das dünne Eis der Zivilisation« und »Weiße Tücher hängen aus den Kirchen«.Mit Arbeiten von Georg Baselitz, Thomas Demand, Katharina Grosse, Anselm Kiefer, Sarah Morris oder Anna Viehbrock und ausgewählten Werken aus der Sammlung Siegfried und Jutta Weishaupt.Alexander Kluge (geb. 1932 in Halberstadt) Drehbuchautor, Film- und Fernsehproduzent, Schriftsteller, Philosoph und einer der einflussreichsten Vertreter des Neuen Deutschen Films.

Der Umlauftank 2 (UT2, 1967-1974) ist ein enigmatisches Wahrzeichen Berlins, das noch zu Lebzeiten seines Architekten Ludwig Leo unter Denkmalschutz gestellt wurde. Leos intellektueller und gestalterischer Ansatz zeigt sich emblematisch im UT2. Das ikonische Gebäude ist Labor für Strömungsversuche, für architektonische Ausdrucksweisen und nach seiner Instandsetzung nun auch für den Umgang mit jungen Denkmalen. Das Buch widmet sich am Beispiel des UT2 verschiedenen Themen: dem heute als utopisch angesehenen Planungsansatz Ludwig Leos, den sich hier kreuzenden Verbindungslinien von Wissenschaft, Technik und Ästhetik, den gesellschaftlichen Bedingungen architektonischer Gestaltung sowie der Rezeption und der Rolle des Denkmalschutzes für moderne Bauwerke. Architektur als Experiment - Ludwig Leo (1924-2012), Kirowwerk, Halle 9, Leipzig, 20. Februar bis 22. März 2020 und Architektur als Experiment - Ludwig Leos Umlauftank, Bauhaus reuse Pavillon, Berlin, 27. März bis 24. April 2020.Ludwig Leo (1924-2012), deutscher Architekt, der in Berlin wirkte. Seine Haltung zielte darauf ab, gemeinschaftliches Handeln und Arbeiten zu ermöglichen. The Circulation Tank 2 (UT2, 1967-1974) is an enigmatic Berlin landmark that had a preservation order put on it during the lifetime of its architect Ludwig Leo. Leo's UT2 is an emblematic representation of his intellectual and creative approach. The iconic building is a laboratory-a testing ground for flow experiments, for modes of architectural expression, and now, since its restoration, for how to deal with recent monuments. The book focuses on UT2, using it as a means to address a variety of themes: Leo's planning approach, which is now regarded as utopian; the intersecting threads connecting science, technology, and aesthetics that converge here; the social conditions of architectural design and reception; and the role of monument preservation with respect to modern buildings. Ludwig Leo (1924-2012) was a German architect who worked in Berlin. His approach targeted the facilitation of collaborative action and work.

Seit Anbeginn der Menschheit hat das konstante exponentielle Bevölkerungswachstum zu einem tiefgreifenden Wandel des Planeten geführt. Nachdem die Erde erst eine Scheibe, dann eine Kugel war, ist sie heute Architektur. Das bedeutet nicht, dass Architektur an die Stelle der Erde tritt, sondern dass ein gemeinsames Schicksal die beiden untrennbar verbindet. Dieses interkontinentale Epos zeichnet die Geschichte der irdischen Infrastruktur nach, von den mythischen Taten der Giganten bis zu jenen menschlicher Völker. In fünf Situationen werden die grundlegenden Bedingungen erkundet, auf denen unsere gegenwärtige Infrastruktur basiert. Sie eröffnen den Weg zu neuen architektonischen Fiktionen. Das Buch erscheint zur 17. Architekturbiennale in Venedig 2020, wo TVK eine Installation im internationalen Pavillon in den Giardinis zeigt.TVK ist ein internationales Studio für Architektur und Stadtplanung, das Pierre Alain Trévelo und Antoine Viger-Kohler 2003 in Paris gegründet haben. Die Agentur folgt in Theorie und Bau einem Ansatz, der die gegenwärtige Komplexität und paradoxe Verfasstheit der irdischen Situation zu erfassen sucht.Since the dawn of humankind, our planet has been profoundly affected by the constant, exponential increase in the world's population. Having gone from being a flat disc to a sphere, the Earth is now architecture. This does not mean that it has been superseded by architecture but rather that the two are inextricably linked by a common destiny. This intercontinental epic traces the history of terrestrial infrastructure, from the mythological works of giants to those of human origin. Five situations explore the fundamental conditions on which the actual infrastructure is based, opening the way to new architectural fictions. The book will be launched to coincide with the 17th Venice International Architecture Biennale in 2020, where TVK will display an installation in the international pavilion in the Giardini. TVK is an international office of architecture and urban design, created by Pierre Alain Trévelo and Antoine Viger-Kohler in Paris in 2003. The agency pursues a theoretical and architectural approach that seeks to capture the complexity and paradoxical nature of the contemporary situation on Earth.

Der Leipziger Hauptbahnhof war in den 1970er Jahren ein uneingelöstes Versprechen auf Welt. Die Züge quietschten herzzerreißend, die Lautsprecheransagen verhallten im Nirwana der riesigen Bahnhofshalle. Es war ein einfacher, lauter, mechanischer Ort. Reisende und das Personal hatten sich in den unterschiedlichen Räumen des Ankommens und Abfahrens eingerichtet. In der Mitropa, wo das Geschirr selbst abgeräumt werden musste, versammelten sich sämtliche soziale Schichten - 24 Stunden lang. Die Zeit scheint auf den rund 80 Schwarz-Weiß-Fotografien von Helga Paris nicht voranzuschreiten. Man sieht nur selten jemanden nach einem Zug hasten. Uhren gibt es nicht. Alle warten: die Klofrau auf das Schichtende, die Lotterieverkäuferin auf den nächsten Glückssucher, die Rentnerin auf ihr Bier. Helga Paris' Serie ist eine meisterhafte Milieustudie mit unverwechselbaren Charakteren gelungen - die Randfiguren bestimmen die Szenerie des unendlichen Wartesaals.Helga Paris (*1938) ist eine der wichtigsten deutschen Fotografinnen. Sie wurde mit ihrem Band »Diva in Grau« berühmt, in dem sie den Verfall der Altstadt von Halle / Saale in den 1980er Jahren festhielt und damit das Ende der DDR vorwegnahm.In the 1970s, Leipzig central station was an unfulfilled promise to the world. The trains creaked and squealed piteously and the loudspeaker announcements went unheard in the nirvana of the huge station hall. It was a simple, loud, mechanical place. Travellers and staff had settled themselves into the different rooms for arrivals and departures. In the Mitropa, where the dish- es had to be cleared away by themselves, all the different social strata gathered together-for twenty-four hours. Time seems to stand still in Helga Paris's eighty black-and-white photographs. Only rarely do you see anyone hurrying for a train. There are no clocks. Everyone is waiting: the toilet attendant for the end of her shift, the woman selling lottery tickets for the next person seeking to make their fortune, the pensioner for her beer. Helga Paris' series is a masterful study of a particular milieu with unmistakable characters-the marginal figures define the scenery of the endless waiting room.Helga Paris (b. 1938) is one of the most important photographers in Germany. She made a name for herself with her volume Diva in Grau, in which she recorded the decline of the historic town centre of Halle / Saale in the 1980s, thus anticipating the end of the GDR.

Hannes Meyer hat die Bauhauspädagogik nach der Krise von Gropius Konzept einer neuen Einheit von Kunstund Technik wesentlich verändert und neu konzipiert. Er führte durch Neuberufungen und Gastlehrer neueWissensgebiete ein. Er orientierte das Entwerfen auf konkrete gesellschaftliche Aufgaben und bezog aktuellewissenschaftliche Methoden ein. Ihm gelang es so erstmalig, mit Studierenden Bau- und Industrieproduktezu realisieren. Aufbauend auf neuen Forschungen zeigt das Buch die geistigen Hintergründe desneuen Lehrkonzeptes und die konkrete Unterrichtspraxis in den einzelnen Fächern auf, lässt Lehrende undStudierende zu Wort kommen, geht den Weiterentwicklungen dieses pädagogischen Ansatzes bis zurHfg Ulm nach und spürt den Auswirkungen des Unterrichts in dem Oeuvre seiner Schüler nach.

Wie kaum ein anderer Architekt der Moderne hat Konrad Wachsmann die Industrialisierung des Bauens vorangetriebenund die daran geknüpften Möglichkeiten einer architektonischen Wende befördert. Wachsmannsuniverseller Standardknoten bildete den Ausgangspunkt für das Bauhaus Lab 2018. Im Schatten desZweiten Weltkriegs war er von ihm entwickelt worden und kam im General Panel System zum Einsatz, das1941 gemeinsam mit Walter Gropius in den Vereinigten Staaten realisiert wurde. Das Graduiertenprogrammhat den historischen Kontext und die Diskurse der transatlantischen Nachkriegsmoderne untersucht, diesich in diesem Metallverbindungsstück bündeln, und nach der zeitgenössischen Relevanz gefragt, die derArchitekturdiskurs um den "Universalknoten" besaß.

Rue Enghelab, Straße der Revolution, liegt im Zentrum von Teheran - einer Hauptader des kulturellen Lebensmit vielen Buchläden. Der Band zeigt Foto- und Propagandabücher, die die iranische Künstlerin HannahDarabi dort gesammelt hat. Anhand von Drucksachen, die von 1979 bis 1983 veröffentlicht wurden - der kurzenZeitspanne nach dem Ende des Schah-Regimes, als die islamische Regierung in den Anfängen war undMeinungsfreiheit herrschte - führt sie uns ins Zentrum einer künstlerisch und kulturell intensiven Periodeder iranischen Geschichte. Darabi hat einen visuellen Essay entwickelt, ergänzt um einen kritischen Apparatvon Chowra Makaremi. Diese Veröffentlichung mit ihren weiten Buchlandschaften gibt uns die Gelegenheit,erstmals seltene Print-Publikationen zu sehen. Sie erscheint in der Serie Applied Publishing Studiesund anlässlich der Ausstellung Hannah Darabi, Enghelab Street, A Revolution through Books: Iran 1979-1983,LE BAL, Paris, 9. Januar bis 11. Februar 2019.

Die Schülerarbeiten aus dem Vorkurs an der Hochschule für Gestaltung des Bauhauses Dessau sind besondereDokumente des Lernens. Es sind Zeugnisse der eigenständigen und vielstimmigen Übersetzung der jeweiligen Aufgabenstellungender Lehrenden. Sie konterkarieren nicht nur die inzwischen in der Geschichtsschreibung zum Bauhauskanonisierte Vorstellung des Vorkurses, sondern bieten in ihrer Vielfalt und Unabgeschlossenheit Einblicke inden doppelten Prozess des Erlernens und des Neuentdeckens. Die Publikation greift die Tradition der öffentlichenGastkritiken auf und übersetzt sie in die Gegenwart. Internationale Pädagogen und Gestalter blicken auf eine Auswahlvon Arbeiten, die aus unterschiedlichen Unterrichtsangeboten der Bauhausmeister stammen. Auf zentralenTableaus im Reader werden die historischen Schülerarbeiten durch Autoren und Festivalteilnehmer aus heutigerSicht auf ihre pädagogische und zeitgenössische Relevanz hin befragt. Die Publikation erscheint im Bauhaus-Jubiläumsjahr2019 als Begleitpublikation zum Festival Schule FUNDAMENTAL, Bauhaus Dessau, 20. bis 24. März 2019.

Le Corbusier plante und baute von 1945 bis 1967 fünf Unités d'Habitation in Marseille, Rezé (Nantes), Berlin, Briey-en-Forêt, Firminy. Auch wegen der Wohnungsnot der Nachkriegszeit entwickelte er einen neuen Gebäudetyp,einen multifunktionalen Wohnblock, der auf einer kleinen Grundfläche eine hohe Anzahl an Wohnungenmit Dachlandschaft und anderen urbanen Strukturen wie Kindergarten, Kino, Apotheke, Lebensmittelladenkombinierte. Der Urtyp der Unités wurde 1952 in Marseille fertiggestellt und löste durch seine revolutionäreKonzeption als vertikale Stadt mit völlig neuartigen Lösungen zu städtebaulichen, sozialen, ästhetischen undkonstruktiven Fragen eine internationale Diskussion aus. Die fünf Unités sind heute in sehr verschiedenenZuständen. Arthur Zalewski hat sie fotografisch festgehalten. Le Corbusier: 5 × Unité - Marseille, Nantes, Berlin, Briey, Firminy von Arthur Zalewski wird in fünf Ausstellungen, kuratiert von Peter Ottmann, von Aprilbis November 2019 in der C834 im Corbusierhaus in Berlin gezeigt.

Leben und sterben, lieben und loslassen - Bilder, Filme, Bücher, die sich mit dem Tod beschäftigen, rühren an den größten Ängsten. Die Fotografie ist nicht das erste Medium, das eingesetzt wurde, um den Tod zu bannen. Aber kein anderes Medium hat seit seiner Erfindung eine vergleichbare Auseinandersetzung durch Bildstrategien und Techniken hervorgebracht. Viele davon haben mit den spezifischen Eigenschaften von Fotografie zu tun: Einerseits wird ihr zugeschrieben, dass sie einen Schnitt durch Raum und Zeit lege und einen Moment festhalte, zum anderen werden die Bilder als unmittelbare Abbilder der Wirklichkeit wahrgenommen. Der ausstellungsbegleitende Katalog präsentiert mit über 400 Exponaten ein bislang noch nie dagewesenes Spektrum an Bildern vom Tod, die von den Anfängen der Fotografie bis in die Gegenwart reichen. Das letzte Bild. Fotografie und Tod, kuratiert von Felix Hoffmann, bei C/O Berlin, 8. Dezember 2018 bis 3. März 2019.

American author Ben Lerner and German film-maker and writer Alexander Kluge come from two different generations but share a single passion: an interest in the long-term effects of things.

Die Publikation versammelt Fallstudien aus der ganzen Welt, die sich mit der Geschichte des Bauhauses auseinandersetzen: den multiplen Historiographien des Bauhauses und der globalen Architekturgeschichte der Moderne, in der sich das Bauhaus befindet. Ziel dieses Buches ist es, Bauhausobjekte, Dokumente und Gebäude als molekulare Einheiten von Politik und Geschichte zu lesen. Im Zusammenhang mit diesen Objekten zielt die Publikation auch darauf ab, ihren komplexen Wegen der Zirkulation, Migration sowie ihren Verbindungsformen nachzugehen, die sonst für die Architekturgeschichte unsichtbar bleiben. Die Geschichte des Bauhauses ist in der Tat eine Geschichte der Migration: ihre Architekten, Künstler, Dokumente, Objekte und natürlich ihre Ideen, die über die Welt verstreut sind, führen zu Streit und manchmal zu rechtlichen Auseinandersetzungen bezüglich Authentizität, körperlichem und geistigem Eigentum und Urheberrecht, die in dem Buch auch thematisiert werden.