Bøger udgivet af Taschen GmbH

Seit TASCHEN im Jahr 1996 The Great American Pin-up herausbrachte, hat diese genuin amerikanische Kunstform international stark an Reputation gewonnen. Die leicht geschürzten Mädchen, die ursprünglich als Kalendergirls und Seelentrost die Spinde von Soldaten und Arbeitern zierten, fanden damals lediglich das Interesse einiger fanatischer Sammler. Mittlerweile haben sie es in die angesehensten Museen der Welt geschafft. Bilder von Größen der Pin-up-Kunst wie Alberto Vargas, George Petty oder Gil Elvgren , die 1996 noch für 2.000 Dollar zu haben waren, kosten heute 200.000 Dollar und mehr. Allein schon aus Höflichkeit haben es sich die hübsch gemalten Mädchen auch auf ihrem Weg in die museale Anerkennung nicht nehmen lassen, bisweilen zu stolpern, um kurze Blicke auf ihre Höschen und damit ihr Kerngeschäft zu gestatten: ein wenig teasen , ein bisschen Bein zeigen und die Fantasie beflügeln - alles natürlich im halbwegs sittsamen Rahmen! Ausgehend von unserem gefeierten XXL-Kompendium The Art of Pin-up versammelt diese erschwinglichere Ausgabe die Top 10 dieser Kunstform in ausführlichen Einzelporträts. Jedes Kapitel dokumentiert den kreativen Prozess mit historischen Dokumenten - Fotos der Models, die als Vorlagen dienten, zeitgenössischen Drucken etc. -, von denen viele in der legendären Brown & Bigelow Calendar Company fotografiert wurden, die das weltweit größte Archiv an Vintage-Pin-up-Kalendern beherbergt.

Auf den ersten Blick erinnern Walton Fords großformatige, detailreiche Tieraquarelle an die Drucke der Illustratoren John James Audubon und Edward Lear aus dem 19. Jahrhunderts. Bei genauerem Hinsehen eröffnet sich jedoch ein komplexes und beunruhigend anthropomorphes Universum voller Symbolik , hintergründigem Humor und Anspielungen auf die "Opernhaftigkeit" traditioneller Naturkunde . In diesem beeindruckenden und zugleich unheimlichen visuellen Universum sind die Bestien nicht nur ästhetische Objekte , vielmehr dynamische Darsteller allegorischer Kämpfe : Ein wilder Truthahn zermalmt mit seiner Klaue einen kleinen Papagei; ein Trupp Affen verwüstet eine festlich gedeckte Tafel; ein Büffel ist von blutbefleckten weißen Wölfen umstellt. Diese Bilder in strahlenden Aquarellfarben fesseln nicht nur durch ihren verblüffenden Naturalismus , sondern auch durch die komplexen Geschichten , die sie erzählen. Diese aktualisierte Ausgabe von Pancha Tantra - die zunächst als signierte und limitierte Edition erschienen war - ist der bislang umfangreichste Überblick über Fords Werk mit über 20 neuen Arbeiten des Künstlers . Der Band bietet schillernde Details, eine eingehende Analyse seines Werks , eine vollständige Biographie und Auszüge aus Texten, die ihn inspirierten : von indianischen Volksmärchen über die Briefe von Benjamin Franklin und Das Leben des Benvenuto Cellini bis hin zu Audubons Ornithologischer Biographie .

Die japanische Architektur wird seit langem für ihre Extravaganz, Nachhaltigkeit und scheinbar unbegrenzte Kreativitä t gerühmt - nicht weniger als acht japanische Architektinnen und Architekten wurden mit dem Pritzker-Preis ausgezeichnet . Seit den experimentellen Kontruktionen der Expo '70 in Osaka hat Japan eine Schlüsselposition in der globalen Architektur , manifestiert in meisterhaften Betonkonstruktionen von Tadao Ando oder nachhaltigeren Ansätzen von Baumeistern wie Kengo Kuma , Shigeru Ban und Kazuyo Sejima . Jüngere Generationen entwickelten ihre Arbeit noch weiter im Einklang mit der Umwelt, Bautraditionen und verfügbaren Ressourcen, immer in Hinblick auf die besonderen Situation des Landes: hohe Bevölkerungsdichte, effiziente Wirtschaft sowie tragische Katastrophen wie Erdbeben. So unterscheidet sich die japanische Architektur im Kern von der europäischen und amerikanischen durch die Fähigkeit zu akzeptieren, dass die Welt so unvorhersehbar ist wie die Spiegelungen des Lichts in Sejimas Museumsbau in Kanazwa. Dieses Buch basiert auf der XL-Ausgabe und präsentiert 37 japanische Architektinnen und Architekten mit insgesamt 53 Projekten , von Tadao Ando s Shanghai Poly Theater, SANAA s Grace Farms, Fumihiko Maki s 4 World Trade Center bis hin zu Takashi Suo s nachhaltiger Zahnarztpraxis. Ein ausführlicher Essay verdeutlicht, dass ein Zusammenspiel von Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft das Fundament zeitgenössischer japanischer Baukunst bildet, wie es in keinem anderem Land möglich wäre.

Helmut Newton's lens captured the essence of elegance, power, and glamorous sexuality, showcasing the allure of women as never before. His photographs tell stories that evoke desire, intrigue, and empowerment, leaving an indelible mark on the art world.

Im New York der Fünfzigerjahre, bevor er zu einem der bekanntesten Künstler des 20. Jahrhunderts wurde, war Andy Warhol ein geschätzter und erfolgreicher Gebrauchsgrafiker . In dieser Zeit schuf er, um Kunden zu gewinnen, Kontakte zu pflegen und Freundschaften aufzubauen, sieben handgefertigte Bücher mit eigenen Zeichnungen und skurrilen Texten, die unter anderem sein Faible für Katzen, Essen, Schuhe, hübsche Jungs und hinreißende Mädchen verrieten. Die in Kleinstauflage erstellten Bücher sind heute unerschwingliche Sammlerstücke. TASCHENs Reprint von sieben dieser Bücher im XL-Format gleicht Warhols Originalen im Detail. Mit Titeln wie Love Is a Pink Cake, 25 Cats Named Sam und À la recherche du shoe perdu offenbaren die Bände Warhols vollendete Zeichenkunst , seine grenzenlose Kreativität und seinen mit zahlreichen Anspielungen gespickten Humor. Dieser Band ist ein reizvolles Spiel mit Stilen und Gattungen ; so widmet A Is for Alphabet jedem Buchstaben des Alphabets eine eigene Seite, während die Illustrationen von holprigen Dreizeilern über merkwürdige Begegnungen zwischen Mensch und Tier begleitet werden. In the Bottom of My Garden ist Warhols Version eines Kinderbuchs und zugleich ein Bekenntnis zur homoerotischen Liebe. Bei Wild Raspberries hingegen parodiert er mit einem Füllhorn abenteuerlicher Rezepte ein Kochbuch. Dieses farbenfrohe Portfolio wird durch Essays ergänzt, in denen Warhols Illustrationen erläutert werden. Mit selten gesehenen Fotografien des Künstlers und Bildern seiner kommerziellen Auftragsarbeiten ordnen sie Warhols Kunst aus den fünfziger Jahren in einen größeren Zusammenhang ein und bietet Einblicke in seine frühe schöpferische Vorgehensweise. Diese wenig bekannten, aber sehr begehrten Frühwerke Warhols wirken heute noch ebenso anregend und originell wie in den seligen Zeiten der 1950er. Mit einem einführenden Essay der Warhol-Expertin Nina Schleif sowie zeitgenössischen Bildern und Fotos von Warhol zeigt dieser sorgfältige Nachdruck Warhol in dem Moment, in dem aus dem Gebrauchsgrafiker ein Künstler wird. © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.

Egal, ob Parfüms oder Pyjamas, Wurst oder Wein - Produkte ansprechend und innovativ zu verpacken ist eine Wissenschaft für sich. Diese kompakte Ausgabe beinhaltet mehr als 600 Kreationen aus über 35 Ländern und ist damit eine Würdigung der außerordentlichen Leistungen der globalen Verpackungsdesign-Community. Gezeigt werden die Siegerentwürfe der Pentawards der letzten zehn Jahre, des weltweit wichtigsten Wettbewerbs in diesem Feld. Das Verpackungsdesign ist eine der lebendigsten und kompetitivsten Designdisziplinen. Unterschiedlichste Faktoren spielen eine Rolle: die Bedürfnisse der Kunden, Vorgaben von Seiten des Marketings, die sich unaufhörlich weiterentwickelnden Umwelt-Policies und die Rücksichtnahme auf kulturelle Aspekte und Diversität. Um all diesen Ansprüchen gerecht zu werden, befassen sich unzählige Beteiligte mit den kleinsten Details... Designer, verschiedenste Dienstleister, Werkstoffzulieferer, Druckereien - ein eigene Galaxie, in der sich alles und alle um die Verpackung drehen. Die vor 15 Jahren ins Leben gerufenen Pentawards - der dynamischte und vielfältigste Preis der Branche - setzen jedes Jahr aufs Neue globale Maßstäbe in Sachen Qualität, indem die cleversten und vielseitigsten Designs auserkoren werden. Das Package Design Book - Volume 2 zeigt die Gewinner der vergangenen Dekade und lässt damit das Verpacken als kaleidoskopische Kunstform hochleben. Darin werden nicht nur neue und unerwartete Entwicklungen zur Geltung gebracht, dieser Band vermittelt auch eine klare Vision der Entwicklung dieser Industrie, insbesondere hinsichtlich neuer Materialien und des Themas Nachhaltigkeit. Über die Reihe Bibliotheca Universalis - Kompakte kulturelle Begleiter zur Feier des eklektischen TASCHEN-Universums!

Die ehrwürdige Tradition der botanischen Illustration lässt sich bis in die Renaissance zurückverfolgen. Sie entstand aus dem Wunsch, die Natur in all ihrer launigen Pracht zu katalogisieren, und dazu bedurfte es der präzisesten und begabtesten Künstler. Mit seinem bemerkenswerten Geschick, das ihn in die Lage versetzte, die kompliziertesten Motive aus der Natur wiederzugeben, gilt Pierre-Joseph Redouté weithin als bester Maler und Stecher botanischer Abbildungen . Weil ihm nicht Exemplare aus einem Herbarium, sondern lebende Pflanzen als Vorlage dienten, wirkten seine Aquarelle ungewöhnlich fein und frisch . Zudem war er ein Wegbereiter neuer Drucktechniken , der die "Punktgravur" nach Frankreich brachte, weil er stets eine immer größere Präzision in seiner Kunst anstrebte. Zufällig konnte sich Redouté Förderung durch einige der einflussreichsten Mäzene seiner Zeit sichern, darunter Königin Marie-Antoinette und Kaiserin Joséphine , die dafür sorgten, dass seine Werke finanziert und ausgestellt wurden.Seine eindrucksvolle Sammlung umfasst über 2.000 Gemälde von Pflanzen, die er mit großer Genauigkeit und strenger Naturtreue abbildete. In dieser Ausgabe von Les Roses wendet Redouté seine Aufmerksamkeit der romantischsten, begehrtesten und sinnträchtigsten aller Blumen zu. Dieses Werk, das ursprünglich zwischen 1817 und 1824 in drei Bänden erschien, gehört bis heute zu seinen bekanntesten und berühmtesten.

Zaha Hadid war eine revolutionäre Architektin. Jahrelang wurde sie in weiten Kreisen gefeiert und mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet, obwohl sie praktisch nichts baute. Einige behaupteten sogar, es sei schier unmöglich, ihre Entwürfe umzusetzen. Dennoch wurden Hadids Visionen in ihren späteren Lebensjahren Realität und brachten ein neues, einzigartiges architektonisches Vokabular in Städte und Projekte wie das Port House in Antwerpen, das Al Janoub Stadium bei Doha in Katar und das beeindruckende neue Flughafengebäude in Peking. Zum Zeitpunkt ihres verfrühten Ablebens 2016 war Hadid fest in der höchsten Architekturelite etabliert und arbeitete an Bauvorhaben in Europa, China, dem Nahen Osten und den Vereinigten Staaten. Sie war die erste Architektin, die sowohl den Pritzker-Architekturpreis als auch die prestigeträchtige Royal Gold Medal der RIBA erhielt. Ihr langjähriger Partner Patrik Schumacher leitet heute das Büro Zaha Hadid Architects. Diese kompakte Ausgabe , die auf Grundlage der XXL-Monografie entstand, deckt Hadids sämtliche Werke bis hin zu laufenden Projekten ab. Mit reichlich Fotos, ausführlichen Skizzen und Hadids eigenen Zeichnungen folgt der Band ihrer Laufbahn, indem er nicht nur ihre bahnbrechendsten Bauten erfasst, sondern auch ihre Entwürfe für Möbel und Inneneinrichtungen einbezieht, die Teil ihrer einzigartigen Welt waren, die unverkennbar den Stempel des 21. Jahrhunderts trägt.

Aerial, Twinfin und Newschool - heutiger Surferjargon lässt kaum vermuten, dass die neuzeitliche Geschichte des Surfens mit Captain Cooks Südsee-Expedition 1778 begann. Von Polynesien aus hat das Surfen die Welt erobert und mittlerweile viele Bereiche unserer Kultur durchdrungen - Mode, Pop, Sport, Kino und Fotografie . Was Anfang des letzten Jahrhunderts noch ein exotisches Vergnügen weniger Abenteurer war und später als Subkultur die Mythologie Kaliforniens prägte, ist im Mainstream angekommen und mit seinen rund 20 Millionen Aktiven weltweit und ungezählten Fans zur festen Größe der Freizeitindustrie geworden, mit internationalen Stars, Weltranglisten und spektakulären Events wie den "Big Wave Awards", auf atemberaubenden Action-Shots millionenfach publiziert und ins Netz gestellt. Jim Heimanns Buch zeichnet diese Geschichte nach, mit Hunderten von Bildern und Beiträgen renommierter Surfjournalisten . Der Band folgt der Chronologie der Ereignisse vom Erstkontakt der Europäer mit dem Surfen bis in unsere Tage der Eventkultur. Mehr als zwei Jahrhunderte Surf Culture, illustriert mit einer überwältigenden Fülle an Bildmaterial aus öffentlichen wie privaten Sammlungen und Archiven, kommentiert und erläutert von der ersten Liga des Surfschreibertums. Die Bibel für jeden Surffan, popkulturell Interessierten und Bilderhungrigen.

Der Kisokaido durch Japan wurde Anfang des 17. Jahrhunderts vom damaligen Herrscher Tokugawa Ieyasu angelegt. Auf dem mühsamen Weg von Edo (dem heutigen Tokio) nach Kyoto ließ er in regelmäßigen Abständen Rastplätze einrichten, an denen Gasthäuser, Läden und Restaurants den erschöpften Reisenden Kost und Logis boten. Im Jahre 1835 erhielt der anerkannte Holzschnitzer Keisai Eisen den Auftrag, die Reise auf der Kiso-Straße in einer Reihe von Schnitten abzubilden. Nachdem er 24 Holzschnitte fertiggestellt hatte, wurde Eisen durch Utagawa Hiroshige abgelöst, der die Reihe von 70 Holzschnitten schließlich 1843 vollendete. Sowohl Eisen als auch Hiroshige waren renommierte Holzschnittkünstler . In Kiso Kaido Rokujukyu-tsugi lassen beide ihre charakteristische Handschrift erkennen, ohne dabei den harmonischen Gesamteindruck zu verraten. Von der belebten Ausgangsstation Nihonbashi bis zur Festungsstadt Iwamurata wählte Eisen in seinen Bildern gedecktere Farben, zeichnet sich jedoch durch die Darstellung von Personen - vor allem glamourösen Frauen - aus und schwelgt in Momentaufnahmen des Treibens entlang der Strecke , vom Beschlagen eines Pferdes bis zum Fegen von Reis. Hiroshige demonstriert mit atmosphärischen Szenen , wie souverän er die Landschaftsdarstellung beherrscht, von den friedvollen Ufern des Ota bis zum Furcht einflößenden Wada-Pass und einem Aufstieg zwischen Yawata und Mochizuki im Mondschein . Die Sammlung Die neunundsechzig Stationen des Kisokaido stellt nicht nur einen Höhepunkt der Holzschnittkunst dar - mit kühnen Kompositionen und experimentellem Einsatz von Farbe -, sondern bildet auch einen reizvollen Bildteppich vom Japan des 19. Jahrhunderts, lange bevor die Industrialisierung über das Reich der aufgehenden Sonne hereinbrach. Diese Ausgabe zeigt das einzige bekannte Exemplar dieser Serie, das fast vollständig aus seltenen Erstdrucken besteht, und lässt so den Bilderzyklus in TASCHENs kompaktem Jubiläumsformat in gebührender Pracht wiederauferstehen.

In den letzten Jahren verfolgten Steven Heller und Julius Wiedemann die weltweit neuesten Entwicklungen in der Illustration . All diejenigen, die dachten, digitale Gestaltung bedeute das Ende eines ganzen Berufsfeldes, werden in diesem Band eines Besseren belehrt. Bevor Massenmedien unsere Sehgewohnheiten für immer veränderten, war Illustration das effektivste Mittel, um die Wirkung von Worten auf Papier zu verstärken. Heute starren wir auf Bildschirme, die teilweise klein wie ein Ziffernblatt sind, was heutige Illustratoren und Designer aber glänzend parieren: Illustrationen sind freier und vielfältiger denn je . Sie sind allgegenwärtig in sämtlichen Arten von Medien , vom Papier bis zum Bildschirm, über Verpackungen, Bücher bis hin zur Kleidung. Es gibt aktuell mehr Illustratoren, die zur Populärkultur beitragen als jemals zuvor. Dieser Band feiert die schiere Qualität, Vielfalt, Intensität, Komik, Vitalität und Einzigartigkeit der gezeigten Arbeiten . Von etablierten Künstlern bis hin zu aufstrebenden Stars - die hier vertretenen "Besten" sind nur die Spitze des sprichwörtlichen Eisbergs, bieten aber eine überzeugende Momentaufnahme der weltweit angesagtesten Stile, Techniken und Farbgestaltungen . Wählen Sie Ihre Favoriten!

Mit seinem zeichnerischen Stil, seinen verzerrten Figuren und seiner Ablehnung konventioneller Schönheitsvorstellungen war Egon Schiele (1890-1918) ein Vorreiter des Wiener Expressionismus und einer der beeindruckendsten Porträtmaler des 20. Jahrhunderts.Schiele, dessen Mentor Gustav Klimt war, versuchte sich zunächst am glitzernden Jugendstil, bevor er seine eigene raue und provokante Ästhetik der harten Linien, grellen Farben und ausgezehrten Figuren entwickelte. Seine Porträts und Selbstporträts schockierten die Wiener Gesellschaft mit ihren erotischen Posen und einer bis dato beispiellosen psychologischen und sexuellen Intensität. So kauern er oder seine Modelle, die manchmal klapperdürr und kränklich, manchmal aber auch stark und sinnlich waren, oft mit gespreizten Beinen und deutlich sichtbaren Genitalien am Boden und starren den Betrachter an.Viele Zeitgenossen empfanden Schieles Bilder nicht nur als hässlich, sondern auch als moralisch verwerflich, was sogar dazu führte, dass der Maler für kurze Zeit wegen "Verbreitung unsittlicher Zeichnungen" inhaftiert wurde. Heutzutage wird er für seine revolutionäre Darstellung des Menschen und seinen unverkennbaren, direkten, beinahe fieberhaften Zeichenstil gefeiert. Dieses Buch führt anhand ausgewählter Werke in Schieles kurze, aber intensive Karriere ein und beleuchtet seinen enormen Einfluss auf die Kunst der Moderne, die sich auch im Werk zeitgenössischer Künstler wie Tracey Emin und Jenny Saville spiegelt.

C'est la décennie de l'audace, des toiles expressionnistes, des oeuvres d'art totales du Bauhaus, et des bals de travestis ; de Metropolis et de Marlene Dietrich. Des salles de cinéma combles aux bars jazz bondés, venez découvrir l'esprit libre et courageux des années 1920 à Berlin grâce à cette évocation culturelle vivante de la période, à...

Questo cofanetto comprende due volumi esaustivi che esplorano il mondo intero per portare alla luce gli edifici in mattone più esaltanti e innovativi realizzati negli ultimi quindici anni, dall'Argentina alla Nuova Zelanda. Gli edifici selezionati mostrano come il mattone possa essere impiegato nelle modalità più disparate, dagli spazi culturali a quelli abitativi, dalle infrastrutture fino ai luoghi dedicati al divertimento, come la Tate Modern Switch House di Herzog & De Meuron, l'Amorio Restaurant di Tidy Architects a Stantiago e il Maternity Waiting Village di Mass Design Group, a Kasungu, in Malawi.

Der dritte Band der Bibliothek der Esoterik unternimmt eine spannende Reise durch die Geschichte der Hexenkunst und folgt dabei der magischen Praxis von ihren Ursprüngen bis zu heutigen Inkarnationen. Witchcraft zeichnet mit mehr als 400 Kunstwerken, aufschlussreichen Essays und Interviews mit modernen Magierinnen und Magiern die Chronik einer kathartischen Entwicklung nach, die von den ersten Zeugnissen zur Verehrung antiker Göttinnen bis zu der vielgestaltigen Hexen-Community von heute reicht.

Retracez l'histoire secrète du tarot grâce à ce premier tome de collection Library of Esoterica de TASCHEN, la bibliothèque ésotérique dédiée aux moyens créatifs par lesquels nous tentons de nous connecter au divin. Habilement structuré suivant l'ordonnancement des arcanes majeurs et mineurs, ce recueil illustré rassemble plus de 500 cartes et...

TASCHENs Bibliothek der Esoterik erforscht die kreativen Versuche des Menschen, in Kontakt mit dem Göttlichen zu treten. Teil 1 der neuen Reihe widmet sich der geheimen Geschichte des Tarot. Kunstvoll arrangiert nach Reihenfolge der Großen und Kleinen Arkana, versammelt dieses visuelle Kompendium mehr als 500 Karten und Originalwerke aus aller Welt zur umfassenden Erforschung einer jahrhundertealten Kunst- und Wahrsageform.

Tourné vers le ciel, le deuxième tome de la Bibliothèque Ésotérique de TASCHEN plonge dans la trépidante histoire visuelle de l'astrologie occidentale. De sa naissance comme petite soeur de la science astronomique à notre Ère du Verseau, l'évolution de cette pratique ancestrale se raconte à travers plus de 400 images, des temples égyptiens à...

Looking to the sky, the second volume in TASCHEN's Library of Esoterica series delves into the vibrant visual history of Western astrology. The story of this ancient practice is told through more than 400 images -- from Egyptian temples to contemporary art -- sequenced to mirror the spin of the planets and the wheel of the zodiac.

Die Katze ist aus dem Sack. Die Reihe zu den Körperteilen endet mit dem Ursprung von uns allen

Der notorische "Bad Boy" der italienischen Malerei gilt heute als einer der einflussreichsten Maler der Kunstgeschichte. Dieser Catalogue raisonné zeigt sämtliche Gemälde des Genies sowie spektakuläre Details. In fünf Kapiteln wird Caravaggios künstlerischer Wagemut beleuchtet, eine detaillierte Lebenschronologie zeichnet sein turbulentes Leben nach. Der Schuber verwandelt sich in einen Buchständer, mit dem Sie Ihre eigene Caravaggio-Galerie aufbauen können."Ein Katalog mit erstklassigen ganzseitigen Farbdrucken sämtlicher Hauptwerke von Caravaggio."- Royal Academy Magazine, London

domus, 1928 von dem großen Mailänder Architekten und Designer Gio Ponti gegründet, war das erste Magazin seiner Art und galt für Jahrzehnte als einflussreichste Architektur- und Designzeitschrift der Welt. domus war Spiegelbild des Zeitgeistes und prägte ihn zugleich mit.Dieser Band dokumentiert die Entwicklung des Magazins in den Jahren 1928 bis 1939. Es war eine Ära, die durch das Aufkommen des Internationalen Stils berühmt wurde, definiert durch wegweisende Bauten, Intérieurs und Möbel von Le Corbusier, Mies van der Rohe, Marcel Breuer, Alvar Aalto und Richard Neutra. Die italienische Avantgarde - darunter Giuseppe Terragni, Carlo Mollino, Gio Ponti, Melchiorre Bega, Franco Albini und Studio BBPR - war ebenfalls von zentraler Bedeutung in diesem Jahrzehnt des Modernismus. Treten Sie ein in das Reich der Röhrenmöbel, Wendeltreppen und Wolkenkratzer aus Stahl, Glas und Beton und in eine Zeit, in der "Form follows function" und "Less is more" zu Parolen einer zeitgemäßen Architektur wurden.domus distilled Sieben Bände über den Zeitraum von 1928 bis 1999 Über 4.000 Seiten mit einflussreichen Projekten der wichtigsten Architekten und Designer Original-Layouts und sämtliche Titelseiten Einleitende Essays von renommierten Architekten und Designern Jede Ausgabe mit einem Anhang von erstmalig aus dem Italienischen ins Englische übertragenen Texten Ein umfassender Index in jedem Band verzeichnet die Namen aller Designer und Hersteller

Vor über 100 Jahren stellten die Gebrüder Adolf ("Adi") und Rudolf Dassler ihre ersten paar Sportschuhe her. TASCHEN präsentiert jetzt eine visuelle Aufarbeitung der Geschichte des adidas-Schuhs mit fast 200 Modellen . Wir begegnen Helmut Rahns Endspielschuhen des "Wunders von Bern" , Sondermodellen für Run DMC oder Lionel Messi , Collabs mit wichtigen Designern, Musikern und Organisationen wie Pharrell Williams , Raf Simons , Stella McCartney , Yohji Yamamoto sowie wegweisenden Techniken und Materialien. Um seine Produkte weiter zu entwickeln und auf ihre spezifischen Bedürfnisse zuzuschneiden, bat Dassler die Athleten, ihre getragenen Schuhe nach Gebrauch zurückzugeben (bis heute geben viele Sportler ihre Schuhe an adidas zurück, oft als Dankeschön nach einem Titelgewinn oder Weltrekordversuch). Daraus entwickelte sich das "adidas archive" , eines der weltweit größten historischen Archive eines Sportartikelherstellers, das die Fotografen Christian Habermeier und Sebastian Jäger seit Jahren umfassend und detailliert dokumentieren. Mittels hochauflösender Reproduktionstechniken wurden den Schuhen möglichst viele Details entlockt. Alles, was man sieht, Risse , Flecken , Grasreste , verblasste Signaturen , ist echt und bringt die persönlichen Geschichten jedes einzelnen Trägers ans Licht. Der Betrachter wird in die Lage versetzt, feinste Materialdetails wie Nähte und Webstrukturen zu entdecken und die Entwicklung des adidas-Schuhs en détail nachzuvollziehen. Mit drei Expertenessays dokumentiert der Band nicht zuletzt Deutsche Sport-, Design- und Wirtschaftsgeschichte von den Anfängen der Gebrüder Dassler über die Gründung von adidas bis heute. Sepp Herbergers Anweisung "Adi, stoll auf" ist fast so legendär wie der Radiokommentar von Herbert Zimmermann. Der Ausgang ist bekannt: Deutschland wird Fußballweltmeister und Dassler zum "Schuster der Nation". Oder der Ausspruch von Tennislegende Stan Smith: "Some people think I'm a shoe." Oder die Geschichte des Superstars , der in den 80ern durch den Song "My adidas" der New Yorker HipHop-Gruppe Run DMC zum Lifestyle-Sneaker wurde. Dies sind einige von vielen Geschichten, die Marken und Helden zusammenbringen. Man darf gespannt sein, welches sportliche Highlight als nächstes kommt.

Die 1928 von dem großen Mailänder Architekten und Designer Gio Ponti als "lebendes Tagebuch" gegründete Zeitschrift domus gilt als die einflussreichste Publikation für Architektur und Design weltweit. Mit Stil und Strenge hat das Magazin kontinuierlich über die wichtigsten Themen und Trends in den Bereichen Architektur, Produktdesign, Raumgestaltung und Industriedesign berichtet.Dieser Nachdruck zeigt die Highlights der 1960er-Jahre und dokumentiert die gewagten, praktischen und ästhetischen Projekte jener von futuristischer Erregung und boomender Popkultur geprägten Dekade. Kunststoffe sind angesagt und führen zu radikal neuen Designs, während konventionelle Vorstellungen von Eleganz experimentellen Formen weichen müssen. Arbeiten, die im Magazin besprochen wurden, mussten funktional, gradlinig, intellektuell überzeugend, originell, relevant und/oder einfach schön sein. Zu den Projekten und Praktikern, die diesen hohen Ansprüchen gerecht wurden, gehören Ray und Charles Eames, Gae Aulenti, Kenzo Tange, Verner Panton, Achille und Pier Giacomo Castiglioni, Ettore Sottsass, Carlo Scarpa, Angelo Mangiarotti, Cesare Maria Casati und Eero Saarinen.domus distilled Sieben Bände über den Zeitraum von 1928 bis 1999 Über 4.000 Seiten mit einflussreichen Projekten der wichtigsten Architekten und Designer Original-Layouts und sämtliche Titelseiten Einleitende Essays von renommierten Architekten und Designern Jede Ausgabe mit einem Anhang von erstmalig aus dem Italienischen ins Englische übertragenen Texten Ein umfassender Index in jedem Band verzeichnet die Namen aller Designer und Hersteller

domus, 1928 von dem großen Mailänder Architekten und Designer Gio Ponti gegründet, war das erste Magazin seiner Art und galt für Jahrzehnte als einflussreichste Architektur- und Designzeitschrift der Welt. domus war Spiegelbild des Zeitgeistes und prägte ihn zugleich mit.Innerhalb nur weniger Jahre ist die Architektur der 1970er vom verhöhnten Hauptschulabbrecher in Waschbetonhosen zum Liebling aller Architektur- Aficionados avanciert. Mit dem Generationenwechsel in Lehre, Forschung und Erinnerungsarbeit erfährt diese Epoche zwischen Moderne und Postmoderne eine komplette Neubewertung. Dieser Band aus TASCHENs domus-Reihe bietet die Gelegenheit, eigene Positionen mit der Expertenmeinung von damals abzugleichen. domus diskutierte in diesen Jahren unter anderem erste Überlegungen zum ökologischen Bauen und präsentiert Projekte von Shiro Kuramata, Verner Panton, Joe Colombo und Richard Meier, die modernistischen Bauten von Foster Associates und natürlich den großen Aufreger dieser Ära, das bahnbrechende Centre Georges Pompidou von Renzo Piano und Richard Rogers mit seiner demonstrativ nach außen gekehrten Technik.domus distilled Sieben Bände über den Zeitraum von 1928 bis 1999 Über 4.000 Seiten mit einflussreichen Projekten der wichtigsten Architekten und Designer Original-Layouts und sämtliche Titelseiten Einleitende Essays von renommierten Architekten und Designern Jede Ausgabe mit einem Anhang von erstmalig aus dem Italienischen ins Englische übertragenen Texten Ein umfassender Index in jedem Band verzeichnet die Namen aller Designer und Hersteller